Neopop confirma a 8 nombres para su 15º aniversario… y no sabemos a cuál destacar

15 años no se cumplen todos los días y -es justo reconocerlo- la dirección del festival portugués Neopop ya había avisado de que el evento encaraba una edición histórica. De momento, Neopop anuncia a tres de los mejores directos que pueden verse ahora mismo en la escena clubbing, cuatro DJ sets de primerísima división y el showcase de uno de los sellos de culto de la electrónica avanzada europea.

El festival, que recibe cada mes de agosto a 35.000 personas en la costa de Viana do Castelo, bien al norte de Portugal y muy cerca de la frontera con Galicia, recibirá al legendario trío canadiense Cobblestone Jazz, formado por Mathew Jonson, Danuel Tate y Tyger Dhula, en lo que será un homenaje a la improvisación techno en formato jam session. Los alemanes Gernot Bronsert y Sebastian Szary también estarán presentes como Modeselektor, explayándose en su propuesta techno y electro de corte clásico. El tercer directo confirmado es el de sus compatriotas FJAAK, ahora convertidos también en dúo y siempre fieles a su personalidad rave y su techno acelerado, medio industrial-medio ácido.

 

 

En la faceta de deejays, Neopop contará con el groove acelerado de Loco Dice, el sonido minimal-techno de Paco Osuna, el house de aire big-room de Honey Dijon, el disco-funk de The Black Madonna y el showcase del sello/colectivo seminal británico Hessle Audio, formado por tres maestros del eclecticismo hecho baile como Ben UFO, Pearson Sound y Pangaea.

El 15º aniversario de Neopop sucederá del 12 al 15 de agosto de 2020 en Viana do Castelo, Portugal, y los abonos completos para los 4 días de festival están ya a la venta aquí.

 

ENTRADAS NEOPOP 2020

(Imagen de Portada: © Neopop 2019)

 

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Xceed DJs of the Year: 30 nombres que brillaron en 2019

La música, como cualquier otro arte, no va de competencia, ni de rankings. Por eso, este año, en Xceed hemos querido evitar una lista con “los mejores” artistas del año. ¿Qué criterios se deberían utilizar? ¿Artistas que han publicado música nueva? ¿DJs que han dado el salto a la fama? ¿Grandes nombres que siguen moviendo a incontables masas como llevan haciendo desde hace más de una década? ¿Qué tiene más mérito de todo eso? La mayoría de los rankings de otras publicaciones se basan en votaciones públicas, pero volvemos al caso: ¿tener más fans implica ser mejor artista? O acotando más: ¿tener más fans activos en redes implica ser mejor artista?

Este año, Xceed Night Mag propone un repaso al 2019 basándose en un único criterio: 30 nombres que han dado que hablar. 30 artistas que pueden afirmar que 2019 no ha sido un año más en su carrera, sino el año a escribir en letras de oro en sus libros de memoria, sea por el motivo que sea. Son 30 nombres -ordenados alfabéticamente- que se han consolidado, que han dado un salto de calidad, que han publicado su mejor música hasta la fecha o que han multiplicado su presencia y relevancia en la escena.

 

Lo que originalmente fue un dúo (lo sigue siendo en formato DJ) se ha convertido ya en trío tras la incorporación -prácticamente fija- del teclista argelino Kenzi Bourras. Fue con él que los mediterráneos Acid Arab crearon Jdid -literalmente, “nuevo” en árabe-, un álbum de 11 pistas que nació con las ciudades de Oran y Estambul como campamentos base, pero que adopta influencias y sonidos de toda el área mediterránea, de norte a sur y de este a oeste. El cruce de caminos entre los componentes de Acid Arab, la convivencia de las dunas de arena con los rascacielos de hormigón, la interculturalidad y las aproximaciones acústicas hicieron de Jdid y de sus múltiples interpretaciones en directo alrededor del mundo uno de los grandes recuerdos del 2019. Posiblemente, Jdid sea el mejor trabajo de Acid Arab en toda su carrera.

 

El de Anetha es uno de los talentos emergentes más llamativos de la escena rave europea. Representa a la perfección la nueva horneada de jóvenes artistas franceses inspirados en el electro, el EBM, el trance y el techno de los años 90. En 2019, Anetha se ha consolidado como una de las grandes artistas de esta escena. Se ha convertido en DJ residente de las raves parisinas Possession junto a otros como VTSS o Hector Oaks, ha estrenado su propio sello Mama Told Ya, ha actuado en clubs como Concrete, Bassiani, De School o Berghain y ha sido invitada por DVS1 a la noche curada por el americano en Fabric London. Los hechos hablan por sí solos.

 

No es un secreto que 2019 ha sido un año de grandes cambios para Blond:ish. El dúo se separó, quedándose Vivie-Ann con el nombre de Blond:ish para actuar en solitario y utilizando Anstascia su nombre de pila a partir de entonces. La noticia sorprendió a toda la escena, pues Blond:ish venían de un 2018 en el que estrenaron su sello ABRACADABRA, iniciaron sus eventos ABRA, publicaron por primera vez en Warung, brillaron en Burning Man y firmaron residencias en WooMoon y Black Coffee, ambas en Ibiza. Vivie-Ann y Anstascia han insistido en que sus proyectos más allá de la música siguen más vivos que nunca. Blond:ish sigue apostando fuerte por la sostenibilidad y la ecología en todas las fiestas en las que actúa. Con el proyecto Bye Bye Plastic, Blond:ish pretende eliminar los plásticos de un solo uso en los eventos de música electrónica. De momento, ya son más de 1.500 los artistas internacionales de renombre que se han adherido.

 

El artista alemán ha explosionado. El nombre Boris Brejcha había estado siempre presente en la recámara gracias a himnos como “Purple Noise” o su edit del “Hale Bopp” de Der Dritte Raum. Sin embargo, su presencia en los escenarios y clubs de alrededor del mundo era más bien casual. A finales de 2018, Boris y sus amigos Ann Clue, Deniz Bul y Theydream, presentaron su sello Fckng Serious al mundo con un tour que los llevó por clubs y festivales de todo el mundo. El éxito fue rotundo. Un año después, Boris Brejcha cuenta con legiones de seguidores en los cinco continentes. Ha sido cabeza de cartel de festivales de gran formato y la presencia de su máscara y de su sello se ha extendido por pistas de baile de todo el mundo. Boris Brejcha ha sido, sin duda, uno de los mayores fenómenos (si no el mayor) del 2019 en la escena electrónica, siempre con aquello del género “high-tech minimal” como bandera.

 

En realidad, el hype de Caterina Barbieri empezó a notarse en 2018. Este 2019 ha sido más bien el año de su consagración como una de las artistas más influyentes y notorias de la escena de vanguardia y de los géneros ambient. Publicó un álbum en 2017, otro en 2018 y, con Ecstatic Computation, completó el trayecto en 2019. Paralelamente, sus apariciones en los mejores festivales de electrónica del mundo, como Unsound, Berlin Atonal, Mutek o Sónar, la establecen como un seguro para cualquiera que pretenda hacer feliz a un público de mente abierta y con ganas de experimentar y alterar su percepción sonora. El synth-ambient basado en modulares de la italiana residente en Berlín ha sido uno de los sonidos más interesantes del año.

 

La belga Charlotte de Witte empezó a hacerse notar entre finales de 2016 y principios de 2017. Anteriormente, era conocida, sobre todo en entornos rave, como Raving George, el aka que venía utilizando desde sus inicios. Decidió recuperar su nombre de pila y apostar por sonidos ligeramente más próximos al espíritu big-room, lo que, sobre todo en esos primeros años como Charlotte de Witte, la catapultó a la fama. En 2018, siguió creciendo, pero 2019 ha sido el año de su instauración como una de las productoras y DJs más demandadas de la escena techno. Tanto, que Charlotte se ha permitido recuperar viejas armas del acid techno y el ravy trance que le caracterizaron en sus inicios. De algún modo, podríamos decir que Charlotte de Witte es toda una estrella del techno de masas y cabeza de cartel allí donde actúe y que ha aprovechado esa situación para aportar a la escena big-room sonidos de entornos más underground.

 

David August ni siquiera llega a los 25 años de edad, pero es ya toda una referencia de la electrónica más sofisticada. Pianista desde que fue obligado a ello a los cinco años, David se caracteriza por haber dado con una propuesta musical que bien sirve para la pista de baile o para el salón de tu casa. Nos sorprendió cerrando el 2018 con varios lanzamientos de mucho volumen, lo que hacía presagiar un 2019 ajetreado para el artista afincado en Berlín. Y así ha sido: David August ha actuado en 2019 para DGTL, ADE, Lost Village, Primavera Sound, Sziget y Melt, entre otros. Artistas de prestigio como Ron Trent o Rafael Anton Irisarri han deconstruido su música en este 2019. Su directo es uno de los más bellos y preciosistas de la escena electrónica de baile y este año así lo ha constatado… probablemente de por vida.

 

Debutaron en 2010 y no pararon de publicar música durante siete años. Fue comprensible que, en 2017, los hermanos Guy y Howard Lawrence, conocidos como Disclosure, se tomaran un respiro tanto en el estudio como en los escenarios. Sin embargo, a finales de 2018, los británicos comenzaron a desengrasar máquinas y 2019 ha sido el mágico año de su regreso, tanto como productores como como DJs. La pareja de Croydon está cocinando un tercer álbum que verá la luz más pronto que tarde. Los mejores sonidos del mismo, siempre afines al house de aroma Detroit y a reticencias garage made in UK, han sonado ya durante este último año en grandes festivales como DGTL, Sónar, Estéreo Picnic, Space Invader o Movement.

 

DJ Tennis siempre ha estado allí. De pequeño, apuntaba maneras como tenista -de ahí su nombre-, pero terminó decantándose por la cocina (sí, es un chef muy reconocido) y, por supuesto, por la música de baile. Funk, disco, house, techno… DJ Tennis abarca multitud de géneros, tanto en sus DJ sets como en los lanzamientos del sello de culto que él mismo fundó: Life And Death. De hecho, LAD viene de cerrar uno de sus mejores años en cuanto al nivel de la música publicada. Del mismo modo, DJ Tennis viene de vivir un 2019 frenético, con casi 150 fechas repartidas por los cinco continentes. Tras un par de años en los que vimos a un DJ Tennis algo más difuminado, 2019 ha vuelto a colocar al italiano entre los mejores de la escena. Manfredi ha apostado por una propuesta sofisticada, avanzada y, para algunos, incluso futurista. Ha sido capaz de causar baile constante y desenfrenado soltando música experimental. 2019 ha sido el año de la reaparición de DJ Tennis como uno de los mejores de siempre.

 

¿Cómo no iba a estar entre los destacados del 2019? Sam Shepherd había anunciado el lanzamiento de su último álbum meses antes. Era el primero que producía en cuatro años y vio la luz en octubre. Los 12 temas que conforman Crush lograron centrar la atención de toda la crítica internacional. El experimentalismo sonoro está presente, pero también el UK bass y las armonías de aroma melancólico. Crush es un trabajo tan contemplativo como bailable. Floating Points lo ha mostrado al mundo actuando live en eventos de todo tipo y siendo acompañado -en muchas ocasiones- por sus fieles amigos de Hamill Industries, encargados de crear un constante diálogo entre la música de Floating Points y las imágenes que este guarda en su cabeza.

 

Mucho sorprendería que Four Tet termine olvidando este 2019. En marzo, lanzó bajo sus iniciales originales KH su tema original “Only Human”, una pieza basada en las vocales de “Afraid”, por Nelly Furtado, y que ha sido, sin lugar a dudas, uno de los mejores temas del 2019. En julio, ese trabajo y muchos otros -como su remix del “Opal” de Bicep- sonaron a oscuras en Sónar. Para la ocasión, Four Tet actuó live y totalmente a oscuras. Quería que el público estuviera, durante 90 minutos, centrado únicamente en la música. Curiosamente, el experimento contrasta con los espectáculos 3D inmersivos que ha seguido dando, sobre todo a finales de año, en Londres. Concretamente, el Alexandra Palace de la capital británica reunió a más de 10.000 personas que abarrotaron un espacio en el que Kieran Hebden apenas era visto por los 100 asistentes de las primeras filas. El resto, no habían ido a verle a él, sino a escucharle y bailarle, mientras 40.000 puntos de luz dirigibles bofeteaban sus sentidos y los llevaban a otra dimensión. Para algunos medios británicos, el espectáculo 3D de Four Tet es el mejor show visual del momento. Por ello, y por todo lo demás, nos atrevemos a decir que Four Tet está en el mejor momento de su exitosa y brillante carrera.

 

Cuando HAAi ganó el premio al Essential Mix del Año -otorgado por la BBC Radio 1- en 2018, muchos en Europa nos preguntamos de dónde salía. De la noche a la mañana, la artista australiana había pasado de ser la DJ residente del club londinense Phonox a convertirse en estrella internacional. El premio sirvió de carta de presentación al resto de Europa, al resto del mundo. Coqueteando con el new acid, el downtempo, el nu-disco, el house y el techno, HAAi llamó la atención de todos y, sólo en 2019, tuvo más de 100 fechas por todo el mundo. Glastonbury, Sónar, Kappa Futur Festival, Love International, Dour, Montreux Jazz Festival, Pulsar, Draaimolen, FORT Festival, Magnetic Fields y fiestas como Innervisions (de Dixon), Circoloco (en el DC-10 de Ibiza), DGTL x Outlier (de Bonobo) o The Pleasure Gardens (de Peggy Gou) son sólo algunos nombres destacados de su ruta.

 

A base de melancolía y violencia, el joven Guillaume Labadie se ha convertido en uno de los artistas más en forma -por no decir el que más- de la cultura rave europea. Joven, enérgico, con su zona bucal siempre oculta bajo un pañuelo y con una técnica estresantemente hiperactiva en cabina, I Hate Models -así se hace llamar- ha reventado pistas de clubs y festivales de los cinco continentes, revolucionando la escena hasta los 150 bpm sin importarle las consecuencias. Breaks, acid, electro de los 2000s, trance, por supuesto techno y dos lanzamientos -más un repress- que han hecho de 2019 el año de I Hate Models. Para una mayor comprensión, escuchar Intergalactic Emotional Breakdown (publicado en A R T S) y el histórico L’Âge Des Métamorphoses, álbum de 93 dementes minutos de duración, publicado en Perc Trax.

 

Philipp Lauer es uno de los productores de música electrónica de baile más prolíferos y activos de los últimos tiempos. Los sellos más cercanos aseguran que ha firmado ya más de 250 lanzamientos, entre temas originales y remezclas varias. Sólo en 2019, ha publicado remezclas en hasta cinco sellos diferentes, mientras que sus temas originales han visto la luz en Permanent Vacation -donde ha colaborado con el cantante Jasnau-, Scatcity Records y DGTL. En este último EP para el sello del festival holandés, se encuentra “Inkel Jet 880”, uno de los 40 mejores temas del año.

 

“Desde que era promotor, solía observar en detalle a cada DJ con el que tenía la suerte de trabajar para entender lo que pasa por su mente y Lena es definitivamente una de las DJs más interesantes que he visto.” Lo dijo DJ Tennis -que de esto sabe un rato- tras la noche en la que ambos coincidieron en la fiesta Circoloco en DC-10 (Ibiza). Aquella noche, Lena Willikens decidió que la isla, acusada en los últimos tiempos de rendirse a las corrientes más comerciales de la música de baile, tendría que entregarse a ritmos sofisticados, experimentales, futuristas y oscuros difícilmente hallables en esas latitudes. Como bien dijo el capo de Life And Death, Lena Willikens es uno de los nombres más interesantes de la escena DJing actual. Su presencia en Berlin Atonal el año pasado y en citas como Dekmantel, Flow o MIRA en 2019 así lo corroboran.

 

La transformación de Mall Grab ha sido uno de los grandes fenómenos del año. Sólo hay que rebobinar hasta mediados del 2018 para reencontrarnos con el Mall Grab que había logrado revolucionar el UK house. Ese Mall Grab se apartó para dejar paso a uno nuevo. El nuevo Mall Grab es trancero, sube hasta los 140 (y más) bpm y es capaz de convertir cualquiera de sus bolos en una rave. Sus últimos lanzamientos, como Don’t Keep The Fire Burning (Looking For Trouble) o Strangers (colaboración con Skin On Skin), su reciente Boiler Room en el Glitch Festival o sus DJ sets en Sónar y Lente Kabinet (hermano pequeño de Dekmantel) son, posiblemente, sus mejores memorias de este 2019. La gran pregunta es: ¿seguirá Mall Grab sumergiéndose en los géneros más raveros del techno y, sobre todo, el trance o volveremos a ver a uno de los artistas más prometedores del house? Teniendo en cuenta que el australiano Jordan Alexander tiene apenas 25 años, absolutamente todo es posible.

 

Ella misma fue quien lo anunció en sus redes sociales la mañana del 27 de agosto: Marie Davidson abandona la escena de clubs. La productora canadiense lo hizo por la puerta grande. Como productora, apuntaló su influencia en el movimiento del clubbing con el LP Working Class Woman, álbum publicado en Ninja Tune que incluiría el famoso remix de Soulwax que, a la postre, terminaría siendo uno de los mejores temas del 2019. Como performer, se despidió en septiembre en su ciudad natal, Montréal, concretamente durante una fiesta del Red Bull Music Festival. Aquel fue, oficialmente, su “último live hardware de música de club”. Marie Davidson ya había titubeado anteriormente con todo lo negativo que rodea a los clubs nocturnos y, ahora, ha decidido que ha llegado la hora de alejarse para buscar nuevos horizontes. Estamos seguros de que Marie Davidson aún tiene mucho que ofrecernos, aunque sea en otros entornos, por lo que la seguiremos muy de cerca.

 

Los hermanos Giovanelli no podrían haberse estrenado en Afterlife con mejor producción que “Nothing Around Us”. O eso pensábamos. Apenas estábamos digiriendo su lanzamiento cuando los capos del sello, Tale Of Us, comenzaron a utilizar otro de esos temas cuya ID se cotiza al alza. A finales de febrero, 2019 ya celebraba uno de los mejores temas del año: “Skywalking”. El dúo italiano de melodic techno Mathame había vuelto a hacer magia en el estudio y, paralelamente, Afterlife empezaba a apostar por ellos en formato DJ set para sus eventos. Meses después, Mathame son ya un nombre constatado. Su valorización en la escena techno se ha multiplicado, como lo ha hecho también su relevancia en los carteles en los que ha aparecido. Mathame ya no es una promesa, sino una realidad.

 

El productor norirlandés se ha explayado en los últimos 12 meses. Tras sus dos primeros álbumes, publicados en 2014 y 2016, Max Cooper volvió a la carga en 2018 con One Hundred Billion Sparks, un trabajo que salió vía su propio sello Mesh. Además, Max ha colaborado también con músicos como el pianista Bruce Brubaker -en el proyecto Glassforms-, Michael Nyman o Nils Frahm. Todas sus horas en el estudio recogieron sus frutos en 2019, año en el que Max Cooper ha podido mostrar su peculiar y personal concepción de la música techno -de aire complejo y futurista- y sus trabajos de acompañamiento visual en eventos de la magnitud de Mutek, Nextech, Grape, DGTL o Sónar.

 

Ya sea por ser el fundador de Solid Grooves o porque el número de fans que le siguen por todo el mundo se multiplica mes tras mes, es innegable que Michael Bibi es uno de los DJs del momento. Su sello ya se ha convertido en referencia. Su fiesta homónima se ha consolidado en el verano de Ibiza -los domingos en el Vista Club de Privilege-. Y su nombre es cabeza de cartel en cualquier festival al que asiste. Su pasión por la fiesta, su obsesión por mashupear, editar y adaptar clásicos al UK house de pista -como ha hecho con “Que Calor” de J Balvin y El Alfa- y su carisma en cabina hacen de Michael Bibi -y de muchos de los nombres que suelen acompañarle, como Pawsa, Reelow o Dennis Cruz- un nuevo referente para los amantes del groove.

 

Desde que Prender El Alma enamorara a la crítica en 2015, Nicola Cruz no publicaba otro larga duración. Tras múltiples sencillos, edits y colaboraciones, el segundo LP del ecuatoriano llegó en enero de 2019. Siku consta de 11 pistas en las que la percusión se hace con un protagonismo mucho mayor del que venía teniendo hasta la fecha en la música del que posiblemente sea el artista más influyente del downtempo moderno. Con su último trabajo, Nicola Cruz nos ha permitido viajar con él a través de las músicas del mundo. Y, en efecto, eso mismo hizo él. Primero, para colaborar con distintos artistas en la creación de las 11 pistas. Después, ya en 2019, para presentar Siku en directo en clubs y festivales de todo el mundo. El Oasis de Marruecos, el Mutek de Montréal, el Rock Fest de Fuji, el Sónar de Barcelona, el Montreux Jazz suizo, el Chill-Out de Estambul, el Paraíso de Madrid, el Estéreo de Bogotá, el Lollapalooza de Santiago de Chile o la fiesta WooMoon en Tulum han sido sus fechas más destacadas.

 

Para los amantes del old-school, este ha sido un año especial. Y es que no todos los años se viven retornos a los escenarios de grupos clásicos como Nitzer Ebb. El trío de Essex, formado por los británicos Douglas McCarthy, Bon Harris y David Gooday, se desmarcó en su día del techno para juguetear con la escena post-punk. Tal vez sea por eso que su sonido, seco, industrial y divertido, ha perdurado, pudiendo volver a escena en pleno 2019 para homenajear a la efervescencia del EBM (Electronic Body Music) de hace casi 30 años. Nitzer Ebb han girado en este 2019 por todo el mundo, visitando festivales protagonistas de la electrónica contemporánea como Dekmantel, Primavera Sound, Flow o Nuits Sonores. Y siempre, siempre, siempre se han coronado.

 

¿Qué esperar de un ingeniero electrónico nacido en Japón, criado entre Bélgica y Reino Unido y residente en Berlín? Sí, música electrónica, pero de todos los colores y sabores. En efecto, este ha sido un año de revolución para TJ Herzes. Sus constantes aproximaciones al techno, el trance y el electro vieron ampliado su enfoque a finales de 2018 con Cocoon Crush, álbum en el que Objekt dio la bienvenida al ambient y al IDM, así como a la inmersión visual gracias al talento del artista Ezra Miller. Con él, el japonés/belga/británico/alemán de ascendencia americano-filipina (toma ya) ha brillado en Unsound, Primavera Sound o Dimensions, mientras que sus DJ sets han servido también de plataforma para seguir mostrando sus sonidos más arriesgados al mundo. Tras clausurar Berlin Atonal en 2018, parecía que Objekt ya había tocado techo. Nada más lejos de la realidad.

 

Uno de los grandes matches del 2019. Octo Octa y Eris Drew representan muchas cosas. Representan al colectivo LGTBi, representan el amor por la música, representan el amor de pareja (ellas lo son) y representan uno de los mayores aciertos a la hora de unirse en cabina. Octo Octa ya llamó la atención de la escena en 2018 con un live hipnótico de tendencia horizontal y bases constantes. En 2019, hemos descubierto que, bien compenetrada por su pareja Eris Drew, su faceta DJ puede llegar a estar a la altura. Octo Octa y Eris Drew actuaron juntas en Dekmantel, Unsound y Primavera Sound, siendo siempre una de las actuaciones más destacadas del festival, y pasaron también por clubs de renombre como Bassiani. Por separado, ambas han tenido también un año para enmarcar. Octo Octa ha estado en DGTL, Bilbao BBK Live, Circoloco, Ladyland, Melt, Nuits Sonores y Drift, mientras que Eris Drew ha pasado por Draaimolen, Lost Village, Polifonic o Love International.

 

Que el techno de aire rave ha recuperado su buena fama en los últimos tiempos no es ningún secreto. Cada vez son más los clubs de todo tipo de ciudades que apuestan por propuestas musicales (muy) aceleradas, cargadas de pellizcos ácidos, armonías trance y bases que, en ocasiones, recuerdan incluso al hardcore. Y una que lleva años haciendo esto es la británica Paula Temple. Artista clásica del movimiento rave europeo, Temple se ha mantenido siempre fiel al sonido que más le ha llenado y, ahora, podemos decir que, con él, ha llegado a lo alto. Paula Temple ya avisaba de que se encontraba en su mejor momento cuando, en abril, publicó un primer EP en Noise Manifesto. Apenas un mes después, llegaría Edge Of Everything, un larga de 12 pistas en el que el dark ambient, el noise y el techno industrial conviven en total armonía. Paula Temple ha desplegado ese sonido en el Glitch de Malta, el Aquasella asturiano, el Rotterdam Rave Festival, el Forte portugués, el DGTL de Barcelona (donde fue la mejor del festival), el Dimensions de Croacia, el LXM de Lisboa o el Uhrwerk de Zúrich, además de haberse paseado por Fabric London, Industrial Copera o Fabrik Madrid. Su unión con la también británica Rebekah en muchas de estas fechas ha ayudado, sin duda, a colocar a ambas, pero sobre todo a Paula Temple, en lo más alto de la escena rave.

 

A esto se le llama entrar como un elefante en una cacharrería: destrozando todos los esquemas. El danés Schacke no había producido gran cosa antes, pero su bagaje como DJ que empezaba a estar en boca de todos en la escena techno de Copenhague y su experiencia como DJ residente de Клуб, club de San Petersburgo ahora clausurado y reconvertido en sello, le llevaron a ser propuesto para remezclar una serie de canciones pop famosas en Rusia. Entre los resultados, se encuentra “Kisloty People”, el tema del 2019 para muchos y una auténtica demostración de que techno y trance a 145 bpm pueden ser muy divertidos y coloridos. Tras ello, clubs y organizadores de toda Europa le llamaron. Schacke ha actuado ya en Madrid, Dublín, Medellín y muchas otras ciudades. Y, por encima de todas ellas, Berlín -en el Säule de Berghain-, París -en la última Possession del 2019- y, por supuesto, el Unsound de Cracovia, su bolo más importante hasta la fecha. Pero la historia de Schacke sólo acaba de empezar.

 

La irrupción de Circle Of Live en la escena electrónica de vanguardia a finales de 2018 ya prometía. En 2019, la de este colectivo se ha consolidado como una de las actuaciones imperdibles de este final de década. Con un espíritu de jam session, Circle Of Live coloca siempre a cuatro de sus miembros enfrentados en círculo, improvisando en directo. Algunos de estos miembros son Frank Wiedemann (versión live de Âme), Leafar Legov, Dorisburg, Mathew Jonson, The Mole, Vril, Steffi y, sobre todo, Sebastian Mullaert, que fue quien creó el concepto y quien lo lidera. Sólo en 2019, Circle Of Live han brillado ya en festivales como el Movement de Detroit, el Red Bull Music Festival de Estocolmo y el Mutek de México y de Montréal, así como en clubs de la talla del Fuse de Bruselas, el Nitsa de Barcelona, el Radion de Amsterdam o el Griessmühle de Berlín.

 

Ya no es una promesa, ni una apuesta. Slikback ya es una realidad contrastada. En 2018, el productor keniata captó la atención de los responsables de Nyege Nyege, colectivo ugandés responsable del festival homónimo, sin duda el más importante e influyente de todo el continente africano. Nyege Nyege vio en Slikback un diamante en bruto, un talento hasta ahora nunca visto en la zona. Con la bass music como base (nunca mejor dicho), Slikback destripa música trap, footwork, grime, dembow, gqom y DnB, demostrando una hiperactividad en cabina tan asombrosa como la que debe de experimentar en su estudio (producir 400 temas en dos años no está al alcance de cualquiera). Nyege Nyege lo presentó al mundo. El CTM berlinés fue el primero en convocarlo en Europa. Tras él, llegaron el Sonic Acts holandés, el Elevate austríaco, el Mutek de Barcelona, el La Nature belga, el Sónar de Barcelona, el Dekmantel holandés, el Unsound de Cracovia y el Club To Club de Turín. Vaya, que Slikback se ha hecho todos los must en este 2019. Y eso sin contar sus debuts en clubs como Concrete, Corsica Studios, Berghain o Nitsa, ni sus tours por China y Japón. Imaginen cómo le recibieron en el mismo Nyege Nyege ugandés un año después. ¡Qué año, Slikback!

 

Todo empezó en Hotflush en 2017, pero pronto se unieron sellos como Permanent Vacation y Bordello A Parigi. Correspondant sería el último en sumarse al carro, mientras ella creaba su propio Clash Lion. Todos ellos habían publicado, de algún u otro modo, música de la brasileña Terr. Y arrancó el 2019, su año más activo. Desde su base en Barcelona, Terr ha seguido creando música, también -y especialmente- para Phantasy Sound. Terr ha sido remezclada por Prins Thomas y, con Energy Sync, se ha confirmado como la productora más en forma de los géneros indie-dance y nu-disco en la actualidad. Como DJ y selectora, Terr ha acompañado a Âme en el Lux de Lisboa y en el Watergate de Berlín, ha sido invitada al Labyrinth de Londres, ha ido al Else berlinés con Tom Trago y Paranoid London, ha debutado en el Lost Festival polaco, ha ido con Innervisions a Múnich y a la OFF Week de Barcelona, ha actuado en Panorama Bar con Correspondant, ha descubierto los encantos del FORT Festival (y FORT los de ella) y ha despedido al mejor año de su carrera en Glasgow con la familia de Permanent Vacation. Pero eso no es todo: Terr arranca el 2020 lista para debutar en formato live. Estamos ante otra artista de alto voltaje cuyo vuelo acaba de despegar.

 

Nacido y criado musicalmente en Sevilla y en los clubs de Andalucía, Wade tuvo que buscarse la vida como artista en países como Italia, Suiza, Reino Unido o los Países Bajos. Sus visitas a España eran más bien pocas hasta que, el 1 de enero de 2019, en la fiesta de Año Nuevo de elrow en Fabrik Madrid, Wade se atrevió a enseñar al mundo su tema “Por Ejemplo”, en el que utiliza las voces de un monólogo del humorista Dani Rovira. Desde entonces, Wade y su “Por Ejemplo” han revolucionado al tech-house, por supuesto en España, pero también en muchas otras partes del mundo. Elogiado y criticado por igual, como todo lo que rodea al género, Wade ha estado este último año en Alemania, Italia, Francia, Brasil, Perú y Japón y se ha convertido en un habitual cabeza de cartel en las noches de Ibiza. Sus sesiones se inundan de mash-ups, edits de estudio y remixes de clásicos house. Y su característico groove le ha convertido en una de las mayores estrellas de la escena tech.

 

(Imagen de Portada: © Xceed)

 

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Entrevista a Gaetano Parisio: “Nada me hace más feliz que el sentirme respetado por aquellos que comparten mi misma pasión”

Era un miércoles de otoño al mediodía. Barcelona gozaba de un soleado día. Caminábamos por el centro de la ciudad hasta que dimos con la dirección. Gaetano Parisio es una leyenda de la música techno made in Nápoles. Tal vez por eso, sorprende su cercanía, su amabilidad y su humildad a la hora de recibirnos en el salón de su casa. De fondo, música jazz a no mucho volumen. Su pareja y su perro nos acompañan mientras nos sentamos a tomar café y hablar sobre sus orígenes y los del techno napolitano, su largo alejamiento de las cabinas y su prometedor retorno con el nuevo proyecto Origens.

 

 

Joseph Capriati dijo una vez que Marco Carola y tú pusisteis a Nápoles y al techno napolitano en el mapa. Una frase potente…

Primero, gracias a Joseph por sus palabras. Marco y yo fuimos sólo parte de la historia. Somos una parte importante, pero no los únicos personajes de esta película. Lo que creó algo único en Nápoles fue el constante intercambio e influencias recíprocas entre los distintos artistas. La relación entre todos nosotros hizo de nuestro movimiento un movimiento muy fuerte y especial. Rino Cerrone, Danilo Vigorito, Davide Squillace… Todos compartíamos absolutamente todo: conocimiento, trucos, prácticas en el estudio… Es la única manera de crear algo que pueda perdurar con el paso del tiempo.

 

¿Dónde hallaste tus primeras influencias y cuáles fueron?

Tenía 10 u 11 años cuando empecé a escuchar música asíduamente. Mi madre solía tocar la guitarra y mi hermano siempre estaba escuchando música en casa. Nombres como Kraftwerk, Depeche Mode o New Order fueron mis primeras aproximaciones a la música electrónica. Más tarde, empecé a salir a los clubs y fue entonces cuando cambió completamente mi visión y cuando mis bases comenzaron a crecer.

 

En la carrera de un DJ siempre existe el día que lo cambió todo…

No tengo dudas sobre el mío. Tenía 20 años y viajé a Francia para asistir a una fiesta en un coliseo romano con Björk actuando en directo y con Jeff Mills pinchando. Yo ya pinchaba en aquel momento, pero sólo tenía Chicago Techno en mi Rekordbox. Después de aquel día, llamé a mi madre y le conté que me había dado cuenta de que tocar música es lo que yo quería hacer en mi vida. Así, empecé a investigar sobre distintos estilos y mi carrera como selector empezó.

 

 

Entonces, Jeff Mills es una de tus grandes influencias.

Absolutamente. Aquel día, cometió algunos ligeros errores, pero la música que puso fue simplemente de otro planeta. Aún hoy en día, Jeff Mills es una de mis mayores inspiraciones.

 

¿Cuáles más hay?

¿A parte de Jeff Mills? Maradona, ¿quizás? (risas) Bueno, y también Michael Jackson cuando yo era un niño.

 

Me atrevo a decir que Italia, tu país, es el único que le ha puesto su propio nombre a un género de música electrónica (italo-disco). Una vez, dijiste que no crees que haya una relación muy fuerte entre la época dorada del house y el disco en Italia y el surgimiento de la escena techno napolitana.

Los movimientos italo house y disco no fueron importantes para los sistemas de producción de la posterior escena techno napolitana. Simplemente, nos dieron una razón más para escapar del enfoque de Nápoles y convertirnos en internacionales. El único modo de lograr ser famosos fuera es empezando con nuestra propia música y nuestros propios sellos, que es exactamente lo que hice. En este sentido, el italo house y disco nos enseñaron que crecer en otros países y alcanzar escenas extranjeras era posible. También muchos artistas de esos movimientos acabaron pasándose a la escena techno napolitana. Se convirtieron en una especie de puerta hacia nuestro movimiento.

 

 

¿Era fácil comprar vinilos en aquel momento en Nápoles?

No mucho, la verdad. Sólo teníamos dos tiendas y uno debía hacerse amigo de los propietarios para que estos reservaran los mejores vinilos. Solía viajar mucho a Roma con Marco (Carola), o incluso a Londres, a buscar nuevos vinilos.

 

Es una pena que los DJs de hoy en día no hagan más eso, ¿no crees?

Es que no necesitan hacerlo. Sólo necesitan buscar en internet y descargar en varios segundos. Tal vez estemos perdiendo el valor de lo que significa la búsqueda. Y eso podría llevarnos a perder lo más preciado. Si no tienes que invertir energía, tiempo o ni siquiera dinero para hacerte con música nueva, probablemente la música en sí pierda valor para esos artistas. Debemos tener mucho cuidado con eso.

 

¿Cómo definirías a alguien interesado en música electrónica (en términos generales) lo que hace al techno napolitano diferente a otros estilos de techno?

No me gusta compararlo a otros géneros. Nosotros le damos al techno un enfoque mucho más funky, añadiendo algunos aromas latinos, percusiones y también utilizando algunos aparatos, por ejemplo compresores, como instrumentos.

 

 

Para las nuevas generaciones, debe de ser difícil creer que Marco Carola fue, junto a ti, uno de los instigadores del movimiento techno en Nápoles. ¿También crees que Marco ha cambiado muchísimo su enfoque sobre la música underground de club?

Es evidente que ha cambiado. No voy a descubrir nada nuevo por decirlo. Pero, si él es feliz y realmente cree en lo que está haciendo, ya me está bien. En este mundo, hay espacio para todos. Pero, por supuesto, el movimiento techno pierde a un gran talento, especialmente como productor. Insisto: estoy muy feliz por él, si veo que él también lo está.

 

Entonces, musicalmente, ¿echas de menos al Marco Carola de antes?

Absolutamente, pues era un amigo y un compañero con el que trabajé en mis inicios. Su aportación a la escena fue inmensa en su día. Cuando conocí a Marco, él venía del house, no del techno, así que ahora quizás está, simplemente, volviendo a sus orígenes. Uno nunca sabe. Lo más importante es amar lo que uno hace, sea lo que sea.

 

Marco Carola, durante uno de sus últimos shows con MusicOn en Amnesia, antes del cambio a Pacha. | Imagen: © Amnesia Ibiza 

Eres tanto DJ como productor. Son dos profesiones muy distintas, aunque parece que, hoy en día, la segunda no puede suceder sin la primera. ¿Eso es bueno?

Debemos aceptarlo. Ya era así antes. Para darme a conocer en el extranjero, también tuve que empezar a producir mis propios temas en mis inicios. Es crucial saber estar presente en ambas caras de la moneda. Soy DJ porque eso me hace ser mejor productor, del mismo modo que soy productor porque eso me hacer ser mejor DJ.

 

Dejaste de actuar durante casi 15 años. ¿Dejaste también de producir música durante ese periodo?

Sí, me tomé un descanso para centrarme en mí y para recuperarme. Fue como una terapia. La música fue simplemente un modo de llegar a donde pretendía. Si ahora estoy aquí, hablándote, es porque me he recuperado por completo. Así que puedo decir que encontré lo que buscaba.

 

Recientemente, volviste a escena con un set a tres canales y a vinilos en el Metro Dance Club de Alicante, presentando tu nuevo concepto Origens. Creo que el nombre habla por sí solo…

Una de las cosas que estoy tratando de hacer últimamente es recordar exactamente cuál era mi motivación, la manera en la que solía moverme y pinchar cuando tenía 25 años, por ejemplo. Era un chaval sin miedos. Sólo quería empujar más y más. Con Origens, busco eso. Mezclo con tres tocadiscos e intento abandonar mi zona de confort para alcanzar así una creatividad mayor y ser más activo en cabina. Tocando a tres vinilos, apenas tengo tiempo para ni siquiera tomarme una copa. Las distracciones no están permitidas. Es un modelo que me exige muchísimo y eso es justo lo que necesitaba para poder estar de vuelta.

 

Gaetano Parisio, durante la presentación de su show Origens en el Metro Dance Club de Alicante. | Imagen: © Metro Dance Club 

¿Qué tal fue la noche?

Toqué dos horas y la reacción del público fue increíble. El club es histórico y pude notar que había cultura detrás. La gente quedó realmente impresionada. Creo que nunca vieron a alguien pinchar a tres vinilos. Sentía mucha curiosidad antes del set y quedé muy feliz con mi show tras el mismo.

 

¿Qué podemos esperar de Gaetano Parisio y Origens a partir de ahora?

¡Encontré el pastel en la nevera y ahora quiero terminármelo! (risas) Seguiré trabajando en esto. Mi equipo cree en mi visión y yo estoy muy agradecido a toda esta gente que me ha dedicado tanto tiempo y energía para preparar esto. Soy consciente de la responsabilidad que recae sobre mí, y ya no sólo por mí, sino por todos aquellos que trabajan para mí. Me siento muy, muy optimista.

 

Volviendo a tu estudio, ¿produces de manera similar a como lo hacías antes o has cambiado algo – tanto en las técnicas de estudio como en el resultado final en términos de sonido?

He cambiado mi forma de hacer música en estos últimos dos años. No quería emular lo que hacía en el pasado. Las cosas cambian y hay que adaptarse. Hay dos formas de ser reconocido como productor: por tu estilo y por los sonidos que salen de tu estudio. Tengo algunas pequeñas técnicas con ciertas máquinas que me hacen reconocible. Me di cuenta de ello cuando volví a encender de nuevo el aparato en cuestión tras el parón. Hoy en día, los productores tienen demasiadas cosas trabajando al mismo tiempo en su ordenador. Yo creo que es importante centrarse en aquellas que realmente te hacen especial.

 

Gaetano Parisio, en su estudio en Barcelona. | Imagen: © Phlame 

Entonces, intuyo que estás planeando lanzar música pronto.

Sí. Y será con el mismo concepto detrás. Por eso, mantengo los mismos sellos. Si cambiase mi visión, cambiaría también mis sellos y crearía nuevos. Pero, si mi visión sigue siendo la misma, también los sellos deben perdurar. Reactivaré dos de mis tres etiquetas: ART y Conform. ART es mi sello personal. Sólo yo publico música en él. Para Conform, he seleccionado 10 temas de mi catálogo y he pedido a artistas que creo que han sido fieles a la música durante estos 10 años que reediten mi música antigua. Publicaré tres o cuatro vinilos, pero mi viejo catálogo será también lanzado por primera vez en digital, por lo que estará también al alcance de las nuevas generaciones.

 

¿Podrías revelarnos algunos de los nombres involucrados en este lanzamiento en Conform?

Claro. Algunos de ellos son Dave Clarke, Oscar Mulero, Ben Sims, James Ruskin, The Advent, Sterac, Truncate, Jonas Kopp, Cari Lekebusch, Steve Bicknell, Alexander Kowalski, Danilo Vigorito… Los llamé a todos personalmente después de mis 15 años de parón y todos se mostraron inmediatamente súper felices de ayudarme. Y eso fue lo que más me motivó. Nada me hace más feliz que sentirme respetado por aquellos que comparten mi misma profesión, mi misma pasión.

 

Debe de ser emocionante volver a la escena tras tantos años y ver que la misma gente sigue ahí, trabajando y construyendo sus sonidos siendo fieles a su idea musical.

Eso es exactamente lo que dije en un post en Facebook hace algunos días: esto será un tributo para todos ellos, para todos aquellos artistas a los que tanto respeto. No será un tributo a mi persona, sino de mi persona hacia ellos. Todos suponen una gran inspiración para mí.

 

 

PRÓXIMAS FECHAS DE GAETANO PARISIO

(Imagen de Portada: © Phlame)

 

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Dürüm Records: un homenaje al house de Lyon en Le Cartel

Le Cartel no es un club al uso. Es un lugar en el que uno podría vivir, verdaderamente. Se encuentra en un edificio reconstruido en el corazón de Lyon y presenta una estética alternativa y underground que encaja perfectamente con su público moderno.

Abierto en mayo de 2019, Le Cartel es el resultado de una iniciativa familiar que busca sumar su granito de arena a la renovación de la escena artística de Lyon. En él, encontrarás: en la planta baja, un bar híbrido, Coffee Shop durante el día y el Cocktail Bar por la noche; en el primer piso, un espacio versátil y acogedor en el que se imparten cursos y talleres relacionados con el arte y el bienestar (pintura, yoga, meditación, costura…); y en el segundo piso, siete workshops artísticos exóticos e inmersivos en el que uno puede cruzarse con artistas y conocerlos de primera mano.

 

Imagen: © Le Cartel 

El día a día en el edificio está marcado por muchísimos eventos: fiestas, DJ sets, exhibiciones, espectáculos de moda, estrenos de revistas…

A Marie y Jeanne, las dos hermanas que dieron nacimiento a este proyecto, les encanta promocionar el feminismo, la solidaridad, la defensa propia, la difusión artística… Todo puede hallarse en su ecléctica programación.

La música en directo no podía faltar en un espacio como este. Regularmente, Le Cartel se convierte en un club de horario vespertino en el que la gente de Lyon se reúne para empezar a calentar motores de cara a la noche.

 

Imagen: © Le Cartel 

Aunque la música electrónica es recurrente, la programación artística del lugar incluye también tardes de rap, hip-hop e incluso música pop. Eso sí: siempre manteniendo una esencia underground destinada a ayudar al talento emergente de la ciudad.

 

Un piso, una atmósfera

Mientras uno se pasea por los distintos pisos de Le Cartel, se encontrará con talleres, shows de pintura en vivo, tiendas de segunda mano o stands de tattoos. Todo forma parte del enfoque de Le Cartel para ofrecer eventos completos, globales e inmersivos que abren puertas a nuevos mundos.

 

Dürüm Records, protagonistas en diciembre

El próximo baile en Le Cartel llegará de la mano de la gente de Dürüm Records. Hablamos de uno de los sellos y colectivos más activos de Lyon, defensores y promotores de su escena de música house. Desde las 18h y hasta poco después de la medianoche, 100d4l, The Sound of Music, Keedo y Molzz b2b 100d4l -por este orden- se encargarán de desvelar los sonidos más candentes de la música house y micro de la ciudad. Y, sí, los vinilos serán más que bienvenidos.

 

ENTRADAS

(Imagen de Portada: © Le Cartel)

 

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Entrevista a Coyu: “Hoy en día, te valoran más por lo que posteas, que por tu música o tu talento como DJ”

Iván Ramos, más conocido como Coyu, nació en la Barcelona de 1985, cuando aún no existían ni los smartphones, ni las redes sociales. En aquella época, la inmensa mayoría de la población no sabía acerca de las ventajas o razones que podían llevar al veganismo. No se hablaba del cambio climático y géneros musicales como el tech-house o el techno apenas resonaban en la lejanía. Pese a todo ello, Coyu quiso dedicarse a la música. Comenzó como periodista, luego se pasó a la promoción y, finalmente, encontró su lugar en el estudio de producción y en las cabinas. 34 años después, Coyu atesora ya tres apariciones en Sónar, múltiples visitas a las mejores escenas del mundo, tres temporadas con su propia fiesta en Ibiza, un sello referente y un liderazgo latente en movimientos veganos y animalistas. Coyu es un tipo amable, campechano y humilde. Y, sobre todo, un tipo muy interesante.

 

 

Creaste Suara en 2008, con apenas 23 años. ¿Fue tu primer gran paso o hubo otros previos?

En realidad, Suara nació como un subsello, pues mi sello principal era Atypical Farm, creado un año antes, en 2007. Ese también fue un momento importante. Suara creció tanto que tuve que dejar morir Atypical Farm y dedicarme exclusivamente a Suara. Antes, había trabajado como periodista musical y había empezado a formarme como DJ y productor. Siempre tuve claro que esta era mi industria, así que me involucré desde pequeño: periodista, locutor de radio, programador, fundador de un sello… y, finalmente, DJ.

 

Produjiste tu primer gran éxito, “El Baile Alemán”, durante una visita a tu amigo Edu Imbernon en Berlín. Sin embargo, tú has seguido siempre atado a Barcelona. ¿Es una de las mejores ciudades para vivir dedicándose a la música electrónica?

Sí, Barcelona es la mejor ciudad de España para dedicarse a esto y también una de las mejores de Europa. Su escena de clubs está muy afianzada y los mejores DJs del mundo están siempre viniendo por aquí. Incluso en cuanto a tiendas de discos estamos ahí arriba. Tener festivales como Sónar también ayuda mucho, ya que nos ha abierto puertas a los barceloneses a la hora de escuchar música que no se escucha durante el resto del año.

 

 

Ya que hablas de Sónar: venimos de celebrar su 26ª edición. Anteriormente, ya has dicho que para ti es “el festival”. ¿Qué es lo que lo hace especial?

Para los que somos de Barcelona, Sónar es siempre muy especial. Fue mi primer festival. Corría el año 2004 y yo tenía apenas 18. Allí, vi por primera vez a leyendas como Massive Attack, Miss Kittin o Carl Cox. Y pensé, como muchos, “algún día me gustaría actuar aquí”. Con el paso de los años, lo conseguí – he actuado tres veces -, siendo uno de los artistas locales que más veces ha actuado en el festival. Sónar tiene, además, un componente educativo que pocos tienen, sobre todo durante el día. Apoya música minoritaria, de países remotos y escenas pequeñas, y les da una oportunidad ante un público inmenso. Hay muchas cosas que lo hacen especial.

 

Desde la perspectiva de un DJ, ¿Sónar es el festival más importante del mundo o es desde la perspectiva barcelonesa que lo vemos de manera desvirtuada?

Es uno de los mejores, sobre todo si eres DJ. Es donde más ilusión me hace actuar. También lo hace muy especial todo lo que sucede a su alrededor. La gente de fuera se siente más atraída también por la OFF Week, hecho que no tienen otros como Awakenings o Time Warp. La gente de la escena puede venir cinco o seis días a Barcelona a disfrutar de la ciudad. Es uno de los puntos relevantes en la agenda de cualquier DJ o de cualquier trabajador de la escena, al igual que lo es el ADE o que lo era la Music Winter Conference de Miami. Lo que hace a Sónar distinto de ADE es que la gente viene menos al negocio. Se hace en junio, tras ocho meses de frío y cielos grises en Europa, y la gente viene a por sus primeros días de verano con un espíritu festivo y feliz.

 

Tú actuaste en Sónar en 2012, cuando tu sonido aún abrazaba la personalidad más tech-house del clubbing. ¿Cómo recuerdas aquella sesión?

Actué en 2012, 2013 y 2016. Yo pinchaba tech-house, pero aquella sesión tuvo poco de ese estilo. Yo nunca he tenido un sonido muy propio. Cuando hacía mis fiestas en Apolo, pinchaba música mucho más oscura, más techno y electrónica, porque el público me lo reclamaba. Lo mismo sucedió en Sónar. Sabía que la gente necesitaría un sonido de festival, de espacio grande. Vi quién actuaba antes y después y di ese servicio de DJ entre actuaciones. Después de mí, llegaba Richie Hawtin como cabeza de cartel. Así que hice mucha electrónica, mucho techno y, sí, también algo de tech-house. Pero puedo pinchar de todo: disco, progressive house… Todo depende del espacio y del momento.

 

 

Ha cambiado mucho tu estilo – y el de todo el sello – desde entonces. En su día explicaste que el tech-house se comercializó demasiado y que ya no te sentías cómodo en ese terreno. ¿Lo sigues viendo todo igual? ¿Eres más feliz ahora, más cerca del techno?

Sí. Hace unos años, no me habría imaginado pinchando a 138 bpm. Ahora, me siento más maduro. Siento que el público me conoce y sabe que puedo acelerar la pista en función de la situación. Puedo poner música muy oscura o más groovie, más melódica o más áspera. Depende del momento. Como productor, estoy más enfocado en el sonido techno, intentando que haya un balance entre lo que es el underground y lo que el mercado pide.

 

En su día temías que ello conllevara peores resultados en términos de visibilidad, ya que es un género más underground y con menos mercado. ¿Cuál es el balance dos/tres años más tarde?

Dimos el cambio en el verano de 2016. Estábamos reformando la Suara Store y aprovechamos para reformar también el sello. En aquel momento, éramos el sello número 1 de tech-house, pero yo me había cansado del género. Con los años, soy consciente de que hemos tenido pérdidas en el mercado, pero me siento más seguro como artista. Ahora, puedo llevar mi carrera por donde realmente quiero. Antes, sentía que era la escena o el público quien me llevaba a mí. Ahora, soy yo quien lleva a mis fans. Si me seguís, fantástico. Si no, hasta otra. Antes, tenía ese miedo. Antes, me daba miedo tocar algo que no gustara. Ahora, no. Ahora, me intento adaptar, pero con unos límites. Antes, no había límites. Y llegaba a hacer cosas que no me gustaban. Ahora, todo lo hago convencido.

 

 

Hablemos de Feline, un sello paralelo enfocado en el talento local y en el formato vinilo. ¿Hay diferencias entre Feline y Suara a nivel de estilo?

Feline nació para dar oportunidades a artistas locales que, aunque son ya conocidos, aún no tienen ese respaldo. Sin embargo, tras la quinta referencia, que era de ORBE, hemos decidido cerrar. Todo lo que hemos intentado para ayudar a la escena local no ha sido suficiente. El proyecto ha durado cuatro años. En el recuerdo quedan estas cinco referencias en vinilo, como homenaje también al formato con el que yo me formé.

 

Siempre has defendido el uso de vinilos y, de hecho, creo que te gusta utilizarlos de vez en cuando. ¿Pueden perderse facultades si se abandona su uso o es algo que se recuerda para toda la vida?

Lo uso de vez en cuando y sí, se pierden facultades. Hace unos meses, organicé una fiesta all night long en el Moog para celebrar mis 15 años como DJ. La mitad de la sesión fue a vinilos y, si la escuchas, hay mezclas muy forzadas, que cuestan de digerir. Yo ni siquiera uso CDJs normalmente. Pincho con Traktor y laptop.

 

 

Una de las fechas más polémicas en tu carrera fue aquel set en el Ultra Music de Miami del año pasado, en el que apareciste con un mixer, un X1 y el laptop con Traktor. ¿Entendiste las críticas?

Como te decía, yo siempre pincho con ordenador, X1 y mixer. Desde hace algún tiempo, he incorporado la RMX para aplicar efectos. Mi set-up es muy sencillo y simple. Es el set-up con el que más puedo aportar como DJ a una fiesta. Por no llevar mucha maquinaria, no significa que no puedas dar lo mejor de ti mismo. Mi set-up es minimalista, pero puedo ofrecer mucho. Hay gente muy pesada con el tema de pinchar sin CDJs. Hoy en día, pinchar con CDJs es muy sencillo. Que sean pesados exigiendo vinilos, aún lo entiendo. Pero que, en 2019, aún haya gente que se cuestione que un DJ pinche con CDJ o con Traktor es increíble. Cada uno tiene libertad para crear lo que considere oportuno. Lo importante es lo que suena a través de las máquinas y no las máquinas en sí.

 

¿Puede ser que todo lo que haga un DJ sobre un escenario esté, hoy en día, demasiado expuesto y sobreanalizado? ¿Puede eso hacer que el artista se autoexija más?

En absoluto ayuda a autoexigirse. La autoexigencia se la pone uno mismo según donde actúe. Hay que saber tomarse bien esto de las redes sociales. A mí, no me suma mucho, pero es por mi personalidad. No tengo soltura ante las cámaras y eso me cuesta. Lo hago, pero por obligación y porque me gusta interactuar con el público. Hoy en día, te valoran más por lo que posteas que por tu música o tu talento como DJ. O entras dentro de la maquinaria del posteo en redes, o parece que no estés dentro de la escena. Si no posteas tus fechas, parece que no tengas fechas. A mí me cansa postear por necesidad. O lo haces, o estás jodido. Vale más eso que tu última producción.

 

En su día, Suara tuvo su propia fiesta en Ibiza. ¿Estado actual?

Es difícil que volvamos. Aquello fue en 2014, 2015 y 2017, con una fiesta semanal en Ibiza. Es difícil volver porque Ibiza ha cambiado mucho y va a seguir cambiando – y parece que para peor. Una marca pequeña como la nuestra ya no tiene espacio allí. Ahora se llevan las grandes marcas, los grandes DJs, los Top-50. O eres top-50, o no vendes y los promotores en Ibiza quieren vender tickets más que en otro lugar en el mundo porque la competencia allí es la más feroz del mundo. En Ibiza hay mucha presión negativa como artista, además. Se trabaja mal y no te lo ponen nada fácil. La gente con la que deberías trabajar codo con codo por el bien de la fiesta son los mismos que acaban imposibilitando que la fiesta vaya bien. Nuestras experiencias no son las más positivas allí, aunque aprendimos muchísimo. Ibiza es como hacer la mili. Vas hecho un niño y vuelves hecho un hombre. Es una jungla, sálvese quien pueda. A base de golpes, aprendes muchísimo.

 

 

Productor, selector, DJ y dueño de un sello discográfico, una tienda de ropa y una fundación de acogida de gatos. ¿Tus días tienen más de 24 horas o hay secreto?

El secreto es echarle horas. Poco descanso, intentar aprovechar bien todas las horas y saber delegar a la gente que me rodea – eso he ido aprendiéndolo con el paso de los años, no siempre hay que estar en todas las tomas de decisión. Obviamente, no meto en el estudio todas las horas que me gustaría, pero es un hándicap con el que vivo.

 

¿Qué te identifica con los gatos? ¿Por qué ellos y no otros?

Conocí a mi novia hace 15 años. Ella me introdujo en el mundo de los gatos y me enseñó como interactuar con ellos. Me enamoré. Es el tipo de animal que más se asemeja a mi personalidad. Me siento muy cercano a su forma de pensar o actuar. Me encantan los perros también, pero veo pocas diferencias entre los perros. En cambio, veo muchas entre los gatos. Si tú le das una patada a un gato, se acordará toda la vida, al igual que una persona. Podrá perdonarte, pero nunca olvidarlo. Esa complejidad es lo que más me atrae de ellos. Son seres maravillosos.

 

La acogida de la Suara Foundation en la industria fue súper positiva desde el primer día.

¡Sí! Es normal… ¿A quién no le gustan los gatos? La gente ve todo lo que hacemos por ellos y nos apoyan. Nombramos a los gatos con nombres de DJs y eso ha hecho también que muchos artistas se hayan involucrado. Amelie Lens, The Black Madonna o Patrice Bäumel son algunos de los que nos han ayudado para curar a sus gatos tocayos, por ejemplo. Muchos otros DJs han pasado por la Cat House a vernos. Es muy bonito.

 

 

En tu rider siempre pides una ayuda para los gatos…

No lo exijo, pero sí, en mi rider siempre pido que se incluyan 10kg de pienso para gatos. Así, ese promotor puede ir al día siguiente a la asociación más cercana para entregar la comida. Es un detalle, pero lo hago para que la gente coja consciencia y vea que los DJs tenemos ciertas demandas, pero que también pueden utilizarse para buenos fines.

 

Lo que quizá muchos no saben es que los gatos andan sueltos por la Cat House y cualquiera puede venir a conocerlos. ¿Hay algún veterinario o experto en conducta animal que avale todo esto?

Tenemos tres gatos residentes: Maceo, Dixon y Bagheera. Viven aquí desde el primer día y no se van a dar en adopción. Ellos ayudan a que los nuevos se integren cuando dan el paso de la calle a la Cat House. Mi novia es veterinaria felina, al igual que Mariana, la encargada. Si Suara Foundation es lo que es, es gracias a ellas.

 

 

Por último, como animalista que eres, te quería preguntar: ¿qué opinas sobre la entrada a caballo de Cecilio G en este último Sónar?

Yo no lo sabía y me enteré por mi novia. Yo, como vegano y animalista que soy, estoy en contra del uso de los animales ya sea para comida, ocio o cualquier tipo de acto que no conlleve un hábitat natural del animal. No puedo estar a favor de lo que hizo este artista.

 

¿A quién ves más culpable? Sónar aún no se ha pronunciado al respecto…

En cuanto a Sónar, yo entiendo que algo así pueda vender, como vendió en su día que David Guetta entrara a Pacha a caballo. Sónar no lo necesita, pero estamos aún con mucho camino por recorrer en el campo de la sensibilización respecto a los animales. Cada vez, habrá más respeto por los animales. Se necesita más tiempo. Yo empecé a ser vegano hace año y medio, así que tampoco puedo permitirme evangelizar a todo el mundo. El artista que canta bien o que actúa bien no necesita caballos.

 

 

PRÓXIMAS FECHAS DE COYU

(Imagen de Portada: © Phlame)

 

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