Entrevista a Panthera Krause: “Todos somos como una pantera dentro de su propia jaula”

Corrían los primeros días de marzo cuando el revolucionario concepto de clubbing Copyleft traía por primera vez a España al productor alemán Robert Krause. Era un martes por la noche, en Barcelona, apenas 100 horas antes de que el Gobierno decretara el estado de alarma en todo el país debido a la pandemia de covid-19. El histórico Macarena Club, uno de los microclubs con más fama en toda Europa, acogía un nuevo episodio de Copyleft, un joven proyecto nacido entre Barcelona y Gijón que aboga por la electrónica alternativa, tomándose muy en serio la definición estricta del término: Copyleft es una alternativa segura a las tendencias musicales más masivas y recurrentes del clubbing underground. Su empeño por traer al país sonidos de club vanguardistas y rompedores los llevó a conocer a Panthera Krause… y a querer que su sonido brillara en la capital catalana. Esta era la fecha más importante de su corta historia. Además, Krause aterrizaba en la Ciudad Condal con su álbum debut, It’s A Business Doing Pleasure With You, bajo el brazo. Es su primer LP tras 15 años de carrera en solitario. Todo encajaba. No podíamos no estar ahí.

El público de Macarena bailando en uno de los últimos episodios de Copyleft antes de la cuarentena. | Imagen: © YF Agency
La música de Panthera Krause se puede encontrar en grandes sellos como Lobster Theremin, Connaisseur o Souvenir. Es una buena carta de presentación.
Gracias. Me gustaría mencionar también a Riotvan, el sello que dirijo junto con mi amigo Peter Invasion. También Uncanny Valley, donde lancé algunos de mis temas más famosos.

¿Dirías que tu música varía dependiendo del sello donde se publica?
Es curioso, porque para mí es totalmente diferente, pero cuando mis amigos escuchan los lanzamientos, lo encuentran bastante similar. (risas) Pero sí, mientras produzco, siempre tengo muy presente para qué sello estoy produciendo. Por ejemplo, trato de acercarme a una personalidad mucho más lo-fi cuando produzco para Lobster Theremin.

Entonces, ¿es el sello quien mueve ficha primero?
Depende. Lo ideal para mí es lo contrario: hacer música y luego hablar con la gente, enviar a los sellos y ver qué pasa. Pero sí que hay veces que los amigos de las discográficas me piden música directamente.

Imagen: © Press Kit de Panthera Krause
Tengo entendido que también dibujas. ¿Hay alguna conexión entre tu música y tus dibujos?
Buena pregunta. Hay formas similares de relacionarse tanto con la música como con los dibujos e ilustraciones. A veces, estoy en un mood más directo. No pongo demasiadas vocales o capas en mi música, ni tampoco sobrecargo demasiado mis dibujos. Otras veces, me siento en otro mood y se me ocurren dibujos más cargados, así como música también más cargada, como en «Genki Girl», un tema con muchos elementos distintos. Así que, sí, diría que están bastante conectados.

¿Cómo te definirías?
Soy una persona fácil y abierta, supongo. Me gusta pasar el rato con diferentes personas y tratar de entender la mente de los demás. Me gusta divertirme, así que siempre estoy buscando buenas vibraciones. Creo que eso puede percibirse en mi música.

Esa era exactamente mi siguiente pregunta. ¿Cómo es tu música?
Hago electrónica, música house, divertida, divirtiéndome también yo mismo mientras la produzco. Mis influencias provienen de muchos estilos diferentes, pero me gusta escuchar mucha música hip-hop. No acostumbro a escuchar house o electrónica en casa.

¿Eres más productor o dj?
Sin lugar a dudas, productor. Y live performer. Me encanta tocar en directo, a pesar de que he tenido sustos en el pasado.

¡¿Qué pasó?!
Cuando actúo en directo, cojo todas las capas del tema en el ordenador y juego con ellas, creando como una especie de música nueva. Así que los temas siempre suenan diferentes en mis sets en directo. Y, ya sabes, cuando asumes riesgos, no siempre sale bien. (risas)

¿Tenías algún objetivo en concreto cuando nació Panthera Krause?
Al principio, simplemente sucedió. Empecé a hacer música con mi banda Marbert Rocel en 2007. Recuerdo algunos buenos conciertos en Estambul y Ámsterdam, por ejemplo. Eran buenos tiempos. Después de aquello, empecé a producir música por mí mismo. Y, en algún momento, enseñé mis temas a algunos amigos y me empujaron a abandonar la banda y empezar a publicar música por mi cuenta. Así es como empezó Panthera Krause. No quería convertirme en un dj súper estrella tocando delante de 500.000 personas. Prefiero cosas más pequeñas, eventos underground, públicos más íntimos y cercanos. No tenía un objetivo específico en absoluto.

¿De dónde viene el alias «Panthera Krause»?
Viene de un poema del escritor alemán Rainer Maria Rilke, que se llama Der Panther. Una hermosa perspectiva de una pantera en una jaula. Me impresionó mucho, así que tomé el nombre de Panthera. Krause es mi apellido.

¿Te sientes como una pantera en una jaula?
No siempre, pero sí. Siento como si todo el mundo estuviera dentro de su propia jaula. No puedes abandonarte a ti mismo, tus antecedentes, tus ideas o experiencias previas. Puede sonar bastante negativo, pero no tiene por qué serlo. Simplemente, es así.

¿Qué porcentaje de tu tiempo dirías que inviertes en tu música, por ejemplo, cada semana?
Demasiado. (risas) Últimamente, me paso todo el día en el estudio. Seis días a la semana, me atrevo a decir. El resto del tiempo, estoy en el portátil chateando con gente, respondiendo correos electrónicos, organizándome bolos, gestionando mis redes sociales o buscando nueva música para mis dj sets. Y hay días en los que no estoy con las ganas necesarias, claro.

El lanzamiento de «Genki Girl» fue, sin duda, uno de los más importantes en la carrera de Panthera Krause. | Imagen: © facebook.com/PantheraKrause/
Eres tu propio manager.
Sí, pero me encanta este trabajo. Debería ser siempre así.

Necesitarás tomarte tus descansos…
No se me da muy bien lo de tomarme descansos, la verdad. Cuando siento que lo necesito, generalmente, voy a una sauna o a hacer deporte. También soy muy fan de los bares.

Seguro que podrías recomendarnos buenos bares en Leipzig. ¿Qué hay de la escena clubbing en tu ciudad?
Pasa por un buen momento. Por supuesto, no se puede comparar con la Berlín actual, pero algunos sí la comparan con la Berlín de principios de los 90. Leipzig era también una ciudad de Alemania del Este, así que contamos con muchos espacios industriales que quedaron abandonados tras la caída del muro. Pero Leipzig es diferente, un poco más underground y con una cultura de club de buena calidad. No está mal para una ciudad de medio millón de habitantes.

Imagen: © Press Kit de Panthera Krause
Hablando de Leipzig, no puedo evitar pensar en Paul Kalkbrenner. Alguien dijo una vez que el artista, ahora residente en Berlín, es el único en la escena underground que intenta componer hits cada vez que lanza música nueva.
Bueno, de algún modo, todos queremos crear hits cuando producimos música. Al menos, así lo veo yo.

Por supuesto, pero creo que aquí el punto es: ¿debe uno producir música pensando en lo que puede llegar a triunfar -es decir, produciendo de acuerdo a las tendencias del mercado para lograr un mayor éxito-, o debe uno producir música siguiendo sólo sus propias convicciones musicales?
Ya, te entiendo perfectamente. Por supuesto, yo sólo sigo mi propio gusto. Tal vez por eso no soy tan grande como podría haber sido… (risas) Pero sí, creo que mucha gente está produciendo música de esta manera, pensando en cómo reaccionará la gente al escucharla. Para mí, hacer música es enseñar lo que te gusta y lo que realmente eres.

¿Prefieres producir tu propio tema o remezclar música ajena?
Producir mi propio tema, sin duda.

La gente que sale un martes por la noche en Barcelona es gente apasionada por la música. Puede respirarse en cualquier cita con Copyleft. | Imagen: © Copyleft
¿Qué es lo que ves en un tema y te hace decir “uau, quiero remezclar esto”?
Es algo especial, un sentimiento en mi mente que me atrapa y hace que una idea para una remezcla nazca en mi cabeza. Normalmente, recibo una propuesta de remix, escucho el tema e identifico inmediatamente los stems o elementos que me gustan. Una vez ahí, a veces resulta más fácil, y a veces más difícil, encontrar el modo de dar con algo que valga la pena. (risas)

Produces música desde 2005, pero fue en 2019 cuando lanzaste tu primer álbum, It’s A Business Doing Pleasure With You. ¿Por qué tardaste 14 años?
Ya hicimos cuatro álbumes con mi banda Marbert Rocel y uno junto con Mathias Kaden como Karocel. Luego, cuando empecé mi propio proyecto, me sentí súper libre para lanzar música. Sentí que cada vez que tenía 3 temas listos, era suficiente para transmitir el mensaje que quería transmitir. Un álbum es mucho trabajo. Lleva mucho tiempo. Con los años, fui viendo cada vez más claro que tenía que grabar un álbum y no centrarme sólo en la música de club.

Dices que un álbum lleva mucho tiempo. ¿Cuánto tiempo llevó It’s A Business Doing Pleasure With You?
La cosa es que algunos de los temas del álbum tienen 8 o incluso 10 años, mientras que otros tienen sólo medio año. Así trabajo yo. Tengo un gran archivo de temas que hice en su día y juego con ellos para sacar nueva música. A veces, creo temas simplemente mezclando viejas pistas que hice años atrás.

Panthera Krause publicó su álbum debut en 2019. Se llama ‘It’s A Business Doing Pleasure With You’. | Imagen: © facebook.com/PantheraKrause/
Es curioso. Es como si hace 10 años hubieras empezado a crear tu primer álbum sin siquiera ser consciente de ello.
(risas) Sí, podríamos decir que sí. Es una buena forma de describirlo. ¡Incluso suena fácil! (risas)

Pasemos al escenario. ¿Cuál dirías que ha sido tu mejor actuación hasta la fecha?
Uhm… Qué difícil. ¡Ha habido muchos!

Lo sé, todo el mundo responde lo mismo. (risas) Cambiemos la pregunta: si pudieras actuar sólo una vez más en tu vida, ¿qué fecha repetirías?
Uau, esa es una pregunta distinta… Creo que la mejor fecha fue en verano de 2018 en Conne Island, en Leipzig. Es un club muy conocido allí. Pero, si pudiera actuar sólo una vez más en mi vida, creo que repetiría… (largo silencio) mi dj set en Burning Man. Recuerdo entrar en el escenario por detrás y quedar súper impresionado mientras escalaba hacia cabina y veía a la gente perdiendo la cabeza en medio de la nada.

Así luce el acceso principal de Conne Island. | Imagen: © Conne Island
Burning Man… Toda una experiencia.
Eso es más que un festival. Es como un país diferente, incluso un planeta diferente. Necesitas ir en bicicleta para llegar a los sitios y no necesitas dinero dentro del festival. Es una experiencia que todo el mundo debería vivir al menos una vez en la vida.

¿Qué hay de Panorama Bar? También has actuado varias veces allí.
Sí, he actuado allí cuatro veces.

¿Qué pasa ahí dentro, que hace que la mayoría sea rechazada en la puerta?
Al final, es un club con buena programación y una mentalidad muy abierta, a donde la gente va a pasárselo muy bien. Tal vez, su dura política de acceso sea lo que hace que la gente se sienta especial una vez dentro y eso sea, a su vez, lo que crea una atmósfera especial.

La experiencia en Burning Man fue una de las más singulares en la carrera de Panthera Krause. | Imagen: © facebook.com/PantheraKrause/
¿Cuál ha sido el set más largo en tu carrera?
Pinché 8 horas en Wilden Renate el pasado febrero de 2020.

¿Alguna fecha que esperaras con especial ilusión para este 2020?
Tenía muchas ganas de tocar en Tel Aviv, Jerusalén y Haifa, todos ellos en Israel. Lo pasé muy bien allí hace cuatro años. Además, la fecha en el Golden Pudel Club de Hamburgo tenía muy buena pinta en mi agenda. Es el tipo de club pequeño y acogedor que realmente me gusta. ¡Y mi primer bolo fue allí en 2012!

¿Un escenario, festival, club o lugar donde aún no hayas actuado y donde te gustaría hacerlo?
Fusion Festival. Actué allí con mi banda, pero nunca como Panthera Krause. Dekmantel, también.

El baile con Panthera Krause en Copyleft fue uno de los últimos antes del confinamiento por la pandemia de la covid-19. | Imagen: © Copyleft
¿Qué ve Panthera Krause cuando mira al horizonte?
Pues veo hacer mucha música nueva, pero, desde hace algunos días, tengo en mente la idea de crear tal vez una nueva banda con nuevos miembros. Hace unos meses, empecé de nuevo a escuchar vieja música punk y me di cuenta de que todavía me flipa.

No lo hemos dicho hasta ahora, pero tienes ese lado punk oculto.
Sí, es el sonido con el que crecí. Es algo que tengo dentro de mí desde el principio. ¡Me encanta la actitud punk!

¿Cómo ves el futuro de la industria? ¿Algún mensaje que enviar al mundo?
Uhm, no sé cómo expresarme respecto a esto… Veo muchas redes sociales y siento como que algunos artistas están cada vez más enfocados en construir una imagen social y perfiles ‘vacíos’. Las redes sociales son una gran herramienta para difundir nuevas ideas y estilos, pero, por otro lado, veo un montón de posts rollo ‘el mejor día de mi vida’ sin sentido y formas de actuar totalmente intrascendentes. El prometer grandes cosas, noticias increíbles, reuniones masivas, top-models y miles de seguidores interactuando contigo… Prefiero situaciones más pequeñas, menos adecuadas para un post en redes, pero más genuinas y auténticas. Mi mensaje al mundo es: está bien pasar buenos ratos con 50.000 personas online, pero deberíamos centrarnos más en las personas que están a nuestro lado y en lo que nos rodea en nuestro día a día.

ARTISTA: PANTHERA KRAUSE
(Imagen de Portada: © Press Kit de Panthera Krause)

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Entrevista a Blanca Ross: “Presiento que sólo funcionarán proyectos pequeños, enfocados a un público muy específico y fiel”

No se nos permite pinchar en clubs pequeños y cerrados por ahora, pero vuelvo a cabina por primera vez este sábado en un lugar muy especial: Sa Terrassa.
Con este anuncio en sus perfiles sociales, Blanca Ross daba el pasado jueves 11 de junio el pistoletazo de salida a la ‘nueva normalidad’ del clubbing en España. Blanca Ross tiene 28 años de edad y es de Girona, aunque, por la proximidad con Barcelona, se la considera uno de los talentos más prometedores del underground de la capital catalana. Durante este confinamiento, se le ha visto muy activa en sus redes: trabajando en el estudio, emitiendo sets vía streaming (incluido uno para nuestro movimiento We Stay In en colaboración con Electrona) y manteniendo muy vivo el contacto con los fans de su música. Blanca Ross apuesta por un sonido ecléctico, que puede abarcar desde propuestas relajadas como el deep house hasta auténticas batallas de pista en forma de psy-trance. Ella misma nos reconoce que le costaba “imaginar música techno o trance sonando en la ‘nueva normalidad’, con gente sentada en mesas”. Sin embargo, una vez en Sa Terrassa -una terraza open-air en la ciudad de Tortosa, capital de las Terres de l’Ebre, al sur de Cataluña-, fue difícil contenerse.

Imagen: © City Hall
Parece una pregunta sencilla, pero… ¿qué tal estás?
Pues la verdad es que bastante bien. He tenido días mejores y días peores, como todo el mundo, pero creo haber sabido adaptarme a la situación desde el principio de la cuarentena. Vivo sola y mi día a día ha sido más o menos el que era antes del confinamiento. Tengo el estudio en casa y soy una de esas workaholic, así que, sobre todo entre semana, he mantenido mi estilo de vida habitual. Cada vez me gusta menos hacer cosas y más estar en el estudio. Lo único que he echado de menos es pinchar ante el público y sentir su energía. Como todos, imagino.

Deena Abdelwahed reconocía hace unos días que ha sido incapaz de producir temas nuevos durante la cuarentena porque se le ha hecho imposible visualizar situaciones de club, algo indispensable para ella. ¿Qué tal has llevado tú eso?
He tenido suerte. Una semana antes del confinamiento, saqué una idea para un tema y eso es lo que me ha estado dando vida durante los últimos tres meses. El resultado es “Electrical Signals”, la tercera pista de mi nuevo EP, que saldrá, si todo va bien, a finales de verano. Más allá de eso, no he empezado ningún proyecto nuevo, sino que he perfilado algunos que tenía a medias. Por supuesto, ha habido días en los que no estaba tan creativa. Ahí aprovechaba para buscar y seleccionar música nueva para mis sets.

¿Algún descubrimiento a destacar?
Pues sí. Ha habido un sello que me ha cambiado bastante la perspectiva que tengo de la música electrónica, la verdad. Los que me conocen, saben de mi predilección por el psy-trance y el techno, pero son estilos que sólo pueden pincharse en horas punta. Me cuesta imaginarme situaciones adecuadas para ellos en la ‘nueva normalidad’. Por eso, decidí buscar propuestas más relajadas. Y di con IbogaTech, una ramificación del legendario Iboga Records. Está catalogado como melodic techno, pero a mí me suena a psy-trance ralentizado a 125 bpm, con sonidos muy psicodélicos.

Hablando de música para tus sets, has estado bastante activa en materia de streamings.
¡Sí! Grabé tres. El primero, en Electrona, evidentemente sin público (sesión que retransmitisteis vosotros). El segundo, desde la terraza de mi hermana, con vistas a Barcelona. Y el tercero, un set privado especial para un festival de trance llamado Shankra, en el que me gustaría actuar y al que espero ir en 2021. Fueron los primeros streamings de mi carrera, pero la verdad es que me sentí cómoda.

¿No imponen las cámaras?
Trabajé siete años en televisión, así que ni me acuerdo de que las tengo delante. (risas) La verdad es que me sumerjo totalmente en la música.

Cataluña y el resto de España se desconfinan. ¿Qué es lo primero que has hecho? ¿Te morías de ganas de hacer algo en concreto?
Si te soy sincera, hago prácticamente lo mismo. (risas) Bueno, en realidad, he salido a correr un poco, a jugar a pádel… He ido algún día a Barcelona por trabajo… Poco más. Si echo algo de menos, es viajar.

A nivel de bolos, este fin de semana pasado tuviste ya el primero. Fue en Sa Terrassa, en Tortosa, por aquel entonces ya en fase 3 de desescalada. ¿Qué viste? ¿Cómo te sentiste?
Vi unas ganas locas de sociabilizar, desconectar y bailar. Ya de por sí, en los pueblos y ciudades pequeñas hay mucha más conexión. Todo el mundo se conoce con todo el mundo y eso se nota en el club. Las mesas se extendían por la pista de baile y la gente empezó la noche sentada con las primeras copas. Pinché de 23h a 03h. Los directores del local me pidieron poner música no muy animada, así que empecé con un poco de deep house, pero, ya sabes, la cabra tira al monte y la cosa se fue animando. ¡Esos altavoces sonaban muy bien y me estuvieron tentando toda la noche! (risas)

¿No se te hizo raro tener al público sentado?
Al principio sí, pero enseguida ves como uno mueve el pie, luego otra se levanta y, al final, todo el mundo baila desde su mesa. No es broma: ha sido de los mejores bolos que he tenido en mucho tiempo. Una energía brutal.

¿Tiene sentido este nuevo concepto de clubbing?
Mira, recuerdo cuando me fui de tour por Asia. Me llamó muchísimo la atención que, en las pistas de los clubs donde pinché, había mesas por todas partes y sólo reservaban las primeras filas para el baile libre. La mayoría de la gente estaba en mesas, comiendo y bebiendo y separados unos de otros. Creo que nos va a tocar implementarlo. No queda otra. Hay que acostumbrarse y verlo como algo pasajero.

Imagen: © B Club
A eso iba: tal vez tiene sentido a corto plazo, pero no a largo.
Totalmente de acuerdo. Tenemos que verlo como una medida temporal. Por supuesto, a largo plazo, no es viable. Todos necesitamos el clubbing de antes.

Primavera Sound ha rehecho ya todo su cartel para 2021 y ha colgado el sold-out, mientras que muchos otros grandes festivales también tienen ya confirmadas sus fechas para el año que viene. ¿Tú crees que vamos a tener festivales de gran escala en 2021?
Me duele decir esto, pero me cuesta creerlo. Yo opino que sólo van a funcionar los locales más pequeños, en los que el público se sienta como en casa. Fiestas de petit comité, como suele decirse. Hasta que no haya una solución a la covid-19, ya sea una vacuna o un tratamiento fiable, organizar grandes eventos en macroclubs o macrofestivales no parece algo del todo viable. Me cuesta ser positiva en ese aspecto. A los clubs grandes les queda poco más que llenar la pista de mesas y botellas VIP para sacar rentabilidad al alto coste que supone el mero hecho de abrir puertas.

Lo malo de eso es que generaría una barrera económica que se aleja de los orígenes del clubbing.
Sí, efectivamente. Y sería una gran pena… y un error. Hay que encontrar la solución para que los clubs puedan abrir sin tener pérdidas, pero a su vez sin perjudicar al cliente final, que es el clubber.

Imagen: © Razzmatazz
Me resulta inevitable acordarme de la falta de ayudas públicas que tiene nuestro sector en este país, sobre todo si lo comparamos con algunos vecinos europeos.
Desde luego. Echamos de menos ayudas a los clubs, a todos los profesionales y a los propios artistas, la mayoría autónomos que pagamos barbaridades pese a no tener bolos. Es momento de reivindicarnos. Pero, insisto, sin olvidar también que es momento de flexibilizar y adaptarse.

¿Cuáles son tus planes?
He decidido trabajar a media jornada en algo que no tenga nada que ver con la industria del clubbing, la música electrónica o mi carrera en el mundo de los visuales. Paso demasiadas horas en el estudio. Me apetece desconectar, así que volveré a trabajar como monitora de pádel o tenis. El deporte me mantiene activa, fresca y de buen humor. Es una parte esencial de mí y creo que será una buena manera de mantenerme creativa.

Imagen: © RRSS de Blanca Ross
¿Un mensaje para la industria?
(silencio) Las crisis son muy jodidas. Presiento que, en los próximos meses, sólo va a funcionar aquello que sea óptimo y esté muy bien cuidado y trabajado, diseñado para un público específico y fiel. Antes, quizás un proyecto no del todo trabajado podía tirar adelante con un poco de suerte. Ahora, eso va a ser imposible. Si quieres que te salga bien, tendrás que dar en el clavo.

¿Y un mensaje para lxs que te echan de menos en las pistas?
Yo también os echo mucho de menos, aunque suene a tópico. Yo no pincho para mí; pincho para la gente. Y sois vosotros, la gente, vuestra alegría, vuestra actitud, vuestra energía y vuestro feedback lo que me empuja cada día a querer dedicarme a la música. Nos encontraremos pronto de nuevo. Y ojalá muy pronto pueda publicar también mi álbum y así regalaros un pedacito de mí.

ARTISTA: BLANCA ROSS
(Imagen de Portada: © blancaross.com)

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Entrevista a Black Circle: “Tío, estamos hablando de la leyenda de la NBA Rony Seikaly”

Black Circle es, en estos momentos y con mucha probabilidad, uno de los artistas que más debe de estar frotándose los ojos en la escena tech. Acaba de lanzar «What For», un tema que ha producido junto a Rony Seikaly -sí, el legendario jugador de la NBA-, ha firmado con el sello Radiant, de su amigo Sabb, ha empezado a colaborar con dos gigantes del tech-house como Nic Fanciulli y Matthias Tanzmann y su tema “Foolish” ha sido remezclado por otra leyenda de la electrónica: Oxia. Agim (así se llama Black Circle en realidad) tiene 33 años y es de Zúrich (Suiza). Ha estado produciendo música para grandes actos en los últimos años, pero, en enero de 2019, decidió iniciar un nuevo camino en solitario.

¿Qué pasó en 2019? ¿Qué fue lo que hizo nacer a Black Circle?
No estaba muy seguro de hacerlo. Estaba cansado de enviar demos a los sellos discográficos sin obtener respuesta. Gastaba mucha energía y motivación en terminar mis temas. Hasta que mi viejo amigo Sabb me ofreció dirigir el proyecto… y nació Black Circle. El objetivo principal de este proyecto es hacer música, hacer lo que más amo en el mundo.

Oxia ha remezclado tu «Foolish» y tú has remezclado el «Into The Night» de Eli & Fur, un trabajo que verá la luz en el prestigioso sello Anjunadeep. ¿Con qué resultado estás más satisfecho?
Al principio, no podía creérmelo. Yo, siendo remezclado por Oxia, un tipo que hizo el súper hit «Domino» en su momento. Eso es justo lo que más aprecio: cuando los músicos se apoyan unos a otros en todo tipo de condiciones. Todos estamos en la misma industria, para mí es un constante dar para recibir a cambio. He remezclado muchos temas en el pasado, pero cuando se trata de tu propio proyecto, es totalmente distinto, algo más personal. Me encantó. En cuanto a «Into The Night», me alegré mucho cuando Eli me pidió que hiciera una remezcla, pero también me preocupé por sentir demasiada presión; me preguntaba si les gustaría o no. Al final, les encantó y lo incluyeron en el sello Anjunadeep, ¡así que todos contentos!

También has trabajado en varias colaboraciones con el residente de Circoloco Matthias Tanzmann y con Nic Fanciulli.
Sí, siempre me ha gustado el gusto musical de Nic Fanciulli y Matthias Tanzmann. Vi que ambos pinchaban mis temas, así que decidí enviarles un correo electrónico a los dos para ofrecerles una colaboración, algo que nunca esperé que fuera a suceder, si te soy sincero. Creo que todo sucedió en el momento perfecto. Conectamos súper rápido y nos hicimos muy buenos amigos.

Imagen: © Press Kit de Black Circle
Tienes ya el apoyo de gigantes como Black Coffee, Âme o Super Flu y has firmado con el sello Radiant de Sabb. Te vigilan grandes ojos…
Soy un perfeccionista, súper exigente con la música. Está bien tener presión, pero también puede ser peligroso. Su atención no hace sino aumentar mi motivación aún más.

Hablemos de tu colaboración con Rony Seikaly. No todo el mundo puede decir que es compañero de trabajo de un jugador de la NBA… ¡¿Cómo ha pasado esto?!
Tío, estamos hablando de la leyenda Rony Seikaly. Leyenda, no sólo por su carrera en la NBA, sino también por la forma en que produce sus temas. Escuché a mi manager decir que a Rony le gustaba mi música y se las arregló para sacar una colaboración entre ambos. Me encanta hacer rápido el trabajo y no complicarme las cosas. Ha sido la bomba trabajar con esta leyenda.

¿Qué hay del lanzamiento?
Es un single con remixes que llegarán más adelante. Tiene buenos coros y una gran voz que ayuda a superar momentos difíciles, ya sea en casa o donde sea que estés. También tenemos un remix de Luciano, que saldrá a mediados de junio.

¿Dirías que este tema te representa bien como músico?
Sinceramente, yo me limito a hacer música; no busco autoclasificarme en géneros. A veces, tengo el un mood más afro, tiro por el tech house, me voy al melódico… todo lo que me haga bailar en el estudio. Lo más importante cuando hago música es dejar mi firma en ella para que la gente reconozca de dónde viene. Por ejemplo, el piano o mis fill-ins y los white noises justo antes de que rompa el drop.

Probablemente, el 2020 iba a ser uno de los años más intensos y exigentes de tu carrera hasta ahora, justo antes de que todo se derrumbara. ¿Qué tal va el confinamiento?
Sí, esto es algo que nunca pensé que fuera a vivir, pero todo sucede por alguna razón. Siento tristeza por las personas que se están viendo realmente afectadas por la situación, pero lo más importante es quedarse en casa y mantenerse a salvo. Paso la mayor parte de mi tiempo en el estudio, trabajando en nuevos temas, y también empezando a trabajar en mi primer álbum.

Volveremos pronto…
Por supuesto. Todos superaremos estos tiempos difíciles y bailaremos juntos de nuevo. Tiempos mejores están en camino, tiempos con mucha música nueva. Lo prometo. ¡Nos vemos en la pista de baile! #staysafe

ARTISTA: BLACK CIRCLE
(Imagen de Portada: © Jukebox PR)

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Entrevista a Raven: “Quería hacer algo emotivo, oscuro y sexy a la vez”

Raven es una de las candidatas a artista revelación del año en las escenas techno y rave. Y no lo decimos nosotros, sino la apuesta que por ella ha hecho Matt Edwards, aka Radio Slave, publicando su nuevo EP en el prestigioso sello de culto Rekids. Allí fue donde despegaron carreras meteóricas de otras grandes mujeres de la industria. Artistas que, como Raven, no sólo producen, sino que también componen, escriben, cantan. Una, Nina Kraviz, reina en los terrenos más acid del techno. La otra, Peggy Gou, marca el ritmo en los dominios del house. Con su EP Flames, Raven irrumpe en la escena rave con un soplo de aire fresco, una combinación de elementos industriales, ácidos, experimentales, oscuros, pero también urbanos, modernos y desenfadados. ¿Pueden cantos con aroma a pop entrar en una nave industrial en plena luz del día y romper a sudar? Raven tiene la respuesta.

¿Cómo es la persona detrás de Raven?
Nací en Vancouver, Canadá. Viví mucho tiempo en Toronto, pero también en Los Ángeles, Chicago, Berlín, Ciudad de México y, ahora, en Barcelona, España. Creo que me muevo tanto porque soy muy inquieta y curiosa por naturaleza. Me gusta inmiscuirme y ver cómo voy flotando. Me gusta mucho la vida sana y la medicina natural. Soy vegana desde hace nueve años. He sido vegetariana por un total de 16… Me encanta cocinar cosas en el estudio, pero también en la cocina. (risas) Esa soy yo, en pocas palabras.

Escuchando los cinco temas de tu EP Flames, parece evidente que los sabores rave y techno son los principales protagonistas, aunque también podemos encontrar algunos toques de trance e incluso acid.
Yo diría que cada tema es un concepto propio. Por ejemplo, quería que “Insomnia” se sintiera como un insomnio. Esos pensamientos fugaces que te mantienen despierto por la noche, dando vueltas en círculos en tu cabeza. También intento fusionar algunos de mis subgéneros y sonidos favoritos, como el trance, y experimentar con ellos. Como en “In2U”, quise hacer algo así como una pista de house vocal, que recordara a lo que solía escuchar en la radio. O en “Saint”, creando esa línea de sinte hard-trance y un pattern de bombo ghetto-tech – rindiendo homenaje a temas por los que daría la vida. Quería hacer algo que fuera emotivo, oscuro y sexy a la vez.

También cantas en todas ellas y tu voz suena bastante cercana a los géneros urbanos, o incluso a algún tipo de pop. No es algo común en la música rave.
A ver… Llevo escribiendo canciones desde que soy una niña. No creo que haya reglas que determinen a qué se le permite o no se le permite ser música electrónica. Es algo que está siempre en constante evolución. Crecí con muchas influencias musicales. No me gusta un único tipo de música. Así que sí, cogí todo eso y lo junté. Si lo piensas, casi toda la música es electrónica hoy en día.

Cover de Raven – Flames EP. | Imagen: © Rekids
El EP no es una combinación de estilos muy fácil de encontrar, pero tal vez sea una ecuación que traiga aire fresco a la escena techno y rave en Europa. ¿Cuáles fueron tus principales inspiraciones?
Mi inspiración fue en realidad hacer algo que se pareciera a mí. He estado haciendo música y haciendo de DJ durante años. He tenido muchos alias diferentes. Raven es mi verdadero nombre y esta es la primera vez que hago lo que siento. No lo hago para encajar en ningún marco concreto.

Como dijiste antes, eres de Toronto, y también tienes fuertes conexiones con metrópolis como Chicago, Berlín, Los Ángeles y México D.F., antes de instalarte en Barcelona. ¿Qué te llevaste de cada una de estas ciudades mientras creabas tu propia personalidad musical?
Personalmente, creo que no se trata de dónde estás físicamente, sino de dónde estás mentalmente. Todas estas ciudades han sido increíbles para vivir en ellas. Creo que me benefició, sobre todo, el hecho de reconocer que necesito dejar espacio para otras formas de pensar. Con cada movimiento, gané tolerancia y, definitivamente, aprendí que las cosas nunca van a ir según lo planeado. Al final, la música es comunicación y tengo un deseo enorme de conectar y entender a la gente y de ser también entendida. Creo que ahí es donde entra en juego todo el tema de la música para mí.

¿Cómo apareció Rekids en la historia?
Ha sido un torbellino de año. Antes de instalarme en Barcelona, me fui de Ciudad de México y me quedé en Atenas, Grecia. En una desafortunada serie de eventos, terminé perdiendo mi disco duro externo, mi móvil y, finalmente, mi ordenador. Tuve que empezar todo de nuevo, desde cero. Cuando las cosas se pusieron feas en Atenas, mi hermana me invitó a Barcelona. Conozco a Matt [Edwards] desde hace años por vivir en Berlín. Cuando empecé a hacer música de nuevo, Matt la escuchó y dijo que quería lanzarla. Matt y Leon [Oakey] saben lo que están haciendo en Rekids y estoy súper feliz de tenerlos detrás de mí. Estoy realmente sorprendida por todo lo que ha sucedido en este último año.

Imagen: © Press Kit de Raven
Su sello ya ha lanzado carreras como la de Nina Kraviz y Peggy Gou: además, dos productoras, compositoras, cantantes y, por supuesto, DJs. Supongo que no te gustarán las comparaciones, pero son palabras mayores… ¿Te imaginas llegar a ser tan grande como lo son ellas dos hoy en día?
Peggy y Nina son increíbles en lo que hacen y cada una tiene su propio camino. Creo que también hay un espacio para mí en la música electrónica. Estoy tratando de llegar lo más lejos posible con ella.

¿Significa esto una presión o responsabilidad extra?
Hmmm… Siento una responsabilidad con Rekids, que me apoya en un 110 por ciento, pero sobre todo conmigo misma. Esta es mi pasión, ya sabes.

Probablemente, el 2020 se veía como uno de los años más intensos y exigentes en tu carrera hasta ahora, justo antes de que todo se derrumbara. ¿Cómo estás enfrentando estos tiempos de confinamiento?
Sí, definitivamente no es como planeamos que fuera este lanzamiento. El confinamiento es extraño. Trato de emplear este tiempo en mi beneficio. Paso la mayor parte del tiempo haciendo música y riéndome con memes. Pero sí, es difícil. Lo único bueno de esta situación es que todos estamos luchando juntos.

¿Algún mensaje que quieras enviar a nuestros lectores?
Me gustaría decir que, tanto para artistas como para todo el mundo en general, estos tiempos son muy desconcertantes. No tenemos ni idea de cómo será el próximo año. Todas las fiestas y fechas han sido canceladas. Mucha gente ha perdido sus trabajos. ¡Estamos a punto de arruinarnos! (risas) Ahora es de verdad el momento de apoyar a vuestras comunidades en todo lo que hagáis y en todo lo que podáis.

ARTISTA: RAVEN
(Imagen de Portada: © Press Kit de Raven)

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Entrevista a Marco Faraone: «Tengo la sensación de que hay DJs que siguen un template cuando pinchan»

Marco Faraone es un tío enrollado, humilde, amable y de risa fácil. Nos encontramos con él una tarde de invierno en uno de los estudios de producción de Bridge_48, uno de los rincones más candentes para la escena musical electrónica de Barcelona. Marco Faraone, de 32 años y original de Lucca, una pequeña ciudad cerca de Florencia (Italia), se presentó ante la escena underground en 2010 gracias a “Strange Neighbors”, su lanzamiento de debut en el sello Moon Harbour de Matthias Tanzmann. Sus inicios como DJ, sin embargo, se remontan a 2002, cuando Marco apenas tenía 14 años. Inmerso en el hip hop, descubrió el minimal gracias a Richie Hawtin. Con el paso de los años, se ha convertido en uno de los grandes del techno de corte big-room, creando su propio sello Uncage y colaborando de forma habitual con otras casas de culto como Rekids. Es precisamente en el sello propiedad de Matt Edwards (Radio Slave) donde Marco Faraone ha publicado su nuevo álbum, titulado No Filter. Con 33 minutos de conversación, Marco Faraone tuvo suficiente para contarnos sobre el disco, su pasado, su futuro, el polémico concepto de “business techno”, el estado de salud de Ibiza, las consecuencias del auge de los festivales para los clubs más pequeños y la obsesión por la ecología en la escena. Casi nada, ¿verdad?

Marco, cuando empezaste a publicar música a los 19 años, tu sonido en sellos como Subtronic era dub y minimalista. ¡No negaré que me ha sorprendido!
Empecé pinchando hip-hop a los 14 años y luego descubrí el minimal, primero, y el house y el techno, después. Cuando empecé a producir, a los 16 años, no sabía realmente qué sonido me gustaba. No sabía mucho sobre música. Mi ciudad, Lucca, no tenía una escena musical adecuada en aquella época. No teníamos ni house ni clubs de techno. El sonido minimalista fue mi primer acercamiento a la música electrónica, escuchando a gente como Sven Väth o, sobre todo, Matthew Jonson. Obtuve esa inspiración y ahí es cuando empecé a producir.

Preguntamos a algunas personas sobre tu música y la mayoría de ellos recordaron rápidamente “Climax”. ¿Crees que fue tal vez el tema que cambió tu carrera en 2016?
Fue un lanzamiento muy importante para mí. Ya había publicado una vez en el sello Drumcode Limited, plataforma que sólo edita en vinilo, pero “Climax” fue mi primer lanzamiento en el sello principal de Drumcode, uno de los más grandes -si no el más grande- en la escena techno, también en lo que a exposición, marca y comunicación se refiere. Así que, sí, “Climax” gustó mucho al público y se convirtió en la pista que me hizo dar un gran paso adelante.

¿Es el tema del que te sientes más orgulloso?
Siempre me siento orgulloso de cada tema que produzco, pero con ese me sentí especialmente orgulloso por ser un lanzamiento importante Drumcode.

Hablando de nuevo de esos sonidos primerizos de 2007, y comparándolos con tus sonidos actuales, ¿podemos decir que has avanzado hacia una propuesta musical big-room?
Como artista, siempre te dejas influenciar por lo que te rodea. Empecé a pinchar más y más en grandes festivales, así que me fui moviendo hacia diferentes sonidos. Como artista, siempre empiezas en un cierto punto y nunca sabes hacia dónde navegarás. Yo siempre he ido evolucionando. Si observas mi catálogo, verás que he editado música en sellos de house y tech-house, como Desolat, Moon Harbour o Get Physical, y luego he aterrizado en Drumcode o Rekids, que defienden un sonido completamente diferente. Pero sí, me he pasado a sonidos más big-room, no cabe duda.

¿Crees que te has movido en esa dirección deliberadamente o ha sido fruto de la inercia?
Experimentas fiestas, te dejas influenciar por la escena y los nuevos sonidos, algo que es crucial para un artista… ¿Sabes? Ahora estoy haciendo algo, pero tal vez mañana haga algo completamente diferente.

Uno de los conceptos del 2019 en nuestra industria fue el de “business techno”, un concepto que intenta definir el acto de desfigurar el techno industrial puesto en el mapa por instituciones como Berghain y adaptarlo al público de masas y a los grandes escenarios de festivales. ¿Cuán acertado le parece este concepto?
Para mí, “business techno” significa “techno que vende más que otro tipo de techno”. Nunca me gustó catalogar la música. Sólo conozco dos estilos de música: buena música y mala música. Siempre escucho todo y no me gusta catalogar la música. No me gusta decir “business techno” porque es la gente quien decide por sí misma qué compra y qué no compra. ¿Qué es el “business techno”? ¿Techno hecho para hacer negocio? Yo no hago música para hacer negocio. Si vende, mejor. Si no vende, lo habré hecho para mí y para mi propio perfil y de todas formas estaré orgulloso de ello. Si en 10 años, a la gente le gusta otro tipo de música y mi música sólo sirve en clubs pequeños, seguiría haciéndola.

Imagen: © Press Kit de Marco Faraone
Ahora que hablas del futuro dentro de 10 años: ¿hacia dónde va la escena? Quiero decir, ¿qué piensas cuando ves cómo era la burbuja de la música electrónica cuando empezaste y cómo es ahora?
La principal diferencia, creo, es que la gente presta más atención a lo que ve, que a lo que escucha. La gente siempre dice: “Voy a ver a este o aquel DJ”. No hay que ir a una fiesta a ver a un DJ. Hay que ir a una fiesta a escuchar la música. Creo que eso es lo que la gente solía hacer mucho más antes. El DJ no se veía como a una estrella del rock, como a un showman o a alguien a quien había que observar actuar. La comunicación era más íntima, basada principalmente en la música y no en los fuegos artificiales. Además, los festivales cambiaron la percepción de la gente y lo que esta espera de nosotros. Los festivales han hecho que la gente se acostumbre a los grandes espectáculos con fuegos artificiales y láseres y eso hace más difícil para un DJ ir a tocar a un pequeño club donde sólo hay… simplemente música. Hace que eso parezca más simple, más pobre. Siento un gran cambio en la escena debido a los festivales, también. Es una evolución. No digo que sea bueno o malo, sino sólo una evolución. Pero el aspecto positivo es que, con los festivales, más gente se está acercando a la música electrónica. Como siempre, los cambios tienen un lado positivo y un lado negativo.

¿Estos grandes festivales están matando a los clubs pequeños?
(silencio largo) Uhm… sí, están matando a los clubs pequeños. He visto muchos grandes cambios en muchos países y he hablado con muchos promotores que se quejaban de cómo la gente ha dejado de ir a sus locales porque sólo quieren ir a festivales y sólo ahorran dinero para festivales. Y observa la cadena: antes, los clubs se usaban para programar todas las semanas. Ahora no pueden, porque no llenan el local, así que abren sólo una vez al mes, así que bookean menos artistas, así que los artistas pierden oportunidades de actuar. Además, una vez que llegan los festivales, no todos los artistas son bookeados, sino sólo los grandes. No hay espacio para los nuevos talentos. ¿Y si los nuevos talentos van a tocar a los clubs y el club está vacío? El talento nunca tendrá la exposición necesaria. La música es evolución, necesitamos descubrir nuevos talentos, nuevas generaciones, nuevos artistas. Lamentablemente, no hay espacio para todos en este momento.

¿Cómo lo resolvemos?
Es la pregunta del millón. Estoy dirigiendo mi propio sello Uncage, tratando de impulsar nuevos talentos, y a veces es decepcionante, porque queremos programar un showcase del sello en un club y la mayoría de los clubs no están abiertos a eso y sólo quieren a Marco Faraone, ¿sabes? Sólo quieren el nombre conocido. Los clubs, en la mayoría de las ocasiones, no apoyan a los jóvenes talentos.

Imagen: © Nel G. Photography
También parece que la democratización de la música electrónica, y especialmente de los procesos de producción musical, ha generado una violenta mezcla de estilos: techno, trap, house, ambient, hip-hop e incluso reggaetón coexisten a veces en las cabinas de los DJs en todo el mundo. ¿Es esto bueno para la música electrónica y para la escena clubbing?
Si ganas cantidad, pierdes calidad. Todo el mundo puede producir un tema hoy en día, sí. Sólo necesitas un portátil, ni siquiera un estudio. Pero la mayoría de la gente no está preparada para hacer eso. Lo hacen de manera amateur y de alguna manera el resultado no suena muy bien. En cuanto a esas mezclas multi-estilo, mientras tengas calidad en la música, puede ser algo sorprendente escuchar un set versátil, pero siempre manteniendo la calidad a un alto nivel. Me gustan los experimentos y las sorpresas. A veces, echo de menos más de eso. Hoy en día, siento que muchos DJs mezclan sets aburridos. Parece que están siguiendo un template. Pinchan los mismos sets en cada bolo. Yo siempre trato de pinchar sets diferentes en cada ciudad a la que voy y en cada situación particular.

Volviendo a tu música y a tu trabajo, ¿en qué has estado trabajando últimamente?
Me mudé a Barcelona hace un año y medio, aunque pasé cinco meses también en Ibiza por la temporada de verano. Fue un gran cambio de vida para mí. Mudarme de Florencia a Barcelona fue un gran cambio y también una gran inspiración. Pasé la mayor parte de mi tiempo en el estudio trabajando en mi nuevo álbum No Filter, que sale ahora en Rekids. Es como una especie de proyecto diferente, más experimental, cruzando barreras y logrando algo más. Es algo más especial para mí.

¿Es bailable?
Mitad y mitad, digamos. Una mitad es bailable y la otra mitad tal vez no sea bailable. No es ambiental, pero es experimental, con muchas atmósferas.

Portada de No Filter. | Imagen: © Rekids
¿Qué aporta Marco Faraone al 2020? ¿O qué le aportará este 2020 a Marco Faraone? En términos de música, estudio, producción…
Bueno, también tengo nuevos EPs y lanzamientos en camino. Sigo colaborando con Rekids también, que es uno de los principales sellos en los que estoy editando. También estoy trabajando en un -esperemos- nuevo EP para Adam [Beyer], en Drumcode, que espero terminar pronto.

Ecología y sostenibilidad están ahora en boca de todos. Cada vez más clubs y festivales anuncian que van a dejar de usar plástico de un solo uso, pero aun así muchos artistas ‘underground’ siguen viajando con jets privados. ¿Cuál crees que es el camino… y la velocidad adecuada en todo esto?
Sinceramente, no creo que esto vaya a salvar nuestro planeta. Todos podemos hacer algo y dejar de usar coches o motos. Hay muchas cosas que no son buenas para el planeta. Obviamente, tratar de evitar el uso del plástico ayuda. Hemos estado bailando entre vasos de plástico durante los últimos 30/40 años. Pensando a largo plazo, por supuesto, eso fue fatal. Muchos artistas están volando en jet privado, vale, pero… creo que volar en un avión o en un jet privado es casi lo mismo, la verdad. Creo que el sistema tiene que cambiar en general. Tenemos que encontrar diferentes soluciones: para los coches, para los aviones, para todo. No vamos a salvar el planeta evitando vasos de plástico durante los próximos cinco años. Es un cambio pequeño, aunque bueno, por supuesto, pero no es suficiente.

Los discos de vinilo también han estado en boca de todos con respecto a este tema, ya que, obviamente, imprimir vinilos siempre es peor para el medio ambiente que descargar archivos online y guardarlos en un USB.
El mundo está lleno de contradicciones. Como dije antes, dejar de beber en vasos de plástico, pero seguir comprando vinilo… ¿qué sentido tiene todo esto? Es gracioso, pero bueno, es lo que hay. Necesitamos un cambio en el sistema en muchos aspectos diversos.

Vivie-Ann de Blond:ish es una de las artistas más activistas en la escena contra el plástico. | Imagen: © Blond:ish
Sólo una curiosidad: quería preguntarte por todos esos DJs que pinchan b2b hoy en día. Algunos me parecen un poco ‘raros’, digamos.
Me encanta ver b2b’s inesperados y sorprendentes si tienen sentido musicalmente hablando. Es cierto que, hoy en día, algunos de ellos simplemente no tienen sentido. Se hacen sólo por alguna estrategia de management, pero musicalmente no funcionan. He visto sets sin sentido alguno.

Tengo que decir que la mayoría de esos b2b’s sin sentido los vi en Ibiza… ¿Qué piensas de la escena musical de la isla?
La isla se dirige totalmente hacia el lado comercial. Ibiza está empezando a programar estilos musicales súper comerciales y la gente que visita la isla ha cambiado enormemente. Creo que Ibiza estaba cambiando (como dije antes, los cambios siempre vienen con un lado positivo y otro negativo), pero el público ahora es diferente: veo más familias, más gente rica, los bares y restaurantes están cambiando… Los lugares que antes eran chiringuitos ahora son grandes muros. Antes, Ibiza tenía un ambiente más hippy y de vida sencilla. Ahora, ves más familias con niños y estamos perdiendo a los clubbers, que ya no tienen dinero para venir a la isla, ya que la isla se ha vuelto súper cara en todos los sentidos. Incluso la gente que tiene una vida cómoda se queja de los precios. Imagina a los que ahorran dinero para ir a los clubs.

¿Por qué está pasando esto?
Creo que es lo que quiere la isla. Tuvieron demasiados problemas en el pasado. Hoy en día, con las redes sociales, si tienes un problema, todo el mundo lo sabrá al día siguiente. Hace 10 años, si alguien moría en un evento, por ejemplo, había que leer un periódico local para enterarse. Si eso ocurriera hoy, 24 horas más tarde toda la comunidad clubbing del mundo estaría hablando de Ibiza. Creo que Ibiza quiere limpiar o refrescar todo y obtener una nueva imagen.

Así luce la inmensa zona VIP de Ushuaïa. | Imagen: © Ushuaïa Ibiza Beach Club
¿Y reunir públicos nuevos y quizás menos peligrosos?
Reggaetón. Hay muchas fiestas de reggaetón ahora en Ibiza. Fiestas de reggaetón con miles y miles de personas, un público que disfruta de sus fiestas de una manera diferente. ¿Qué más puedo decir? Conseguiremos espacio para nuevos lugares pronto, en los próximos años. Ya he visto cómo evolucionan los nuevos lugares. ¿Quién sabe cuál será el próximo “mágico Space”? (risas)

¿Cuáles eran tus planes para este 2020 en Ibiza antes del confinamiento?
Mantengo una relación fantástica con Marco Carola, que es uno de los artistas que creyó en mi música y llevó mi perfil en la isla a otro nivel. Music On fue la chispa, la fiesta que me dio un nombre fuerte en la isla. Este último año, se mudaron a Pacha. Iba a hacer un proyecto muy grande con Amnesia este año con una nueva residencia en diferentes eventos, como por ejemplo Pyramid y elrow, y por supuesto la Opening Night.

¿Qué tal fue el cambio de Music On a Pacha?
Es diferente. En Pacha, sientes más que estás pinchando en un club, mientras que Amnesia me hace sentir más como si estuviera en una especie de festival, frente a 5.000 personas. Son dos clubs muy diferentes uno del otro, así que es muy difícil comparar sensaciones.

¿Un deseo para el futuro?
Pensando en los próximos años, mi gran deseo es tener mi propia marca, mi propia noche, mi propio concepto explicando mi propia historia, de dónde vengo, cuáles son los sonidos que me hicieron ser el artista que soy hoy. Por supuesto, sueño con tenerlo en Ibiza, pero siempre trato de mantener los pies en la tierra. Las grandes cosas necesitan tiempo. Veamos qué pasa en el futuro.

ARTISTA: MARCO FARAONE
(Imagen de Portada: © Phlame)

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