Entrevista a Gaetano Parisio: “Nada me hace más feliz que el sentirme respetado por aquellos que comparten mi misma pasión”

Era un miércoles de otoño al mediodía. Barcelona gozaba de un soleado día. Caminábamos por el centro de la ciudad hasta que dimos con la dirección. Gaetano Parisio es una leyenda de la música techno made in Nápoles. Tal vez por eso, sorprende su cercanía, su amabilidad y su humildad a la hora de recibirnos en el salón de su casa. De fondo, música jazz a no mucho volumen. Su pareja y su perro nos acompañan mientras nos sentamos a tomar café y hablar sobre sus orígenes y los del techno napolitano, su largo alejamiento de las cabinas y su prometedor retorno con el nuevo proyecto Origens.

 

 

Joseph Capriati dijo una vez que Marco Carola y tú pusisteis a Nápoles y al techno napolitano en el mapa. Una frase potente…

Primero, gracias a Joseph por sus palabras. Marco y yo fuimos sólo parte de la historia. Somos una parte importante, pero no los únicos personajes de esta película. Lo que creó algo único en Nápoles fue el constante intercambio e influencias recíprocas entre los distintos artistas. La relación entre todos nosotros hizo de nuestro movimiento un movimiento muy fuerte y especial. Rino Cerrone, Danilo Vigorito, Davide Squillace… Todos compartíamos absolutamente todo: conocimiento, trucos, prácticas en el estudio… Es la única manera de crear algo que pueda perdurar con el paso del tiempo.

 

¿Dónde hallaste tus primeras influencias y cuáles fueron?

Tenía 10 u 11 años cuando empecé a escuchar música asíduamente. Mi madre solía tocar la guitarra y mi hermano siempre estaba escuchando música en casa. Nombres como Kraftwerk, Depeche Mode o New Order fueron mis primeras aproximaciones a la música electrónica. Más tarde, empecé a salir a los clubs y fue entonces cuando cambió completamente mi visión y cuando mis bases comenzaron a crecer.

 

En la carrera de un DJ siempre existe el día que lo cambió todo…

No tengo dudas sobre el mío. Tenía 20 años y viajé a Francia para asistir a una fiesta en un coliseo romano con Björk actuando en directo y con Jeff Mills pinchando. Yo ya pinchaba en aquel momento, pero sólo tenía Chicago Techno en mi Rekordbox. Después de aquel día, llamé a mi madre y le conté que me había dado cuenta de que tocar música es lo que yo quería hacer en mi vida. Así, empecé a investigar sobre distintos estilos y mi carrera como selector empezó.

 

 

Entonces, Jeff Mills es una de tus grandes influencias.

Absolutamente. Aquel día, cometió algunos ligeros errores, pero la música que puso fue simplemente de otro planeta. Aún hoy en día, Jeff Mills es una de mis mayores inspiraciones.

 

¿Cuáles más hay?

¿A parte de Jeff Mills? Maradona, ¿quizás? (risas) Bueno, y también Michael Jackson cuando yo era un niño.

 

Me atrevo a decir que Italia, tu país, es el único que le ha puesto su propio nombre a un género de música electrónica (italo-disco). Una vez, dijiste que no crees que haya una relación muy fuerte entre la época dorada del house y el disco en Italia y el surgimiento de la escena techno napolitana.

Los movimientos italo house y disco no fueron importantes para los sistemas de producción de la posterior escena techno napolitana. Simplemente, nos dieron una razón más para escapar del enfoque de Nápoles y convertirnos en internacionales. El único modo de lograr ser famosos fuera es empezando con nuestra propia música y nuestros propios sellos, que es exactamente lo que hice. En este sentido, el italo house y disco nos enseñaron que crecer en otros países y alcanzar escenas extranjeras era posible. También muchos artistas de esos movimientos acabaron pasándose a la escena techno napolitana. Se convirtieron en una especie de puerta hacia nuestro movimiento.

 

 

¿Era fácil comprar vinilos en aquel momento en Nápoles?

No mucho, la verdad. Sólo teníamos dos tiendas y uno debía hacerse amigo de los propietarios para que estos reservaran los mejores vinilos. Solía viajar mucho a Roma con Marco (Carola), o incluso a Londres, a buscar nuevos vinilos.

 

Es una pena que los DJs de hoy en día no hagan más eso, ¿no crees?

Es que no necesitan hacerlo. Sólo necesitan buscar en internet y descargar en varios segundos. Tal vez estemos perdiendo el valor de lo que significa la búsqueda. Y eso podría llevarnos a perder lo más preciado. Si no tienes que invertir energía, tiempo o ni siquiera dinero para hacerte con música nueva, probablemente la música en sí pierda valor para esos artistas. Debemos tener mucho cuidado con eso.

 

¿Cómo definirías a alguien interesado en música electrónica (en términos generales) lo que hace al techno napolitano diferente a otros estilos de techno?

No me gusta compararlo a otros géneros. Nosotros le damos al techno un enfoque mucho más funky, añadiendo algunos aromas latinos, percusiones y también utilizando algunos aparatos, por ejemplo compresores, como instrumentos.

 

 

Para las nuevas generaciones, debe de ser difícil creer que Marco Carola fue, junto a ti, uno de los instigadores del movimiento techno en Nápoles. ¿También crees que Marco ha cambiado muchísimo su enfoque sobre la música underground de club?

Es evidente que ha cambiado. No voy a descubrir nada nuevo por decirlo. Pero, si él es feliz y realmente cree en lo que está haciendo, ya me está bien. En este mundo, hay espacio para todos. Pero, por supuesto, el movimiento techno pierde a un gran talento, especialmente como productor. Insisto: estoy muy feliz por él, si veo que él también lo está.

 

Entonces, musicalmente, ¿echas de menos al Marco Carola de antes?

Absolutamente, pues era un amigo y un compañero con el que trabajé en mis inicios. Su aportación a la escena fue inmensa en su día. Cuando conocí a Marco, él venía del house, no del techno, así que ahora quizás está, simplemente, volviendo a sus orígenes. Uno nunca sabe. Lo más importante es amar lo que uno hace, sea lo que sea.

 

Marco Carola, durante uno de sus últimos shows con MusicOn en Amnesia, antes del cambio a Pacha. | Imagen: © Amnesia Ibiza 

Eres tanto DJ como productor. Son dos profesiones muy distintas, aunque parece que, hoy en día, la segunda no puede suceder sin la primera. ¿Eso es bueno?

Debemos aceptarlo. Ya era así antes. Para darme a conocer en el extranjero, también tuve que empezar a producir mis propios temas en mis inicios. Es crucial saber estar presente en ambas caras de la moneda. Soy DJ porque eso me hace ser mejor productor, del mismo modo que soy productor porque eso me hacer ser mejor DJ.

 

Dejaste de actuar durante casi 15 años. ¿Dejaste también de producir música durante ese periodo?

Sí, me tomé un descanso para centrarme en mí y para recuperarme. Fue como una terapia. La música fue simplemente un modo de llegar a donde pretendía. Si ahora estoy aquí, hablándote, es porque me he recuperado por completo. Así que puedo decir que encontré lo que buscaba.

 

Recientemente, volviste a escena con un set a tres canales y a vinilos en el Metro Dance Club de Alicante, presentando tu nuevo concepto Origens. Creo que el nombre habla por sí solo…

Una de las cosas que estoy tratando de hacer últimamente es recordar exactamente cuál era mi motivación, la manera en la que solía moverme y pinchar cuando tenía 25 años, por ejemplo. Era un chaval sin miedos. Sólo quería empujar más y más. Con Origens, busco eso. Mezclo con tres tocadiscos e intento abandonar mi zona de confort para alcanzar así una creatividad mayor y ser más activo en cabina. Tocando a tres vinilos, apenas tengo tiempo para ni siquiera tomarme una copa. Las distracciones no están permitidas. Es un modelo que me exige muchísimo y eso es justo lo que necesitaba para poder estar de vuelta.

 

Gaetano Parisio, durante la presentación de su show Origens en el Metro Dance Club de Alicante. | Imagen: © Metro Dance Club 

¿Qué tal fue la noche?

Toqué dos horas y la reacción del público fue increíble. El club es histórico y pude notar que había cultura detrás. La gente quedó realmente impresionada. Creo que nunca vieron a alguien pinchar a tres vinilos. Sentía mucha curiosidad antes del set y quedé muy feliz con mi show tras el mismo.

 

¿Qué podemos esperar de Gaetano Parisio y Origens a partir de ahora?

¡Encontré el pastel en la nevera y ahora quiero terminármelo! (risas) Seguiré trabajando en esto. Mi equipo cree en mi visión y yo estoy muy agradecido a toda esta gente que me ha dedicado tanto tiempo y energía para preparar esto. Soy consciente de la responsabilidad que recae sobre mí, y ya no sólo por mí, sino por todos aquellos que trabajan para mí. Me siento muy, muy optimista.

 

Volviendo a tu estudio, ¿produces de manera similar a como lo hacías antes o has cambiado algo – tanto en las técnicas de estudio como en el resultado final en términos de sonido?

He cambiado mi forma de hacer música en estos últimos dos años. No quería emular lo que hacía en el pasado. Las cosas cambian y hay que adaptarse. Hay dos formas de ser reconocido como productor: por tu estilo y por los sonidos que salen de tu estudio. Tengo algunas pequeñas técnicas con ciertas máquinas que me hacen reconocible. Me di cuenta de ello cuando volví a encender de nuevo el aparato en cuestión tras el parón. Hoy en día, los productores tienen demasiadas cosas trabajando al mismo tiempo en su ordenador. Yo creo que es importante centrarse en aquellas que realmente te hacen especial.

 

Gaetano Parisio, en su estudio en Barcelona. | Imagen: © Phlame 

Entonces, intuyo que estás planeando lanzar música pronto.

Sí. Y será con el mismo concepto detrás. Por eso, mantengo los mismos sellos. Si cambiase mi visión, cambiaría también mis sellos y crearía nuevos. Pero, si mi visión sigue siendo la misma, también los sellos deben perdurar. Reactivaré dos de mis tres etiquetas: ART y Conform. ART es mi sello personal. Sólo yo publico música en él. Para Conform, he seleccionado 10 temas de mi catálogo y he pedido a artistas que creo que han sido fieles a la música durante estos 10 años que reediten mi música antigua. Publicaré tres o cuatro vinilos, pero mi viejo catálogo será también lanzado por primera vez en digital, por lo que estará también al alcance de las nuevas generaciones.

 

¿Podrías revelarnos algunos de los nombres involucrados en este lanzamiento en Conform?

Claro. Algunos de ellos son Dave Clarke, Oscar Mulero, Ben Sims, James Ruskin, The Advent, Sterac, Truncate, Jonas Kopp, Cari Lekebusch, Steve Bicknell, Alexander Kowalski, Danilo Vigorito… Los llamé a todos personalmente después de mis 15 años de parón y todos se mostraron inmediatamente súper felices de ayudarme. Y eso fue lo que más me motivó. Nada me hace más feliz que sentirme respetado por aquellos que comparten mi misma profesión, mi misma pasión.

 

Debe de ser emocionante volver a la escena tras tantos años y ver que la misma gente sigue ahí, trabajando y construyendo sus sonidos siendo fieles a su idea musical.

Eso es exactamente lo que dije en un post en Facebook hace algunos días: esto será un tributo para todos ellos, para todos aquellos artistas a los que tanto respeto. No será un tributo a mi persona, sino de mi persona hacia ellos. Todos suponen una gran inspiración para mí.

 

 

PRÓXIMAS FECHAS DE GAETANO PARISIO

(Imagen de Portada: © Phlame)

 

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Entrevista a Coyu: “Hoy en día, te valoran más por lo que posteas, que por tu música o tu talento como DJ”

Iván Ramos, más conocido como Coyu, nació en la Barcelona de 1985, cuando aún no existían ni los smartphones, ni las redes sociales. En aquella época, la inmensa mayoría de la población no sabía acerca de las ventajas o razones que podían llevar al veganismo. No se hablaba del cambio climático y géneros musicales como el tech-house o el techno apenas resonaban en la lejanía. Pese a todo ello, Coyu quiso dedicarse a la música. Comenzó como periodista, luego se pasó a la promoción y, finalmente, encontró su lugar en el estudio de producción y en las cabinas. 34 años después, Coyu atesora ya tres apariciones en Sónar, múltiples visitas a las mejores escenas del mundo, tres temporadas con su propia fiesta en Ibiza, un sello referente y un liderazgo latente en movimientos veganos y animalistas. Coyu es un tipo amable, campechano y humilde. Y, sobre todo, un tipo muy interesante.

 

 

Creaste Suara en 2008, con apenas 23 años. ¿Fue tu primer gran paso o hubo otros previos?

En realidad, Suara nació como un subsello, pues mi sello principal era Atypical Farm, creado un año antes, en 2007. Ese también fue un momento importante. Suara creció tanto que tuve que dejar morir Atypical Farm y dedicarme exclusivamente a Suara. Antes, había trabajado como periodista musical y había empezado a formarme como DJ y productor. Siempre tuve claro que esta era mi industria, así que me involucré desde pequeño: periodista, locutor de radio, programador, fundador de un sello… y, finalmente, DJ.

 

Produjiste tu primer gran éxito, “El Baile Alemán”, durante una visita a tu amigo Edu Imbernon en Berlín. Sin embargo, tú has seguido siempre atado a Barcelona. ¿Es una de las mejores ciudades para vivir dedicándose a la música electrónica?

Sí, Barcelona es la mejor ciudad de España para dedicarse a esto y también una de las mejores de Europa. Su escena de clubs está muy afianzada y los mejores DJs del mundo están siempre viniendo por aquí. Incluso en cuanto a tiendas de discos estamos ahí arriba. Tener festivales como Sónar también ayuda mucho, ya que nos ha abierto puertas a los barceloneses a la hora de escuchar música que no se escucha durante el resto del año.

 

 

Ya que hablas de Sónar: venimos de celebrar su 26ª edición. Anteriormente, ya has dicho que para ti es “el festival”. ¿Qué es lo que lo hace especial?

Para los que somos de Barcelona, Sónar es siempre muy especial. Fue mi primer festival. Corría el año 2004 y yo tenía apenas 18. Allí, vi por primera vez a leyendas como Massive Attack, Miss Kittin o Carl Cox. Y pensé, como muchos, “algún día me gustaría actuar aquí”. Con el paso de los años, lo conseguí – he actuado tres veces -, siendo uno de los artistas locales que más veces ha actuado en el festival. Sónar tiene, además, un componente educativo que pocos tienen, sobre todo durante el día. Apoya música minoritaria, de países remotos y escenas pequeñas, y les da una oportunidad ante un público inmenso. Hay muchas cosas que lo hacen especial.

 

Desde la perspectiva de un DJ, ¿Sónar es el festival más importante del mundo o es desde la perspectiva barcelonesa que lo vemos de manera desvirtuada?

Es uno de los mejores, sobre todo si eres DJ. Es donde más ilusión me hace actuar. También lo hace muy especial todo lo que sucede a su alrededor. La gente de fuera se siente más atraída también por la OFF Week, hecho que no tienen otros como Awakenings o Time Warp. La gente de la escena puede venir cinco o seis días a Barcelona a disfrutar de la ciudad. Es uno de los puntos relevantes en la agenda de cualquier DJ o de cualquier trabajador de la escena, al igual que lo es el ADE o que lo era la Music Winter Conference de Miami. Lo que hace a Sónar distinto de ADE es que la gente viene menos al negocio. Se hace en junio, tras ocho meses de frío y cielos grises en Europa, y la gente viene a por sus primeros días de verano con un espíritu festivo y feliz.

 

Tú actuaste en Sónar en 2012, cuando tu sonido aún abrazaba la personalidad más tech-house del clubbing. ¿Cómo recuerdas aquella sesión?

Actué en 2012, 2013 y 2016. Yo pinchaba tech-house, pero aquella sesión tuvo poco de ese estilo. Yo nunca he tenido un sonido muy propio. Cuando hacía mis fiestas en Apolo, pinchaba música mucho más oscura, más techno y electrónica, porque el público me lo reclamaba. Lo mismo sucedió en Sónar. Sabía que la gente necesitaría un sonido de festival, de espacio grande. Vi quién actuaba antes y después y di ese servicio de DJ entre actuaciones. Después de mí, llegaba Richie Hawtin como cabeza de cartel. Así que hice mucha electrónica, mucho techno y, sí, también algo de tech-house. Pero puedo pinchar de todo: disco, progressive house… Todo depende del espacio y del momento.

 

 

Ha cambiado mucho tu estilo – y el de todo el sello – desde entonces. En su día explicaste que el tech-house se comercializó demasiado y que ya no te sentías cómodo en ese terreno. ¿Lo sigues viendo todo igual? ¿Eres más feliz ahora, más cerca del techno?

Sí. Hace unos años, no me habría imaginado pinchando a 138 bpm. Ahora, me siento más maduro. Siento que el público me conoce y sabe que puedo acelerar la pista en función de la situación. Puedo poner música muy oscura o más groovie, más melódica o más áspera. Depende del momento. Como productor, estoy más enfocado en el sonido techno, intentando que haya un balance entre lo que es el underground y lo que el mercado pide.

 

En su día temías que ello conllevara peores resultados en términos de visibilidad, ya que es un género más underground y con menos mercado. ¿Cuál es el balance dos/tres años más tarde?

Dimos el cambio en el verano de 2016. Estábamos reformando la Suara Store y aprovechamos para reformar también el sello. En aquel momento, éramos el sello número 1 de tech-house, pero yo me había cansado del género. Con los años, soy consciente de que hemos tenido pérdidas en el mercado, pero me siento más seguro como artista. Ahora, puedo llevar mi carrera por donde realmente quiero. Antes, sentía que era la escena o el público quien me llevaba a mí. Ahora, soy yo quien lleva a mis fans. Si me seguís, fantástico. Si no, hasta otra. Antes, tenía ese miedo. Antes, me daba miedo tocar algo que no gustara. Ahora, no. Ahora, me intento adaptar, pero con unos límites. Antes, no había límites. Y llegaba a hacer cosas que no me gustaban. Ahora, todo lo hago convencido.

 

 

Hablemos de Feline, un sello paralelo enfocado en el talento local y en el formato vinilo. ¿Hay diferencias entre Feline y Suara a nivel de estilo?

Feline nació para dar oportunidades a artistas locales que, aunque son ya conocidos, aún no tienen ese respaldo. Sin embargo, tras la quinta referencia, que era de ORBE, hemos decidido cerrar. Todo lo que hemos intentado para ayudar a la escena local no ha sido suficiente. El proyecto ha durado cuatro años. En el recuerdo quedan estas cinco referencias en vinilo, como homenaje también al formato con el que yo me formé.

 

Siempre has defendido el uso de vinilos y, de hecho, creo que te gusta utilizarlos de vez en cuando. ¿Pueden perderse facultades si se abandona su uso o es algo que se recuerda para toda la vida?

Lo uso de vez en cuando y sí, se pierden facultades. Hace unos meses, organicé una fiesta all night long en el Moog para celebrar mis 15 años como DJ. La mitad de la sesión fue a vinilos y, si la escuchas, hay mezclas muy forzadas, que cuestan de digerir. Yo ni siquiera uso CDJs normalmente. Pincho con Traktor y laptop.

 

 

Una de las fechas más polémicas en tu carrera fue aquel set en el Ultra Music de Miami del año pasado, en el que apareciste con un mixer, un X1 y el laptop con Traktor. ¿Entendiste las críticas?

Como te decía, yo siempre pincho con ordenador, X1 y mixer. Desde hace algún tiempo, he incorporado la RMX para aplicar efectos. Mi set-up es muy sencillo y simple. Es el set-up con el que más puedo aportar como DJ a una fiesta. Por no llevar mucha maquinaria, no significa que no puedas dar lo mejor de ti mismo. Mi set-up es minimalista, pero puedo ofrecer mucho. Hay gente muy pesada con el tema de pinchar sin CDJs. Hoy en día, pinchar con CDJs es muy sencillo. Que sean pesados exigiendo vinilos, aún lo entiendo. Pero que, en 2019, aún haya gente que se cuestione que un DJ pinche con CDJ o con Traktor es increíble. Cada uno tiene libertad para crear lo que considere oportuno. Lo importante es lo que suena a través de las máquinas y no las máquinas en sí.

 

¿Puede ser que todo lo que haga un DJ sobre un escenario esté, hoy en día, demasiado expuesto y sobreanalizado? ¿Puede eso hacer que el artista se autoexija más?

En absoluto ayuda a autoexigirse. La autoexigencia se la pone uno mismo según donde actúe. Hay que saber tomarse bien esto de las redes sociales. A mí, no me suma mucho, pero es por mi personalidad. No tengo soltura ante las cámaras y eso me cuesta. Lo hago, pero por obligación y porque me gusta interactuar con el público. Hoy en día, te valoran más por lo que posteas que por tu música o tu talento como DJ. O entras dentro de la maquinaria del posteo en redes, o parece que no estés dentro de la escena. Si no posteas tus fechas, parece que no tengas fechas. A mí me cansa postear por necesidad. O lo haces, o estás jodido. Vale más eso que tu última producción.

 

En su día, Suara tuvo su propia fiesta en Ibiza. ¿Estado actual?

Es difícil que volvamos. Aquello fue en 2014, 2015 y 2017, con una fiesta semanal en Ibiza. Es difícil volver porque Ibiza ha cambiado mucho y va a seguir cambiando – y parece que para peor. Una marca pequeña como la nuestra ya no tiene espacio allí. Ahora se llevan las grandes marcas, los grandes DJs, los Top-50. O eres top-50, o no vendes y los promotores en Ibiza quieren vender tickets más que en otro lugar en el mundo porque la competencia allí es la más feroz del mundo. En Ibiza hay mucha presión negativa como artista, además. Se trabaja mal y no te lo ponen nada fácil. La gente con la que deberías trabajar codo con codo por el bien de la fiesta son los mismos que acaban imposibilitando que la fiesta vaya bien. Nuestras experiencias no son las más positivas allí, aunque aprendimos muchísimo. Ibiza es como hacer la mili. Vas hecho un niño y vuelves hecho un hombre. Es una jungla, sálvese quien pueda. A base de golpes, aprendes muchísimo.

 

 

Productor, selector, DJ y dueño de un sello discográfico, una tienda de ropa y una fundación de acogida de gatos. ¿Tus días tienen más de 24 horas o hay secreto?

El secreto es echarle horas. Poco descanso, intentar aprovechar bien todas las horas y saber delegar a la gente que me rodea – eso he ido aprendiéndolo con el paso de los años, no siempre hay que estar en todas las tomas de decisión. Obviamente, no meto en el estudio todas las horas que me gustaría, pero es un hándicap con el que vivo.

 

¿Qué te identifica con los gatos? ¿Por qué ellos y no otros?

Conocí a mi novia hace 15 años. Ella me introdujo en el mundo de los gatos y me enseñó como interactuar con ellos. Me enamoré. Es el tipo de animal que más se asemeja a mi personalidad. Me siento muy cercano a su forma de pensar o actuar. Me encantan los perros también, pero veo pocas diferencias entre los perros. En cambio, veo muchas entre los gatos. Si tú le das una patada a un gato, se acordará toda la vida, al igual que una persona. Podrá perdonarte, pero nunca olvidarlo. Esa complejidad es lo que más me atrae de ellos. Son seres maravillosos.

 

La acogida de la Suara Foundation en la industria fue súper positiva desde el primer día.

¡Sí! Es normal… ¿A quién no le gustan los gatos? La gente ve todo lo que hacemos por ellos y nos apoyan. Nombramos a los gatos con nombres de DJs y eso ha hecho también que muchos artistas se hayan involucrado. Amelie Lens, The Black Madonna o Patrice Bäumel son algunos de los que nos han ayudado para curar a sus gatos tocayos, por ejemplo. Muchos otros DJs han pasado por la Cat House a vernos. Es muy bonito.

 

 

En tu rider siempre pides una ayuda para los gatos…

No lo exijo, pero sí, en mi rider siempre pido que se incluyan 10kg de pienso para gatos. Así, ese promotor puede ir al día siguiente a la asociación más cercana para entregar la comida. Es un detalle, pero lo hago para que la gente coja consciencia y vea que los DJs tenemos ciertas demandas, pero que también pueden utilizarse para buenos fines.

 

Lo que quizá muchos no saben es que los gatos andan sueltos por la Cat House y cualquiera puede venir a conocerlos. ¿Hay algún veterinario o experto en conducta animal que avale todo esto?

Tenemos tres gatos residentes: Maceo, Dixon y Bagheera. Viven aquí desde el primer día y no se van a dar en adopción. Ellos ayudan a que los nuevos se integren cuando dan el paso de la calle a la Cat House. Mi novia es veterinaria felina, al igual que Mariana, la encargada. Si Suara Foundation es lo que es, es gracias a ellas.

 

 

Por último, como animalista que eres, te quería preguntar: ¿qué opinas sobre la entrada a caballo de Cecilio G en este último Sónar?

Yo no lo sabía y me enteré por mi novia. Yo, como vegano y animalista que soy, estoy en contra del uso de los animales ya sea para comida, ocio o cualquier tipo de acto que no conlleve un hábitat natural del animal. No puedo estar a favor de lo que hizo este artista.

 

¿A quién ves más culpable? Sónar aún no se ha pronunciado al respecto…

En cuanto a Sónar, yo entiendo que algo así pueda vender, como vendió en su día que David Guetta entrara a Pacha a caballo. Sónar no lo necesita, pero estamos aún con mucho camino por recorrer en el campo de la sensibilización respecto a los animales. Cada vez, habrá más respeto por los animales. Se necesita más tiempo. Yo empecé a ser vegano hace año y medio, así que tampoco puedo permitirme evangelizar a todo el mundo. El artista que canta bien o que actúa bien no necesita caballos.

 

 

PRÓXIMAS FECHAS DE COYU

(Imagen de Portada: © Phlame)

 

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Entrevista con Trikk: “Cada paso que doy me cambia la vida, sin importar lo grande o pequeño que sea”

Trikk es uno de los mayores embajadores del sonido electrónico portugués. Bruno Deodato nació en Oporto, donde se dejó influenciar por la música local… y por ciertos sonidos africanos que le cayeron cerca. No tardó en mudarse a Londres, atraído por la escena clubbing y de DJs de la capital británica. Allí forjó sus credenciales. Allí logró crear música que encontraría su hueco en sellos como Lossless, ManMakeMusic y, sobre todo, Innervisions. Con el reconocimiento y apoyo de Dixon y Âme, Trikk se ha convertido en un gran recurso para los mejores selectores de electrónica intimista del momento. Tras haber vivido y exprimido también los encantos de la escena berlinesa, Trikk vuelve ahora a Oporto, concretamente a Pérola Negra, para reencontrarse con muchos de sus amigos de siempre.

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Imagen: © Phlame

Una vez dijiste que no sabes hacer nada más a parte de crear música. Venga, va, seguro que hay algo que sí se te da bien…

¿Dormir?

Hablando de producir, también dijiste una vez que el límite no existe a la hora de acabar un tema, que simplemente sientes que está acabado. Un día, un músico y compositor dijo que las canciones nunca se acaban, sino que se abandonan. ¿Estás de acuerdo?

Estoy de acuerdo, sí. Conceptualmente, todo es siempre lo suficientemente bueno para salir. Pero, en la práctica, nunca está del todo preparado. Hablo personalmente, claro.

También dijiste que te gustaría gozar de necesidades básicas más baratas, para poder concentrarte más en la música y el arte. ¿Podrías contarnos un poco más?

Cuando empiezas tu carrera como músico, un alquiler barato y comida barata son ventajas a la hora de centrarte en tus objetivos. Si vives en una ciudad como Nueva York o Londres, la mayoría de tu tiempo irá destinado a trabajar para pagarte la comida o el alquiler, ya que es todo muy caro. Pero, al mismo tiempo, también quieres vivir en esas ciudades porque son hubs creativos. Es una situación win-lose. Cuando dije eso, pensaba en un “mundo ideal”, pero eso no existe, así que hay que apañarse con lo que tenemos.

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Imagen: © Innervisions

No colaboras con muchos artistas. ¿Con quién estás más dispuesto a colaborar y por qué?

Simplemente, no lo fuerzo. Me interesa más que suceda de manera natural. Podría ser con cualquiera – estaré más abierto a experimentar que a colaborar con alguien sólo porque sé que funcionará musicalmente.

“Juizo Final” de Nelson Cavaquinho es uno de los temas que escogerías escuchar antes de morir. Sin embargo, no es, ni de lejos, lo que acostumbras a pinchar. ¿Es ese estilo musical una de tus mayores influencias? ¿De dónde viene tu gusto por estos sonidos?

Amo la música que evoca tristeza y honestidad. Y eso es justo lo que “Juizo Final” significa para mí. No es mi mayor influencia, pero esa samba y bossa nova es algo con lo que conecté profundamente, tal vez por los coros que usa, las letras… no lo sé. Tiene una honestidad trágica, o un sentimiento de “saudade”, que de algún modo me recuerda a Fado, lo cual me toca la fibra, ya que mi abuelo escribía letras de fado y las cantaba en casas de Fado por todo Oporto.

¿Podría decirse que el EP “Florista” cambió tu carrera musical (por haber sido publicado en Innervisions) o fue simplemente un paso más en tu carrera?

Fue un paso más, pero es que cada paso que doy cambia mi vida, independientemente de lo grande o pequeño que sea.

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Muchos de nosotros empezamos a conocerte por “Proto Ryth”. ¿La consideras una de tus mejores obras? ¿Podría considerarse una de esas piezas que sí cambió más tu vida? ¿Cuál es el secreto detrás de ella o cómo nació su idea?

No estoy seguro de si es mi mejor trabajo. No me gusta pensar de esa manera. Mi mejor trabajo está aún por llegar cada vez que me pongo a crear música, aunque al final no llegue. Creo que esa tiene que ser la filosofía. No hay secreto alguno. Hice “Proto Ryth” mucho tiempo antes de que se publicara. Recuerdo que me gustaba el track, pero nadie quería publicarlo. Alguien me dirigió a Lossless y me dijo que eran buena gente publicando buena música, así que les contacté, quedé con ellos y publicamos el tema. Técnicamente hablando, es mi “kick” favorito de cuantos he creado hasta la fecha, y no puedo recuperar el proyecto, porque lo perdí.

Explicaste que Kristian Beyer (Âme dj) tiene mucha música inédita tuya. ¿La mayoría nunca será publicada?

Dixon también tiene mucha y, no, la mayoría nunca será publicada. La mayoría de la música tiene caducidad hoy en día, porque es una industria que cambia muy rápido, como también cambian muy rápido los gustos de la gente que escucha este tipo de música. Todo ello significa que mi música no encaja en el “ahora”. Por eso no la publico.

El otro líder de Innervisions, Dixon, es para ti “un mentor y un amigo”. ¿Qué vino primero?

Mentoría, primero y amistad, después.

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Imagen: © Phlame

El público europeo tal vez no sepa que vienes de Oporto, pero que, de algún modo, eres medio africano… Cuéntanos más sobre ello y sobre cómo afecta o influencia eso a tu música.

Mi padre es de Mozambique y voló a Portugal por una guerra civil que hubo ahí cuando era joven. Me influenció en un momento particular de mi vida, que fue cuando estaba trabajando en mi EP “Mundo Ritual” para Innervisions. Estoy seguro de que, subconscientemente, todavía me sigue influenciando cada vez que hago música.

Eres de Oporto, pero tienes una gran conexión con Londres y con Berlín.

Berlín es donde estoy viviendo ahora, lo que me provee estabilidad. Londres me dio el conocimiento necesario sobre la vida y sobre la música.

El próximo 25 de octubre, pinchas en Oporto, tu ciudad natal. Supongo que no será un bolo más para ti…

Aprendo algo en cada fecha, lo que hace que cada fecha sea especial a su manera. Me gusta estar de vuelta en Oporto, especialmente porque nací aquí. Aún estoy muy vinculado a la ciudad y su gente, aunque haya estado viviendo fuera los últimos ocho años.

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Pincharás junto a Rui Vargas. ¿Qué tal te llevas con él?

Sólo tengo buenas palabras para Rui. Él fue de los primeros en confiar en mí cuando empecé con esto de pinchar y me contrató varias veces para tocar en Lux Fragil y otros eventos. Tengo un máximo respeto por todo lo que ha conseguido culturalmente para la música electrónica en Portugal. No se puede hablar de cultura de club en Portugal sin mencionar a Rui.

¿Y qué nos cuentas del lugar, Pérola Negra? ¿Y del estado actual de la escena musical y clubbing en tu ciudad?

Estuve una vez en Pérola, pero fue para un shooting de fotos de un amigo. Nunca he estado desde que empezó a abrir de forma regular y como club, así que no puedo decir nada al respecto. Tengo muchas ganas de descubrirlo. Igual pasa con el clubbing – tengo mis lugares favoritos, a los que siempre voy, pero están más enfocados en encuentros sociales. En lo que al clubbing se refiere, ha pasado mucho tiempo desde que salí por última vez en Oporto, sinceramente. Oporto, para mí, fue siempre muy experimental, o al menos eso percibía con el grupo de amigos con el que salía siempre en aquel entonces. El techno era también muy popular, recuerdo. Pero cada escena cambia muy rápido hoy en día, ya sea a mejor o a peor.

¿Dónde has estado en los últimos días/semanas y qué has estado haciendo?

He estado pinchando en EE.UU. – Nueva York y Miami – y luego estuve unos días de visita y haciendo música.

¿Un consejo para artistas jóvenes sobre cómo mantener una vida sana y tranquila entre tantos bolos?

Sólo puedo hablar por lo que ha funcionado para mí. Cada uno tiene un estilo de vida diferente. Yo no bebo (normalmente), no fumo, ni tomo sustancias químicas. Esto me ayuda mucho a gestionar una agenda de touring tan apretada. Bebo mucho té y zumos (Reishi, Lions Mane, Chaga), que son setas naturales que ayudan a fortalecer biológicamente tu cuerpo cuando lo necesita. Por ejemplo, si has de pinchar más de ocho horas en situaciones extremas, sin haber dormido.

¿Algo que quieras decir a los que vayan a verte el próximo 25 de octubre?

Dejaos las expectativas en casa, respetad al resto de bailarines y disfrutad.

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(Imagen de Portada: © Phlame)

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Entrevista a GLIA: “La gente piensa que crear música contemporánea es apretar un botón y convertirse en productor”

Pensar en música electrónica eslovena y no visualizar a Umek o Valentino Kanzyani es complicado. Ellos son los dos grandes exponentes de la escena de este país centroeuropeo. Ellos fueron quienes sentaron las bases, quienes iniciaron un camino que, hoy en día, muchos jóvenes eslovenos siguen con el sueño de llegar a ser tan grandes como ellos. Uno de los mejores ejemplos es GLIA, alias de Maja Ceh. Hablamos de una joven productora, DJ e ingeniera de sonido nacida en Slovenska Bistrica, un pequeño pueblo con varios miles de habitantes y rodeado por montañas y viñedos. Con tan sólo 24 años, ya puede decir que ha actuado en algunos de los mejores clubs de Europa. El mejor ejemplo es el Griessmühle de Berlín, ciudad en la que, como tantos otros DJs de la escena, ha vivido recientemente. GLIA fue una de las primeras invitadas a nuestra serie de eventos Xceed Rooftop Series. Ahora, aprovechamos para conocerla un poco más a fondo.

Hola GLIA, es un placer tenerte de nuevo con nosotros. ¡Me pregunto de dónde viene ese aka!

¡Hola! ¡El placer es mío! Mira: hace ya años, estábamos en clase de biología, tratando algo relacionado con el cerebro. La profesora nos explicó que las células GLIA ayudan y protegen a las neuronas. Me gustó cómo sonaba aquello de “GLIA” y decidí llamar así a mi próxima mascota. Al final, la cosa desvarió y terminé poniéndome GLIA como nombre artístico.

Preséntate ante los lectores de Xceed Night Mag.

Creo que soy una persona creativa y expresiva. Siento que puedo expresarme de múltiples maneras. Y una de ellas, claro, es la música. Nunca quise limitarme a una sola cosa, así que siempre me ha costado definir qué incluye GLIA. En una frase, GLIA es una parte de mí enfocada en crear música electrónica contemporánea y en pinchar, en hacer de DJ. Como ingeniera y productora de sonido que soy, me topo siempre con el conflicto de cuánto debo incluir a GLIA en otras cosas relacionadas con el sonido y el audio que también hago, como grabar y masterizar a bandas o cantantes, dar clases, guiar a jóvenes o inmiscuirme en diseños de producto. Además, siempre pienso en ideas nuevas sobre cómo expandir el concepto GLIA en colaboración con otros artistas más enfocados en aspectos visuales o similares.

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Imagen: © GLIA

Naciste y vives en Eslovenia. Cuando pensamos en DJs del país, automáticamente nos vienen a la mente Umek y Valentino Kanzyani, dos que no son precisamente jóvenes… ¿Qué puedes decirnos sobre ellos?

Respeto muchísimo a artistas como Umek o Valentino Kanzyani, así como a muchos otros algo más jóvenes y no tan famosos. Lo que han creado es admirable. Gente como Umek me influenciaron mucho cuando era pequeña -aquí le llamamos “fotr”, que significa “el padre”. Recuerdo ver videoclips suyos en la TV, con canciones como “Posing As Me” o “Carbon Occasions” y, sí, revolucionó totalmente mi vida de adolescente. De hecho, la primera vez que fui de rave de verdad fue con Umek y Carl Cox en cabina. Era un evento solidario en Ljubljana y, en aquella época, esa música tuvo un gran impacto en mí. Los admiro, porque son los que influenciaron y, en cierto modo, crearon la escena en Eslovenia. Se las arreglaron para transformer su marca underground en algo mainstream. Hoy en día, incluso aquellos que no tienen relación con la música electrónica saben quién es Umek.

¿Qué tal está vuestra escena a nivel nacional? ¿Hay, como tú, más talentos jóvenes que podrían llegar pronto a hacer cosas grandes en Europa?

Cuando miro hacia nuestra escena, veo un montón de artistas con muchísimo potencial. Sin embargo, en mi humilde opinión, creo que el problema es el miedo a buscar colaboraciones. Colaborar suele ser difícil, debido a un mercado pequeño y saturado. “Todo el mundo conoce a todo el mundo”, así que tienes que “conocer a alguien” para poder empezar. Pero, de verdad, aprecio mucho nuestra escena local pese a eso. Somos un país pequeño, pero gozamos de una escena que tiene prácticamente de todo, desde pequeñas fiestas muy underground en lugares abandonados, hasta grandes nombres internacionales que vienen a actuar aquí. Este año, vivimos uno de los momentos más tristes para nuestra escena local con el cierre de una fábrica de bicis abandonada llamada Rog. Ese ha sido, de lejos, el mejor lugar en el que he pinchado jamás. El gobierno ordenó el cierre porque ellos no ven la importancia que esos lugares tienen para la escena cultural alternativa de nuestro país.

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Imagen: © Shooting Like Pablo

Eres DJ, pero también produces tu propia música. ¿GLIA es más una DJ o una productora?

Buena pregunta. Si me guío por mis conocimientos, GLIA es sin duda mucho más una productora. Pero, si me guío por lo que más he estado haciendo hasta ahora, soy más una DJ. También siento que el estado mental y creativo en el que me encuentro cuando produzco música es completamente opuesto al proceso creativo del DJing. Cuando produzco música, me sumerjo en mi propio mundo, me centro en mis sonidos, en crear mis texturas y ambientes. Cuando pincho, el público, el espacio y el tiempo son siempre factores claves, factores que desaparecen por completo en el estudio. Pinchar es como la cerecita del pastel. Ponerle música a la gente con la que comparto pistas de baile es un disfrute único.

Viviste en Berlín hace no mucho. ¿Por qué crees que todos los productores/DJs acabáis viviendo allí en algún momento de vuestra vida?

Berlín es la ciudad más creativa que he visitado en mi vida. No tiene límites. Puede ser extremadamente grotesca e incluso depresiva, pero creo que la mayoría del buen arte que desprende nace de ese tipo de sentimientos. Normalmente, cuando la gente está eufórica y feliz, no puede ofrecer todo el arte que tiene dentro. Berlín tiene una energía única debido a su historia y a la gran cantidad de culturas que allí conviven. Ofrece mucha inspiración para cualquier tipo de arte: grafitis, cine, moda, pintura contemporánea… y largas y duras fiestas techno. Cualquiera encontrará su lugar ideal en Berlín, cualquiera hallará su inspiración en cualquier fiesta. Cuando estás ahí, sientes que quieres formar parte de eso.

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Imagen: © Ipse Berlin

En tu caso concreto, ¿qué te ofreció Berlín distinto a lo que te ofrecía Eslovenia?

Primero, debo decir que yo me mudé a Berlín porque fui a terminar mis estudios. Lo que Berlín me dio (y aún me da cada vez que voy) es libertad total para expresarme. Berlín tiene una energía única. Me encanta cómo una puede perderse por sus calles durante días olvidándose de que el resto del mundo existe. Viviendo allí, desarrollé una personalidad mucho más marcada, lo que me llevó a experimentar más y mejor con mis ideas y a asumir mayores desafíos a todos los niveles. Berlín es una gran ciudad en la que suceden cosas cada día de la semana. Poder ir sola por la ciudad bailando la música que amo hizo que me enamorara de aquella sensación de disfrute en solitario. Fue cuando más me conocí a mí misma. Obtuve distintas perspectivas sobre la vida y la humanidad y gané nuevos valores con los que identificarme.

¿Podemos decir entonces que la GLIA que conocemos y bailamos hoy en día no sería posible sin las influencias de Berlín?

Eso es innegablemente cierto. Y creo que puede percibirse en mis sets. Lo que más gracia me hace es que aprendí muchísimo sobre producción musical y DJing simplemente yendo a los clubs, escuchando y bailando la música que ahí sonaba. Así que mi objetivo es llevar esos sentimientos de vuelta a la gente que viene a mis bolos. Y, si consigo hacerlo con mi propia música, todavía mejor. Lo que creo que más me dio Berlín es determinación, no sólo a nivel personal, sino también en lo que a géneros o estilo de mezclar se refiere.

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Imagen: © Anita Acman

¿Qué hay sobre tus métodos de producción en Eslovenia? ¿Son los mismos que usabas en Berlín o es más complicado montarse un buen estudio en tu país natal?

Si te soy sincera, volver a Eslovenia me dio más opciones para producir música, debido a que pude ahorrar más dinero para comprar mejor material y nuevos equipamientos de audio. Me monté un pequeño estudio con dos monitores Adam, mi sintetizador analógico Korg, dos otros teclados, algunos micrófonos y pedales de guitarra y, por último, algún equipamiento de DJ, lo que me da la opción de trabajar de forma totalmente independiente. Mis técnicas de producción han cambiado, porque he mejorado todo mi material. Ahora, tengo un enfoque 100% analógico.

Cuéntanos más sobre ese enfoque musical.

Podría hablar de esto durante días. Todo empieza creando sonidos crudos, sonidos originales. Estos son, o bien grabados (ya sea mediante grabaciones de campo o grabaciones vocales), o bien sintetizados con mi sinte analógico. Luego, son procesados vía distorsión analógica o reverb y de nuevo grabados en el ordenador.

Esto es, resumido en una frase, cómo empieza el proceso de creación. Intento ser todo lo estructurada posible: los drums suelen ser el comienzo de mis temas. Intento crear la mayoría de mis sonidos con mis propios aparatos, añadiendo distintos efectos de guitarra para alcanzar el sonido que busco en las percusiones. Luego, siempre hay una baseline, o un synth lead, o incluso una vocal, para conseguir una línea roja del tema. Siempre incluyo algunas vocales grabadas, aunque ello requiera manipularlas para que se conviertan en un elemento percutivo más del tema.

Algunas veces, estoy fuera, en la ciudad, o viajando, o simplemente en eventos sociales, con gente, y me pondría a grabar ‘en secreto’ sólo para usar luego esos sonidos en un tema. Por supuesto, lo haría de forma que no fuera reconocible, pero el objetivo es crear algo que impresione, como sonidos hipnóticos o efectos vocales, muy propios de la electrónica. Mi objetivo es crear tantos sonidos originales como me sea posible. Hace no mucho, estuve en una clase sobre todo esto en una de las escuelas de música de Ljubljana. Tienes que querer crear tu propio sonido. Incluso si ello requiere un descubrimiento mayor y un proceso más exigente. Creo que eso es súper importante.

Llegados a este punto, creo que he automatizado el workflow en el uso de aparatos analógicos. No me gustan nada -de hecho, estoy en contra de aquellos que se limitan a utilizar samples ya existentes o, peor aún, loops en la mayoría de sus temas. Siento que eso no es producir música, sino más bien hacer un remix. Descargar algo ilegalmente en internet y tirarlo en tu DAW sin ningún tipo de organización lógica ni consistencia no es algo a lo que yo llamaría producción musical. Eso no es arte. Es por cosas así que la gente cree que crear música electrónica contemporánea es apretar un botón y boom: felicidades, ya eres productor/a.

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Imagen: © GLIA

Tú no solo creas tus propios sonidos, sino que también construiste nuevos aparatos en el último año.

¡¡Sí!! He estado muy metida en todo lo que es diseño de producto en los últimos dos años. Me aficioné mucho en Berlín. Trabajé con varios prototipos y pedí ayudas a mentores de Microsoft y similares. Y, hasta ahora, nunca me había encontrado tan dentro de un proceso de creación e ingeniería como lo estoy este año. Participé en un taller de construcción de sintetizadores analógicos y logré fabricar un sinte modular con dos osciladores muy básicos y un amplificador. Lo fabriqué dentro de una vieja caja de vino, lo pinté y le añadí botones de plástico para que pareciera menos rígido. Mi plan es añadirle un filtro y un secuenciador para que el sonido tenga más forma y sea más manipulable. ¡Es pequeñito, pero este cacharro es ya bastante bestia ahora mismo!

¿Cómo es la música que produces? ¿Y la que pinchas?

La verdad es que no soy muy coherente a la hora de conectar ambas. Es algo que me da mucha pena, porque, en la mayoría de los casos, mi propia música no encaja en mis sets. ¡Espero conseguir que encaje algún día! Muchas veces, la música que creo suena súper happy y melódica en comparación a lo que pincharía en un club. Creo que eso es, simplemente, consecuencia de mis emociones: cuando hago música, normalmente, estoy contenta, feliz. Cuando la pincho, pretendo que se caigan las paredes, crear una sensación de sótano a punto de reventar.

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Has pinchado, de hecho, en varias ciudades de Europa. ¿Cuáles son, hasta ahora, tus mejores experiencias?

Me lo he pasado increíble en prácticamente todos los sitios a los que he ido a pinchar. Empecé a pinchar en el extranjero hace varios años, cuando me hicieron residente de un festival en uno de los destinos más populares para el clubbing en Croacia: Zrće. Luego llegó Valenica y más tarde, Berlín. Allí, he tenido el enorme privilegio de actuar en Griessmühle este mismo año junto a grandes nombres como Insolate, Coyu, Marko Nastić, Clara Cuvé, David Morales, Reinier Zonneveld, Fernanda Martins o Metodi Hristov. Este verano, también he estado muy ocupada con festivales: pinché en el mainstage del mayor festival de electrónica de Eslovenia (StellarBeat). Creo que es el día que he tenido más público en mi vida. También fue increíble pinchar en Dubrovnik (Croacia) durante una noche del sello Deepnd Records en el casco antiguo (donde se rodó Juego de Tronos). No paran de salir fechas y aprecio mucho tener a gente que me apoya siempre allí donde voy.

¿Cuáles son las expectativas de GLIA de ahora en adelante? ¿Algún plan en tu agenda?

Tengo aún algunos bolos en el horizonte. Sin embargo, cada vez siento más que me acerco a una fase centrada en crear música. También me estoy aficionando al vinilo. He estado coleccionando algunos en los últimos años y creo que me apetece empezar a nadar en estas aguas. En lo que a los meses más inminentes se refiere, voy a publicar nuevos EPs en otoño e invierno. Y lo más importante, voy a mudarme (otra vez), lo que supondrá seguramente el cambio más drástico.

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Imagen: © Janez Klenovsek

¿Cuál es tu mayor sueño como DJ/productora?

Siempre cuesta hablar sobre estas cosas. Quiero ser humilde y modesta. Ya sabes… compartir estos “grandes sueños” en voz alta da un poco de miedo. Por supuesto, tengo mis metas en cuanto a dónde quiero actuar o con qué sellos discográficos quiero firmar. En términos generales, estoy llegando a un punto en el que lo único que deseo, en el fondo, es calidad y, luego, poder compartirlo con aquella gente que ha estado disfrutando mi música y mis shows. Quiero crear música que evoque sentimientos en el oyente, ya sean estos de alegría o de enfado. Y también quiero combinar la música con distintos tipos de arte y colaborar con otros artistas con los que comparto una serie de valores. Pienso, por ejemplo, en crear unas visuales bien chulas, portadas de disco interesantes, cortometrajes… cosas así.

Umek, Valentino Kanzyani y poco más en materia de nombres famosos. ¿Eres una de las mayores esperanzas para la escena electrónica de tu país?

Si me comparo con Umek o Valentino Kanzyani, veo que tengo aún un largo camino por recorrer. Sólo con pensar en la cantidad de años que ambos han invertido en sus carreras y el conocimiento que tienen ahora mismo… sencillamente, no me atrevo a compararme con ellos. Y, sinceramente, tampoco me gusta mucho compararme con otros artistas. Creo que cada uno tiene su propio estilo y nuestra escena local está llena de buenos artistas, muchos de ellos mejores que yo. Lo que es crucial es crear tu propio sonido y tu propia escena. Ese es el ingrediente clave -y muchos ya lo han conseguido.

(Imagen de Portada: © Janez Klenovsek)

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Entrevista a Francisco Allendes: “En ANTS no hay jerarquías de por sí y eso hace que nos presten mucha más atención a todos”

Cuando uno piensa en música electrónica y en un país como Chile, piensa, sobre todo, en gente como Luciano o Ricardo Villalobos. Ellos son, en efecto, los máximos embajadores de la cultura electrónica del país andino. Sin embargo, tras ellos, fue llegando a Europa una segunda generación de artistas chilenos. Una generación que se distingue de la otra por haberse criado en su país natal. Son exportadores. Son artistas que nos permiten acercarnos a las tendencias underground de uno de los países más fructíferos de América del Sur. Lidera esa segunda generación Francisco Allendes, habitual residente de la fiesta ibicenca ANTS (tiene lugar cada sábado en Ushuaïa Ibiza Beach Hotel) y uno de los máximos exponentes del sonido tech-house a nivel mundial.

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“Me prometí que, si a los 30 no había alcanzado cierto nivel económico con la música, me dedicaría a otra cosa. A los 29, me ofrecieron ser residente de Ushuaïa y decidí apostar por la música.” Francisco, si traducimos estas frases tuyas de hace un tiempo… no abandonaste la música por escasos meses.

Así es. Yo ya estaba casi buscando un trabajo alternativo, aunque venía de firmar dos discos en Cadenza (uno de ellos, muy potente) y uno en Kling Klong y tenía la sensación de que cosas importantes podían estar a punto de pasar. Ese Cadenza hizo que Ushuaïa picara a mi puerta y mi vida cambiara. Si no, ahora estaría probablemente trabajando ocho horas al día en una oficina.

Para que quede claro, ese disco tan importante fue Llovizna.

Sí. Yo había producido mis mejores temas en marzo y abril de 2009. Medio año después, viajé a Ibiza para los cierres de temporada con un amigo que conocía a los dueños de Ushuaïa. Así que fuimos para allí, al antiguo chiringuito, en la playa. Luciano, Marco Carola y Richie Hawtin estaban pinchando ante 11.000 personas. Y Luciano puso “Llovizna”, desatando la locura entre el público. Un tipo me preguntó de quién era el tema. Cuando le dije que era mío, se me presentó: “Pues enhorabuena. Lleva petándolo todo el verano. Encantado de conocerte. Soy uno de los dueños del local.” Unos meses después, me ofrecieron la residencia.

Produjiste el tema junto a Felipe Venegas. ¿Cómo sucedió?

Felipe y yo llevábamos ya un tiempo produciendo por separado en Santiago de Chile. Felipe siempre ha sido mucho más melódico que yo. Un día, me mostró un loop de un arpegio que utilizaba siempre en sus lives. Yo llevaba tiempo investigando texturas, voces e instrumentos que se pudieran samplear y di con esta vocal de una cantante boliviana. Esa voz casaba perfectamente con el arpegio de Felipe. Empezamos a jugar con eso y Felipe acabó uniéndolo en directo en un live que hizo en un afterparty en Chile. Luciano estaba de vacaciones visitando a su familia y estaba en ese after. Se interesó por el tema y pidió publicarlo en Cadenza. Yo no podía creérmelo cuando Felipe me lo contó al día siguiente. Pulimos el tema, lo firmamos juntos y lo publicamos.

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Hace 10 años de eso…

Sí. De hecho, en octubre vamos a publicar un disco de homenaje por el X aniversario de “Llovizna”. Incluirá un remix de Luciano, algunos más aún por anunciar y un edit conjunto mío y de Felipe. Ya está todo terminado. Sólo falta arrancar con las promociones hasta que llegue la fecha de lanzamiento.

Algunos de esos edits ya están sonando en los mejores clubs del mundo…

¡Eso he visto! El otro día, por ejemplo, Luciano pinchó su mix en Amnesia y Kölsch lo utilizó también en elrow – así que sí, ya está consiguiendo un gran apoyo.

Miramos a tu pasado y nos topamos con una formación de conservatorio en Chile durante casi 10 años. Sin embargo, hay muchos DJs y productores que llegan a lo más alto sin tener esa formación. ¿Qué aportan esos conocimientos? ¿Marcan realmente diferencias?

A la hora de sentarse a producir, te ahorra tiempo y te acorta distancia. Si yo quiero lograr una melodía, sé cómo crearla. En cambio, tengo amigos que son grandes productores, pero que van disparando teclas hasta que dan con la adecuada. Es como jugar al billar. Puedes tener una gran formación y conocer los cruces de vectores o puedes ganar un Mundial sin tener ni idea de física. Con la música pasa igual. El oído manda y puedes desarrollarlo sin tener la educación adecuada. Ahora bien, con educación musical, siempre es más fácil y eres más consciente de los procesos y de por qué algo funciona o no funciona. De todos modos, también debo decir que hacer electrónica tras haberme formado 10 años en un conservatorio es utilizar apenas un 10% (o menos) de todo lo que sé. Es como matar moscas con un cañón.

¿Te planteas entonces ir un paso más allá a nivel de producción en un futuro?

Cuando he tenido la oportunidad de hacer integraciones, lo he hecho. En Chile, he trabajado con televisión, orquestas, bandas e incluso he tocado el violín en directo mientras pinchaba. Pero no, ahora mismo no es un propósito. Dejo que las cosas surjan. En mi etapa actual es complicado. Entrar en proyectos tan complejos quita mucho tiempo, ya que dependes de mucha gente.

Lo del violín pinta bien…

Sí, es la idea que más me ronda la cabeza, pero el sonido que obtengo de ello no termina de cuajar con lo que busco. Es demasiado cheesy y está muy quemado, al igual que el saxo. Hasta que no vea que puedo hacer algo realmente novedoso, no voy a mover ficha.

Si seguimos mirando a tu pasado y a tus inicios en tierras chilenas, encontramos también un sello llamado Andes Music.

Fue una aventura que emprendí con Marcelo Rosselot. Queríamos empezar a pinchar en fiestas y en clubs y sabíamos que, teniendo nuestro propio sello, se nos abrirían más puertas. Y así fue. Creamos Andes Music y nos llamaron para pinchar en Argentina, Perú, Brasil, Ecuador, Uruguay e incluso EE.UU. En aquella época, todavía se vendían muchos discos en vinilo y nos convertimos en el único sello chileno que los distribuía a nivel mundial (ahora habrá unos 10, más o menos).

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Francisco Allendes y Marcelo Rosselot, juntos en cabina en Chile años atrás. | Imagen: © YoFui

Andes Music sigue activo hoy en día…

Sí. Marcelo y yo nos separamos y el sello quedó en sus manos y en las de otro socio. Siguen sacando algunos discos, pero yo me desligué. Había que invertir demasiado.

¿Cómo estaba la escena chilena en aquel momento?

Ha habido distintas generaciones o camadas en la electrónica nacional chilena. Cuando Pinochet subió al poder, muchos chilenos se exiliaron a Europa, así que empezamos a ver cómo crecían grandes artistas nacidos en Chile, pero criados en Europa. Luciano y Ricardo Villalobos son claros ejemplos. Gracias a ellos, Europa puso el foco en Chile, miró hacia nosotros y fue posible que una segunda generación, nacidos y criados en el país, pudiéramos soñar con volar a Europa algún día. Piensa en la historia de “Llovizna”. No llega a ser porque Luciano estaba de vacaciones en Chile visitando a su familia y todo esto no habría sucedido.

Podemos decir que el talento ha estado siempre presente en Chile, pero, ¿qué hay de los eventos?

Entre 2007 y 2011, había, como dices, mucho nivel en términos de producción musical, pero no había grandes eventos. Era imposible dedicarse a la música. No había escena. Por eso, todos nos poníamos como meta viajar a Europa. Ahora, en cambio, cuando vuelvo a Chile, me encuentro con mega eventos de 5.000 o 6.000 personas cada semana. Tenemos nuestra propia edición de DGTL, Lollapalooza, Magic Garden, Creamfields, Dreambeach, tres fiestas de elrow cada año…

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Francisco Allendes, durante uno de sus sets más multitudinarios de este 2019. | Imagen: © Natalia Cruz

¿Distribuidos por el país o concentrados en la capital?

Está todo muy concentrado en Santiago. Últimamente, sí hemos visto algunos ligeros focos fuera de la capital, pero, en Chile, absolutamente todo se concentra en la capital.

Imagino que ahora te apetecerá volver a Chile más que antes…

Antes, cuando visitaba el país, tenía uno o dos bolos como mucho. Ahora, cada vez que voy, hago, como mínimo, ocho o nueve. Y descubro siempre a nuevos talentos nacionales. Se viene una tercera generación de artistas muy interesante, con gente como Pablo Inzunza (con quien publiqué un EP en Desolat), Cris Ocaña o Nico Ferrada (que ha publicado ya con De la Swing en ElRow Music).

¿Los clubs están a la altura?

Allí hay tres o cuatro clubs que tienen sonido Funktion One en cabina y en sala. Antes, esto era impensable. Ah, y tenemos La Feria, un club de Santiago que lleva años afianzado entre los mejores 100 clubs del mundo.

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Francisco Allendes, haciendo sonar su música por todo el mundo. | Imagen: © Natalia Cruz

No puedo dejar de lado el repaso a tus inicios sin hablar de tus primeros bolos… ¡Pinchabas pachanga!

(risas) ¡Pero era pachanga más intelectual! El reggaetón no existía. Aquello era pachanga ultra bailable. Funk, disco, música alternativa… Pero para nada electrónica. Había pop, hip hop, cumbia…

¿Qué temas recuerdas usar más frecuentemente?

Recuerdo el “Watermelon Man”, a Mongo Santamaría, a Kurtis Blow… Pero también tiraba cosas de Cassius, Dimitri From Paris, Modjo, Daft Punk, incluso de Paulina Rubio con alguna base techno. ¡Iba mezclando de todo!

¿Tienes grabado algo de eso?

Qué va. Es una pena.

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Francisco Allendes, durante su multitudinaria sesión en el festival español Dreambeach Villaricos 2019. | Imagen: © Natalia Cruz

Dejémoslo claro: esos géneros no son tus favoritos. En realidad, lo tuyo es el rock y el jazz.

Correcto. Yo empecé con música más clásica, pero los amigos me enseñaron música más rompedora y empecé entonces con el jazz. Frank Zappa fue un referente. Luego me pasé al jazz más vanguardista. Me crie en esos terrenos, aunque hablamos siempre de música no bailable. Cuando empecé a salir a discotecas, empezó a interesarme también la música de baile más refinada.

Y, un día, Francisco Allendes llega a su casa y dice “me voy a Europa”. ¿Cómo recuerdas ese día?

Mis padres ya veían desde hacía años que me interesaba mucho la música. Yo empecé con esto cuando entré en la universidad, mientras estudiaba Economía. Fue al terminar mi carrera, cuando decidí tomarme un descanso e intentar esto de ser DJ. Si fallaba, ya tenía mis estudios aprobados y podría empezar a trabajar. Así que mis padres, en cierto modo, vieron que hacía las cosas con responsabilidad. No les gustaba la idea, pero apostaron por mí y me apoyaron. Piensa, también, que, durante los primeros años, yo iba y venía cada tres meses con visado de turista. No es que de un día para otro decidiera irme a Europa sin billete de vuelta.

Aun así, tres meses en Europa es algo que asusta para un padre o una madre.

Sí, pero yo nunca he sido un gran fiestero o raver, sino simplemente un apasionado musical. Por eso, mis padres estaban tranquilos. Ellos sabían que yo no me iba a Europa a salir de fiesta o entregarme a las drogas. Nunca tuvieron ese miedo. Cuando salió lo de Ushuaïa, ganando dinero y actuando tres veces por semana al lado de los mejores DJs del mundo, ninguno tuvimos dudas. Esa era la oportunidad que había ido a buscar y la tenía en frente de mí. Cogí mi nómina y me vine definitivamente a Europa.

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Francisco Allendes, actuando para la fiesta Umamii. | Imagen: © Umamii

¿Qué fue lo que más te sorprendió o impresionó de Europa en tus primeros viajes?

Vi un nivel de profesionalidad en la industria que yo jamás había imaginado. Y vi que las puertas que buscaba estaban ahí, al alcance de mi mano. Simplemente, había que abrirlas. Fue entonces cuando me di cuenta de que yo no tenía a mi alrededor la estructura necesaria. No tenía agencia, no tenía management, no tenía estudio de producción… Fueron años duros, sobre todo los primeros cuatro, que me los pasé casi siempre encerrado en el estudio de un compañero.

Eso fue en Zaragoza, algo que quizás muchos no sepan.

Cuando terminé mi primer disco (fue en Chile en 2004 y, por cierto, era horrible), organizamos una fiesta de lanzamiento y el promotor del evento era un amigo DJ que era de Zaragoza. Vio mi directo y me invitó a visitar su estudio en España, ya que él no controlaba mucho de producción. Terminé mi tesis doctoral y al día siguiente ya estaba volando. Él pinchaba los viernes en Zaragoza y los sábados en Family Club, en Madrid. Yo le acompañaba siempre y eso me permitió ver por primera vez a ídolos como Jeff Mills, DJ Rush, Derrick May, Cristian Varela u Oscar Mulero.

Tras esos primeros años, terminaste en Ibiza, tu actual hogar. ¿Te ves ahí para siempre?

Yo creo que sí. He formado una familia en la isla (mi hijo es ibicenco), hemos comprado un piso en primera línea de mar en Playa d’en Bossa y somos muy felices allí.

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Playa d’en Bossa es, sin duda, una de las playas más famosas de toda Ibiza. | Imagen: © Boat Party Ibiza

“Ibiza ya no es lo que era.” Siempre dices que llevas escuchando esta frase desde 2010. ¿De verdad no has notado un empeoramiento en las condiciones que se encuentran los clubbers al aterrizar en la isla?

Los precios y todo el sector turístico han cambiado, pero para todo el mundo, no sólo para los clubbers. Se dice que Ibiza es la isla de la electrónica, pero los clubes están concentrados en dos o tres calles e Ibiza es mucho más que eso. Es campo, familia, playa, espiritualidad… Hay un movimiento musical, sí, pero siempre ha sido cambiante. Hace 30 años, había otro movimiento cuando entró la electrónica. Quizás los rockeros de la época también se quejaron, pero es que las escenas van siempre cambiando en todo el mundo.

Parece que lo que antes eran reclamos para ir a Ibiza, ahora ya no son factores decisivos: los line-ups, los horarios de los clubs…

Y también los sonidos. Ibiza ofrecía sonidos nuevos y diferentes, pero ahora está todo extendido por el mundo. Es más difícil descubrir nuevos sonidos. Si alguien triunfa en Ibiza, triunfará por todo el mundo. Así que la exclusividad musical ya no existe realmente, aunque no es algo de lo que lamentarse. Las escenas cambian y la isla lo refleja. No hay más.

Eso me hace pensar en el reggaetón.

Por ejemplo, sí. Muchos critican su llegada a la isla, pero es que Ibiza no es sólo la “isla de la electrónica”, sino también la “isla del ocio, el entretenimiento y el turismo”. Y los clubs, no lo olvidemos, son también empresas y buscan generar ingresos. La época dorada de la electrónica era dorada porque la electrónica vendía cantidades locas de entradas. Hoy en día, ya no vende así. Pero está pasando en todo el mundo. Los puristas de la electrónica siempre han sido un nicho. En las épocas doradas, había mucha gente que iba a esos eventos, pero algunos de ellos iban sólo porque estaba de moda.

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Francisco Allendes actuando en la residencia ANTS en Ushuaïa Ibiza Beach Hotel. | Imagen: © Natalia Cruz

Hasta ahora, hemos hablado siempre de que Ushuaïa te cambió la vida, pero, ¿qué hay de ANTS? Fue con ANTS que tu nombre empezó a hacerse grande, ¿no es así?

Realmente, sí. Antes de ANTS, hubo hechos que me ayudaron a ir dando pasos (venir a Europa, firmar con Desolat…). Pero fue realmente ANTS quien se la jugó y apostó por mí, llevándome por todo el mundo. Empecé con ellos en 2013, hasta que me ofrecieron la residencia en 2015. La gracia de ANTS es que es un concepto diferente a los demás, porque no gira alrededor de un único headliner. Es una marca que gira en torno al hecho de formar una colonia. Es una experiencia diferente. La gente que va a ANTS se entrega a una música de cierto nivel, independientemente del cartel. Cuando, como DJ, te toca ir antes o después de un headliner en algunas fiestas, sabes que no te prestarán la atención que desearías. En cambio, en ANTS, a todos se nos trata por igual. No hay jerarquías de por sí y eso hace que nos presten mucha más atención a todos. Actuar en ANTS es una pasada.

El significado de la fiesta es también bonito… y peculiar.

Sí. Es una fiesta para los trabajadores de Ibiza. Si tienes contrato laboral en la isla, entras gratis. Está pensado para trabajadores. Y las hormigas son quizás el ser más trabajador que hay en la Tierra. Las hormigas duermen en invierno y trabajan en verano. Con Ibiza pasa lo mismo. ANTS es música underground y las hormigas viven bajo tierra. Las hormigas son negras y la gente de la escena underground suele vestir de negro. Hay muchas similitudes.

Gracias a ANTS has terminado conociendo a gente fundamental en tu vida, como Paola Poletto.

Sí, fue con ellos que empecé a girar por todo el mundo pinchando b2b con Paola Poletto. Ahora mismo, estoy casado con ella y es la madre de mi hijo.

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Francisco Allendes y Paola Poletto, actuando b2b en la fiesta ANTS, en Ushuaïa. | Imagen: © ANTS

Mientras a algunos les gusta la lectura, el tenis o, si me apuras, el baloncesto o el fútbol, a Allendes le gusta el cross-fit. No es algo muy común entre los DJs, ¿verdad?

No es muy común, pero empiezan a aparecer algunos. HERR va al mismo box que yo en Barcelona, por ejemplo. Carl Kennedy, artista de Nueva York, también es un gran aficionado. Yo llevo solo un año. Y también tengo otras aficiones, como leer y, por supuesto, dormir.

¿Por qué el cross-fit?

Tengo 38 años y sentí que necesitaba algo para estar más fresco, sobre todo a la hora de viajar. Es un deporte entretenido, fuerte y dinámico y genera una comunidad muy diferente a la que suelo tener a mi alrededor. Con él, consigo escapar de ciertos círculos y conocer gente de otros ámbitos. Y tengo un gym a 300 metros de casa. Eso ayuda, claro.

Y cuando viajas, ¿qué?

Intento mantenerlo. Yo hago cinco sesiones de una hora por semana. Si estoy en Ibiza de lunes a viernes, entreno esos cinco días y me olvido. Si viajo entre semana, me las arreglo para buscar un lugar donde entrenar. En Chile tengo otro box y en Barcelona, también. Al final, uno siempre encuentra excusas para no hacerlo. Hay que obligarse y no permitirse ni una excepción. A la que falles un día, estás perdido.

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Por último, queríamos preguntarte qué significa para ti la frase “I need a DJ”.

(risas) Cuando llegué a Ibiza, vivía en un apartamento con distintos tipos originarios de la isla. Uno de ellos era un buen fiestero. Un viernes o sábado por la mañana, me despertó diciéndome “I need a DJ”. Supuestamente, estaba el salón lleno de gente esperando para que pusiera música. Cometí el error de creérmelo y levantarme. Ahí estaba yo, pinchando para tres personas que querían seguir la fiesta. Desde ese día, los odio… (risas)

PRÓXIMAS FIESTAS FRANCISCO ALLENDES

(Imagen de Portada: © Phlame)

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