Entrevista a Rudosa: “Un simple vídeo de un DJ top pinchando un tema tuyo puede llevarte a actuar en nuevos territorios”

Rudosa es uno de los productores de música techno más prolíficos del Reino Unido. En la última década, ha publicado música para varios de los grandes sellos, entre los que destacan Second State, Suara e Intec, entre otros. Sus temas cuentan, casi como tónica y desde hace ya años, con el visto bueno de voces con autoridad, como las de Adam Beyer, Carl Cox, Richie Hawtin o Amelie Lens. En este inicio de nueva década, Rudosa ha publicado un remix del “Entropy” de Joyhauser en Phobiq Recordings, además del segundo lanzamiento en su propio sello Moments in Time. Precisamente, hablamos con Rudosa de ese lanzamiento, “Dominance”, de su trayectoria hasta la fecha y de lo que le espera por delante.

 

Mark Bradbury es…

Un tipo de 30 años que vive en Manchester.

 

Y Rudosa es…

Un artista de música techno que produce música y pincha por todo el mundo.

 

Y que también tiene su propio sello Moments in Time.

Sí. Moments In Time es un sello de techno underground que lancé para mí mismo, para lanzar mi propia música y la de mis amigos y compañeros de la industria, cuya música suena siempre en mis sesiones.  Es bueno tener una plataforma para construir algo de forma creativa y desde cero.

 

 

Acabas de publicar «Dominance» en el sello. Las frecuencias ácidas juegan un papel clave en el tema, a pesar de que no es un recurso muy común en tu música.

Mis gustos musicales varían, yendo desde el techno con más groove hasta temas de ‘peak-time’ [algo así como temas para el momento más álgido de la noche]. Con «Dominance», buscaba un peak-time que los DJs fueran a apoyar en los grandes eventos durante el invierno. Cuando creé la línea de acid, ya tenía el fragmento vocal grabado y una idea en mente, así que sólo tuve que combinarlo todo de tal manera que se convirtiera en uno de esos temas que te lleva solo.

 

Cuéntanos acerca de Make Me A DJ.

Hace más de una década, estaba buscando un modo de financiar mi intento de convertirme en un artista pleno y decidí empezar a dar clases de DJ. Cuando lo inauguramos en 2008, era algo realmente pequeño, pero desde entonces se ha convertido en un negocio con tres empleados que enseña a la mayoría de los DJs y productores de Manchester. Es hermoso poder devolver algo a la comunidad musical y compartir el conocimiento con las futuras generaciones.

 

Imagen: © Press Kit de Rudosa 

Has publicado música en Second State, Suara e Intec y tienes el apoyo de grandes nombres como Amelie Lens, Carl Cox, Richie Hawtin o Adam Beyer. No creo que signifique poco para ti.

Sin el apoyo de grandes DJs, sinceramente, no estaría donde estoy hoy. Su apoyo puede ayudar a conseguir que un disco sea firmado por un sello de primera clase o a determinar si aparece o no en las listas de éxitos. Un simple vídeo de un DJ top pinchando un tema tuyo puede llevarte a actuar en nuevos territorios. Por eso, siempre estoy abierto a apoyar a nuevos artistas, ya que eso puede tener un gran impacto en sus carreras. Es genial tener referentes, ídolos, gente a la que aspiras a parecerte, y que esa gente apoye tu música y te dé confianza para saber que estás haciendo lo que te gusta y que lo estás haciendo bien.

 

¿Recuerdas cómo nació ese apoyo de grandes DJs?

Fue un proceso lento, mucho networking y enviar e-mails con buena música en el momento adecuado. El primer apoyo que recibí fue de Richie Hawtin bajo un viejo alias que utilizaba cuando empezaba a producir. Aquello se acabó convirtiendo en una gran relación que aún perdura hoy en día. Envío regularmente música a Richie para sus sets y charlamos sobre lanzamientos y la industria en general. El verano pasado, vino a visitar la escuela de DJs Make Me A DJ y mi estudio. Eso fue increíble.

 

Imagen: © Equipo de Rudosa 

¿Qué esperas del 2020?

Estamos publicando música únicamente cada 3 meses. Primar calidad sobre cantidad es algo clave para mí y para el enfoque del sello. También trataremos de organizar algunas fiestas del sello este año, pero aún no tenemos fechas fijas. Sin embargo, creo que sería lo suyo que la primera noche del sello se celebre en Manchester.

 

Acabamos de pasar de los 2010s a los 2020s. ¿Cuál es tu visión de la escena underground y de clubs después de los 10s y mirando hacia los 20s?

Es difícil de predecir, pero las cosas parecen ser cíclicas en la escena. Incluso con la moda y los sonidos musicales, todo vuelve de una forma u otra. En este momento, siento que estoy viendo un cambio en la gente, que quiere volver a las viejas vibes del rave. Sin teléfonos, estilos más rápidos de techno… todo un poco más crudo y underground.

 

¿Un deseo para la nueva década?

¡Wow, eso es un período de tiempo muy largo! Espero haber tenido una carrera muy exitosa como artista para entonces y estar clasificado entre algunos de los grandes de la industria. Para entonces, espero haber tenido un impacto en las carreras de otros y haber ayudado a productores y DJs de todo el mundo a cumplir el mismo sueño.

 

ARTISTA: RUDOSA

(Imagen de Portada: © Press Kit Rudosa)

 

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Entrevista a Steve Bug: “Comparada con las anteriores, esta no fue la mejor década para la música electrónica”

En el mundo anglosajón, el concepto evergreen se utiliza para referirse a algo que siempre parece actual, pese a que haya sido publicado hace meses o incluso años. Un caso claro es “Loverboy”, uno de los temas más imperecederos de la historia de la música electrónica de club. Steve Bug lo produjo hace 20 años. Fue el primer lanzamiento en Poker Flat, sello que él mismo creó en aquel momento. Dos décadas después, Poker Flat goza de una gran salud y “Loverboy” sigue sonando fresco, actual y perfecto para multitud de situaciones y pistas. Tanto, que dos nombres grandes como Catz N Dogz y Acid Pauli se han animado a remezclarlo. En plenas celebraciones, conseguimos robarle unos minutos al protagonista principal de esta historia, el productor y DJ alemán Steve Bug.

 

Acabamos de cerrar una década. ¿Qué ves si miras hacia ella?

No me gusta mirar hacia atrás, ni demasiado lejos, estoy viviendo aquí y ahora.  Pero hasta donde recuerdo, ha sido una década terrible para la música electrónica. La codicia ganó casi por completo a la creatividad. El éxito en las redes sociales jugó un papel demasiado grande a la hora de decidir qué artistas eran o no eran bookeados. Los line-ups de los festivales han sido siempre más o menos los mismos en todas partes. Apenas hubo temas que destacaran. Comparada con todas las décadas anteriores, esta fue la peor para la música electrónica. Pero tengo grandes esperanzas de que las cosas mejoren a partir de ahora.

 

Es mucho más antiguo (se lanzó en 1999), pero supongo que «Loverboy» es uno de los principales hitos en tu carrera artística. Algunos incluso lo llaman un tema evergreen. ¿Qué es lo que lo hace tan especial, único y perdurable?

Sin duda, es un clásico y todavía se puede tocar hoy en día, así que yo creo que sería correcto llamarlo evergreen. No estoy 100% seguro de por qué es así, pero creo que es porque destaca sobre el resto. Tiene un groove muy guay, no cuantificado, y aunque tiene muy pocos elementos, enseguida lo reconoces. En aquel momento, en general, trabajaba únicamente con samplers: sampleaba muchas cosas, le daba la vuelta a las cosas, las estiraba y las unía como si fuera un collage. «Loverboy», en realidad, nació a partir de los samples de dos otros temas, que, por cierto, nunca fui capaz de terminar.

 

Mientras lo producías, ¿podrías haber llegado a imaginar lo grande que acabaría siendo?

Cuando lo terminé, supe que era especial y sabía que funcionaría bien en la pista. Tenía la sensación de que podía convertirse en algo grande. Pero nuestro distribuidor no estaba tan seguro de ello. Recuerdo que la estrené en una fiesta en Hamburgo y la partió. Después de aquello, incluso el distribuidor estaba convencido.

 

 

Fue el primer lanzamiento en Poker Flat Recordings.

Mi compañero de sello y yo dirigíamos Raw Elements en aquel momento, pero pensábamos en hacer un cambio. Aprendimos mucho de los errores cometidos y pensamos que sería mejor empezar de cero con un nuevo sello y una nueva distribución. Así fue como fundamos Poker Flat. Todo sucedió a la vez que yo terminé «Loverboy». Así que decidimos que sería un buen comienzo para el nuevo sello. El resto es historia.

 

Y ahora Poker Flat está celebrando su 20º aniversario. Es una etapa larga, durante la cual has estado, con orgullo, «fuera de moda». ¿A qué te referías con esa afirmación?

Bueno, creo que la moda es algo que cambia muy rápido y muy a menudo, mientras que tener un estilo propio, no sólo puede hacerte destacar, sino también darte una seña de identidad. Quiero decir, muchos sellos van con lo que en ese momento está de moda, saltan de un sonido a otro. Eso es algo que nosotros no hemos hecho nunca. Por supuesto, nuestro sonido varía ligeramente con cada nuevo lanzamiento, especialmente con los de los nuevos artistas en el roster, pero creo que tenemos un sonido propio muy particular, aunque nuestro abanico esté creciendo. A partir de ahí, y por culpa de nuestro sentido del humor y de que no nos tomamos demasiado en serio las cosas, pensamos que era una buena declaración.

 

¿Qué tal han ido estos años con Poker Flat? ¿Qué opinas de la música que se ha publicado en el sello?

Poker Flat y Sublease Music (y todos los demás sellos que he tenido hasta ahora) son mis bebés, nunca pude dejar que ningún A&R escogiera los temas, artistas o remixers. Yo siento al 100% toda la música que editamos. Y creo que ahora mismo estamos viviendo nuestros mejores días, con muchos artistas grandes enviándonos temas increíbles. Estoy muy agradecido a toda la gente que cree en nosotros y que nos confía el lanzamiento de sus temas.

 

Imagen: © Phlame 

Para celebrar este 20º aniversario, habéis lanzado un doble remix de tu «Loverboy»: uno de Catz N Dogz y otro de Acid Pauli. ¿Cómo sucedió?

Para el 20º aniversario, decidimos pedir a algunos de nuestros artistas favoritos que remezclaran temas del catálogo. Los artistas podían elegir su tema favorito para remezclar y, si teníamos las piezas, o el artista original estaba de acuerdo con que sus temas fueran remezclados, teníamos el match. Catz N Dogz y Acid Pauli fueron los primeros en pedir remezclar «Loverboy», así que tuvieron luz verde. Hubo otros artistas a los que dijimos que no, ya que no quería que «Loverboy» se llevara más protagonismo de la cuenta.

 

¿Qué relación tienes con Catz N Dogz y Acid Pauli?

Conozco a los tres desde hace mucho tiempo, no sólo por su música, sino también por haber actuado juntos en eventos y habérmelos encontrado en aeropuertos de todo el mundo.

 

¿Qué hay de sus remixes? Sé que es una pregunta difícil, pero… ¿cuál de los dos es tu favorito?

Siéndote sincero, me gustan mucho las dos mezclas. Suenan muy diferente y, sin embargo, están ambas muy cerca del mix original. El remix de Acid Pauli es como la actualización perfecta del original, que funciona muy bien en eventos más pequeños, mientras que el de Catz N Dogz le ha añadido un poco más de rave con esas percusiones adicionales.

 

 

Antes has mencionado a Sublease Music. ¿Qué nos cuentas al respecto?

Es un sello enfocado a temas minimalistas que gusten a los DJs, a medio camino entre el house moderno y el deep tech, con un toque de acid por aquí y por allí. Temas que son geniales para mezclar, que son flotantes y que no tienen grandes breakdowns. Realmente, vivo mucho este tipo de temas ahora mismo y me encanta pincharlos, especialmente en lugares pequeños, que tienen un vibe más íntimo.

 

¿Qué ve Steve Bug cuando mira hacia la nueva década?

Espero que más gente se dé cuenta de que lo que ve en redes sociales es generalmente falso… y una gran mentira. Y espero que la gente empiece a buscar lo que realmente le gusta en lugar de seguir las modas. Pero también espero que la gente se dé cuenta de que no siempre necesita la mierda más nueva. Realmente, tenemos que preguntarnos «qué es lo que realmente necesitamos». Para la música electrónica, espero que el éxito tenga más que ver con el talento y la música en sí misma, en lugar de con los gustos y la fama. Y, para el planeta, espero que la Humanidad finalmente empiece a trabajar para afrontar los problemas en equipo, como un todo.

 

PERFIL DE ARTISTA: STEVE BUG

(Imagen de Portada: © Phlame)

 

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Entrevista a Hybrasil: “Mi álbum Embers es una fotografía de toda la energía que siento viviendo en Berlín”

Hybrasil (nombre real Will Kinsella) es conocido por tantas cosas que es fácil perder la cuenta. Su historia empezó en su Irlanda natal, donde se adhirió a los movimientos de la Pirate Radio para defender los sonidos musicales independientes y alejados de cualquier tipo de marketing o enfoque comercial. Además de DJ y productor, Hybrasil desarrolló una carrera paralela como técnico de sonido, lo que le ha llevado a convertirse en la mano derecha de Matt Edwards, más conocido como Radio Slave (puedes ver nuestra CUE Interview con él aquí), y Patrick Mason, que juntos forman SRVD (puedes leer nuestra entrevista en profundidad con ellos aquí). Hybrasil es un tipo trabajador, consciente de lo difícil que es sobrevivir en esta industria. Un hombre que apuesta por el trabajo, el esfuerzo, el sacrificio y las interminables horas de curro en el estudio.

 

Imagen: © Página Oficial de Facebook de Hybrasil 

Como sucedió con otros muchos artistas de Irlanda, tu historia comenzó en la Pirate Radio.

¡Sí! Escuchaba música electrónica en la radio cuando aún no tenía edad para ir a los clubs. La Pirate Radio fue mi puerta de entrada al mundo de la música electrónica e hizo que empezara a ir a las tiendas de discos, comprar tocadiscos y participar más en la música electrónica como DJ. La Pirate Radio es verdaderamente independiente, los DJs tocan lo que quieren tocar, normalmente son personas de tu comunidad que se lanzan a las emisiones para ofrecer una alternativa a la radio comercial. Esto es realmente el corazón y el alma de la música electrónica. Ese espacio está más ocupado por la radio online ahora, donde las estaciones pueden atender a los gustos en lugar de seguir las tablas y estadísticas. Esto también es muy bueno, pero echo de menos ese enfoque regional anti-establishment.

 

Uno de tus primeros logros fue crear la DIT DJ Society, por lo que recibiste un premio a tu trayectoria en 2017. Cuéntanos esa historia.

En 2001, empecé a estudiar en el Dublin Institute of Technology, ahora Dublin Technical University. En Irlanda, muchos colegios tienen sociedades, que son financiadas por el colegio y dirigidas por los estudiantes. Creé una sociedad de DJs como colectivo para proporcionar una plataforma para los próximos DJs. Durante cuatro años, establecimos una escuela de DJs y organizamos eventos y competiciones de DJs. Cuando me gradué, dejé ese legado a mi equipo. Aquello crecería hasta convertirse en una de las sociedades de DJs más grandes del país, junto a otras que surgirían en otras universidades.

 

12 años en la Irish National Radio. Eso es mucho tiempo y, seguro, muchas historias.

La radio fue una gran parte de mi vida, piensa que he transmitido en vivo durante dos horas cada jueves durante casi 10 años. Empecé en un espacio nocturno en una estación de Dublín. Era un show a tres platos. Más tarde, me mudé a RTE, donde comencé a hacer más trabajo documental, como cubrir conferencias como ADE y Sónar. Entrevisté a muchos artistas y aproveché la oportunidad para aprender más sobre la cultura de la música electrónica y cómo abordaban su trabajo en el estudio. Mi programa de radio me llevó a realizar una serie de eventos como ‘Apocalypse Now’, apoyando la misma música que expandíamos desde la radio. Luego escribía la música para esos programas y actuaba en vivo por la noche. Así es como empecé como artista live. Hubo un ciclo de creatividad, mi programa de radio inspiró mi trabajo en el estudio y los eventos que organizaba, que luego se transmitieron a mi programa de radio a través de entrevistas y reportajes con los artistas que actuaban en ellos.

 

 

Como ingeniero en tecnología de sonido y música, ¿para qué artistas has trabajado?

Como ingeniero de sonido en Temple Lane y Grouse Lodge, la música en la que trabajé era bastante ecléctica. Grabé un álbum para el artista congoleño de world music Niwel Tsumbu, grabé un álbum para David Griffin, cantante principal de New Secret Weapon. Asistí en un álbum al cantante y compositor irlandés Jimmy McCarthy. En ese momento, había una increíble escena de bandas de garage en Dublín y tuve la suerte de trabajar con un montón de músicos increíbles. En cuanto a la música electrónica, mi primer crédito de mezcla en Rekids fue para SRVD y su increíble remezcla de ‘Another Club’ de Radio Slave. Mezclé su próximo EP Black on Black, que saldría pronto en Rekids, y estoy mezclando el próximo álbum de estudio de Radio Slave. También hago masterización de stem para un sello irlandés llamado Distrackt Records. Me encanta la ingeniería, mezclar y trabajar con otros artistas. Disfruto del lado técnico tanto como de trabajar en mi propia música.

 

¿Cuánto crees que te ayudó tu perfil como ingeniero a la hora de producir música?

Como ingeniero, aprendí mucho sobre la grabación, el proceso creativo y la composición. Disfruto mucho del proceso de grabación, capturando una pieza musical y trabajando con una banda para obtener los mejores resultados posibles. Al final, me metí en el proceso de mezcla, trabajando con bandas de folk, blues y prog rock. Cuando estás en un ambiente de estudio, también interactúas y trabajas con otros ingenieros. Aprendí mucho de otros productores e ingenieros, fue una gran parte de mi desarrollo técnico y me influyó mucho. La ingeniería me influyó enormemente como productor. Me dio un profundo conocimiento del procesamiento de audio, la grabación, la mezcla, el trabajo con consolas de mezcla analógicas y compresores externos. Cada vez que pongo un pie en un estudio, ese proceso influye en mi forma de trabajar. Cuanto más sabes sobre la mezcla y el proceso de acabado, más eficiente se vuelve tu proceso creativo.

 

Organizador de eventos, dueño de un sello discográfico y live performer, habiendo actuado, por ejemplo, antes de Jeff Mills & The National Concert Orchestra. ¿Cómo te las apañas para llegar a todo?

¡Me metí a demasiadas cosas! Cuando se hacen varias cosas a la vez, la clave es la gestión del tiempo y trabajar muchas horas. Tienes que ser súper eficiente con tu tiempo y estar dispuesto a trabajar 12-15 horas al día, seis días a la semana. La mayor parte del tiempo, estaba operando con 4-6 horas de sueño por noche. En ese momento de mi vida, era necesario. Aproveché cada oportunidad que se me presentó para seguir avanzando a todos los niveles. La desventaja de trabajar así es que te lleva al agotamiento y te afecta creativamente. Por eso me mudé a Berlín, para centrarme más en el trabajo de estudio y en mi sello Hybrasil.

 

Imagen: © Barbara Klein 

Y fue allí donde empezaste a trabajar junto a Radio Slave para su sello Rekids y para su proyecto SRVD con Patrick Mason. ¿Fue mudarse a Berlín tu mejor decisión hasta la fecha?

Mudarme a Berlín ha sido la mejor decisión que he tomado en mi vida. Me ha permitido concentrarme realmente en mi trabajo de estudio. El año pasado, Radio Slave me pidió que ayudara con el show en vivo de SRVD en Panorama Bar. A partir de ahí, empecé a trabajar con él como técnico de estudio y sigo trabajando con SRVD en su show en vivo. Matt y Patrick son personas increíbles con las que trabajar, he disfrutado mucho mis ratos con ellos. Hay muchos aspectos de la vida en Berlín que me encantan. He aprendido mucho sobre el mundo de los modulares, a base de ir a Schneidersladen y Superbooth. Trato de ir a Hard Wax al menos cada dos semanas. Voy al Berlin Atonal, en el Kraftwerk, cada año. También me encanta la comida de Berlín; si eres vegetariano, es un gran lugar para vivir y comer fuera.

 

¿Cómo acabaste trabajando con Radio Slave y Patrick Mason?

Cuando llegué a Berlín, no tenía nada planeado en términos de trabajo. Fue un gran ejercicio de fe que acabó funcionando. Conocía ya a Radio Slave de mi época como promotor. Lo contraté por primera vez en 2012 y le he estado enviando música desde entonces. El año pasado, cuando me pidió que les ayudara en el programa en vivo de SRVD, empezaron a fluir las cosas entre nosotros.

 

En mayo, publicaste tu primer EP en Rekids y, ahora, tu álbum debut Embers también ha salido en el sello.

El EP fue algo en lo que estuve trabajando para Matt durante mucho tiempo. Creo que Bishop fue firmado originalmente en 2016. Me llevó un tiempo empaquetarlo bien. Después de que saliera el EP, empecé a trabajar en una serie de temas inspirados en el tiempo que llevaba viviendo en Berlín y mis experiencias en la ciudad. El álbum fluyó mucho una vez que encontré mi voz dentro de esas influencias.

 

 

¿Cómo lo produjiste?

Compuse el álbum en Ableton. Utilicé algunas grabaciones de mi equipo en el estudio de Dublín, como mi Roland TR-909 y mi Roland SH-09. La parte creativa para mí es escribir el coro de la canción, una vez que tengo eso y he reunido algo de mis varias fuentes de sonido, compongo el arreglo en Ableton. Una vez que estoy contento con el arreglo, lo represento todo en stems y mezclo la pista en Logic.

 

Embers es tu primer álbum. Debe significar mucho para ti.

Me he inspirado mucho en la vida en Berlín, en mis experiencias en la ciudad y en la gente que he conocido aquí. Embers fue mi manera de tomar esa energía y sacarla de nuevo a la luz. Es una fotografía de toda la energía que siento viviendo en Berlín.

 

¿Qué ve Hybrasil en el horizonte?

Hice mi primer show en vivo en Panorama Bar el 7 de febrero con Rekids, junto a Radio Slave, Mark Broom y Alinka. Fue una noche musicalmente increíble de principio a fin. Disfruté mucho actuando allí. He producido mucha música desde el álbum. Mi próximo lanzamiento con el sello Hybrasil sale el 27 de marzo. El EP se titula Osiris y contiene tres temas de mi show en vivo. Tengo más material que saldrá en Rekids en unos meses, que incluirá cuatro nuevos temas que Radio Slave ha estado tocando recientemente. Hace poco también terminé un remix para Rekids y hemos estado hablando sobre un EP de remixes para mi álbum. Fuera de mi trabajo en el estudio, estoy haciendo muchas mezclas y masterización de temas para diferentes sellos y artistas, realmente disfruto trabajando con la música de otras personas. Ya hay algunos espectáculos bien chulos en el calendario. Tengo ganas de este año.

 

PERFIL DE HYBRASIL

(Imagen de Portada: © Barbara Klein)

 

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Entrevista a Aleksandir: “Es de locos pensar en cuándo y dónde se produjo “Yamaha””

Si has leído el nombre Aleksandir y te ha sonado a chino, no te asustes. Su trayectoria como artista de música electrónica tan sólo acaba de arrancar. En junio de 2018, este joven turco-británico decidió publicar “Yamaha”, un tema que, según nos cuenta, llevaba ya dos años sonando en el salón de su casa, para desagrado de sus compañeros de piso. A quien no desagradó fue a selectores de la talla de Dixon, Tycho o Kiasmos. Todos ellos convirtieron a este tema en una joya recurrente en sus sesiones. Y, a partir de ahí, Aleksandir empezó a recibir llamadas. Una de las colaboraciones más importantes fue con el francés Agoria para remezclar uno de sus temas. Aleksandir (de nombre real Alexander Lawrence) es humilde y sensato. “Obtener el éxito no depende de cuán grande sea tu tema o cuán famosa la gente con la que trabajas”, sentencia. Antes, apenas frecuentaba los clubs de electrónica. Ahora, los lidera desde la cabina, acercándose cada vez más a una profesión, la de DJ, a la que nunca antes se había acercado.

 

Mitad británico, mitad turco y con fuertes influencias de Bristol. Es una mezcla interesante, Alexander.

Jaja! Sí, tengo padres que son turcos e ingleses, aunque yo crecí mayoritariamente en Estambul. Musicalmente hablando, siempre tuve a mucha gente inspiradora a mi alrededor y la música siempre jugó un papel importante en mi vida. Aun así, apenas me acerqué a la música electrónica hasta que fui a la universidad en el Reino Unido. Mi compañero Phil, con el que iba a clases, fue una gran influencia. Me enseñó muchísimo (yo aún creía que el dubstep era la música que hacía Skrillex antes de conocer a Phil). Luego, empecé a salir cada vez más por Bristol, vi algunos de mis shows favoritos en Motion o en el Love Inn y compré mis primeros discos en Idle Hands. Todo ello fueron las primerísimas influencias de lo que luego sería Aleksandir.

 

Eres muy joven, pero tu música, y especialmente tu tema “Yamaha”, ha sido ya utilizada por gigantes como Dixon. Eso tiene que sentar bien…

Todo empezó al mismo tiempo. Recuerdo levantarme un día y ver que dos amigos me habían enviado vídeos de Dixon pinchándolo no sé dónde. No recuerdo quién me envió también un vídeo de Tycho pinchándola en Burning Man. Lo que sentí entonces fue surrealista… y aún lo es. Ver que “Yamaha” había llegado a tener contacto con tanta gente me parece increíble. Es de locos pensar en cuándo y dónde se produjo y la vida que tuvo hasta que finalmente la publiqué.

 

En efecto, el tema obtuvo el apoyo de Dixon y otros nombres grandes como Kiasmos. Así que, cuéntame, ¿cuándo y dónde se produjo? ¿Te imaginabas un éxito tan grande mientras lo producías?

Oh, para nada me lo imaginaba. Mis compañeros de piso lo odiaban, porque, la mayor parte del tema, la creé durante un domingo de resaca y aquello sonaba muy fuerte y muy repetitivo… Creo que pasaron como mínimo dos años entre que la hice y la publiqué, así que ya era bastante viejecita cuando vio la luz, al menos para mí. Cuando la lancé, no me esperaba para nada el éxito. Todo pasó muy rápido. Es como si el tema, por si sólo, empezara a girar y girar hasta convertirse en un huracán.

 

 

Antes me comentabas que tu interés por la música electrónica y la escena de clubs nació en el Reino Unido. ¿Cuándo y cómo fue eso?

Siéndote totalmente honesto, nunca fui un gran clubber hasta hace poco. Crecí escuchando más bien géneros acústicos y no formaba parte de ninguna escena electrónica. Por otro lado, los clubs a los que iba la gente de mis entornos eran la típica mierda. Cuando empecé a ir a la universidad, empecé a inmiscuirme más en el clubbing, pero, incluso entonces, solía ir al club a disfrutar de uno o dos sets de artistas que tenía controlados y, luego, ya pensaba sólo en volver a casa y relajarme. Pero, a medida que he empezado a pinchar, he empezado a disfrutar más de los ambientes de club. Sin duda, ahora soy mucho más fiestero de lo que lo he sido durante toda mi vida.

 

Pinchar vs. producir. ¿Qué vino primero?

Yo era productor desde mucho antes. Solía tocar música clásica en el piano y también música rock en una banda durante mi adolescencia. Todo eso, de algún modo, se fue transformando en producción musical cuando fui a la universidad y cambiaron mis gustos. Sólo empecé a pinchar cuando empezaron a contratarme y, de algún modo, aún siento que, únicamente desde hace muy poco tiempo, he empezado a estar cómodo con ello. Solía considerarme un productor que sólo pinchaba en ocasiones puntuales, pero la verdad es que he empezado a disfrutar cada vez más pinchando e intento verlo como a un arte en sí mismo. Aunque siempre seré un productor en el fondo de mi corazón.

 

Y, en esa faceta de productor, has llegado a usar vocales de The Strokes en uno de tus temas. ¿Eres fan suyo?

Sehh, en realidad no utilicé sus vocales como un sample, sino que usé algunas de sus letras, sí. Canto todas las vocales en “Hard To Explain”, pero es una oda abierta a mi banda favorita. Soy un gran fan de The Strokes. Fueron una de mis primeras bandas predilectas y, para mí, nunca envejecerán. Es como si sus diferentes canciones y álbumes fueran crónicas de distintos momentos y emociones en mi vida, así que tengo un fuerte vínculo con su música. Soy un oyente bastante obsesivo. Si me da por un artista, pincho su material durante meses. 2020 es el año de JPEGMAFIA, para mí. Si no lo has oído nunca, échale una escucha. Quizás necesitarás varios intentos para hacerte con su música (a mí, me pasó), pero es, sin duda, mi productor y artista favorito ahora mismo.

 

 

También remezclaste el “You’re Not Alone” de Agoria. ¿Es tu mayor logro hasta la fecha?

Yo no diría “mayor” logro, pero sí otro gran e inesperado momento, eso sin duda. Opino que mis mayores logros, desde mi punto de vista, no tienen que ver necesariamente con cuán grande sea un tema o cuán famosa sea la gente con la que trabajo, sino más bien con un sentimiento personal. Obviamente, no puedo negar lo increíble que es que tanta gente haya escuchado “Yamaha” o la atención que ha captado el remix a Agoria, pero creo que producir algo que amo por mí mismo es más raro y, definitivamente, lo que más me llena.

 

Hablemos de tu país. ¿Cómo es la escena clubbing underground en Turquía? ¿Alguna recomendación?

La escena underground en Turquía ha sufrido mucho en los últimos años. Muchos lugares han cerrado y problemas económicos han hecho que sea mucho más difícil contratar a DJs internacionales. Pero, si sabes bien a dónde ir, Estambul puede seguir siendo muy divertida. Mis lugares favoritos serían Arkaoda y Gizli Bahçe, donde, en ambas, organizábamos nuestras fiestas bimensuales MİKS. La escena es pequeña, pero adoro esa sensación de comunidad. Todo el mundo conoce a todo el mundo y estamos todos juntos. Es por ese motivo que estoy seguro de que vendrán días mejores.

 

 

¿Tareas actuales y mayores objetivos?

He estado durante mucho tiempo trabajando en un nuevo álbum y justo acabo de terminarlo. Ahora estoy viendo cuál es el mejor momento y el mejor lugar para publicarlo. Estoy muy satisfecho con él; sencillamente, suena a mí. En cuanto a los objetivos, son siempre los mismos: seguir produciendo y lanzando música y, ojalá, creando mejores temas y llegando cada vez a más y más gente.

 

¿Veremos un live show de Aleksandir pronto?

Por ahora no está previsto, pero seguro que algún día acabamos viéndolo. Por ahora, estoy disfrutando mucho haciendo de DJ y tengo un mundo por descubrir en ese campo. Cuando haga un live set, quiero que sea perfecto.

 

PÁGINA DE ARTISTA DE ALEKSANDIR

(Imagen de Portada: © Press Kit de Aleksandir)

 

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Entrevista a ANOTR: “Tienes que vivirlo en primera persona para entenderlo”

“Un soplo de aire fresco.” Así es cómo fueron bautizados Jesse van der Heijden y Oguzhan Guney cuando su música empezó a sonar en la mayoría de los clubs y festivales de música electrónica. Juntos, forman ANOTR, un jovencísimo dúo cuyos trabajos cuentan ya con el apoyo de sellos importantes como Origins Rcrds, Moan, Hottrax, Inermu y Solid Grooves. Ciertamente, su enfoque sobre la música tech-house es fresco e innovador, presentando siempre un groove cálido e increíblemente limpio. Es el mismo enfoque que propone No Art, sello que crearon ellos mismos en 2017 y en el que están a punto de publicar su último EP.

 

Jesse, Oguzhan… Sois un dúo muy joven, pero vuestro nombre está obteniendo una gran influencia en la escena clubbing. ¿Qué tal sienta?

Oguzhan: Sí, diría que somos uno de los dúos más jóvenes. Ambos tenemos 25 años, aunque somos parte de una nueva generación de DJs y productores en la que todos están haciendo un buen trabajo para que la escena siga tirando y evolucionando. Mola ver que la nueva generación crece más y más. Es importante que crezcamos también como colectivo.

 

Estáis a punto de publicar un EP de tres temas llamado Don’t Mind Ya Weight en vuestro propio sello No Art. ¿Qué nos contáis al respecto?

Jesse: El tema que da nombre al EP, «Don’t Mind Ya Weight», es un tema que hicimos hace ya mucho tiempo. Lo hemos pinchado muchísimo y hemos decidido publicarlo en nuestro sello. Es guay ver que muchos artistas ya están apoyando el lanzamiento y, ahora que va a ver la luz, estamos contentos de poder compartirlo con el resto del mundo. El EP entero está pensado para la pista de baile, para hacerte bailar.

O: ¡¡Lo único que puedo añadir es que Jesse toca la guitarra en este tema, jajaja!!

 

¿Cómo produjisteis el EP?

O: Creamos todos los temas en el estudio, en Amsterdam. La mayoría de las veces, usamos nuestro Korg EMX 1 para empezar un groove de drums hasta que llegamos a un punto en el que obtenemos un loop de drums decente. A partir de ahí, empezamos a construir los elementos principales y, una vez damos con elementos que nos llaman realmente la atención, es momento de darle al bajo, que es lo que apuntala la idea del tema. Todos los temas giran entorno al bajo. Es algo que funciona muy bien de cara a la pista.

 

 

¿Qué os llevó a crear vuestro propio sello No Art?

J: En un inicio, No Art estaba pensado como una vía para poder publicar música cuando nosotros quisiéramos. Producíamos mucho en aquella época y se nos hacía complicado programar lanzamientos con otros sellos. Todos tenían su propio sonido, su propio estilo y no siempre casaba con la música que hacíamos nosotros. Creíamos que, si empezábamos un sello, seríamos capaces de encontrar un modo de enseñar al mundo lo que de verdad nos gusta como artistas. Ahora, tres años después, No Art se ha convertido en mucho más que eso. Se ha convertido en un movimiento, una plataforma para artistas que trabajan codo con codo, que comparten su pasión por la música. Básicamente, No Art está pensado para cualquiera que se sienta identificado con nuestra marca.

 

Tengo entendido que ANOTR nació en un ático en Amsterdam. ¿Cuáles son vuestros mejores recuerdos de aquellos inicios? ¿Por qué ANOTR?

O: ANOTR viene de nuestros nombres combinados. Cogimos “AN” de Oguzhan y “OTR” del segundo nombre de Jesse, Piotr. Antes de ANOTR, teníamos otro proyecto, que fue con el que empezamos a producir juntos en pleno verano, hace unos ocho años. Lo que más recordamos es que, mientras todos nuestros amigos estaban divirtiéndose al sol en Amsterdam, nosotros estábamos sudando como cerdos sin nada más que café y una nevera para refrescarnos. La música que hacíamos en aquella época nos daba muchísima energía y creo que ese es uno de los elementos que hace que nos mantengamos en marcha actualmente. Simplemente, amamos trabajar en la música.

 

Organizáis vuestras propias noches del sello No Art en el Loft de Amsterdam, tras haber pasado por varios clubs.

O: Sí, llevamos ya un año con esto. De momento, hemos hecho ya De Waalse Kerk, Lofi, Loft, West Indisch Huis y Claire. No Art combina música, arte, músicos y localizaciones únicas y exclusivas. Por ejemplo, cuando hicimos una fiesta en una iglesia, paramos la música a mitad de nuestro set para que un coro de iglesia pudiera actuar durante algunos minutos y, luego, continuamos pinchando. En Lofi tuvimos a un grupo de danza actuando desnudos en la pista, justo antes de que abriera la main room. Siempre intentamos sorprender y desafiar a nuestro público ofreciéndoles experiencias que no puedan olvidar nunca. Lo mejor de todo esto es que siempre estamos expectantes por ver cómo reaccionará el público y nos encanta ver la energía que este nos devuelve. Y, por supuesto, es tarea de los DJs darle al público lo que este quiere: música de calidad, yendo del minimal al house y al disco. Todo es posible si se mantiene al público en alto.

 

Imagen: © No Art 

En los últimos tiempos, habéis actuado en fabric y Printworks, de Londres, en Ushuaïa y Privilege, de Ibiza, y en Lost Beach Club, de Quito. No es un mal CV para un artista de música electrónica… ¿Actuales proyectos y próximos objetivos?

 J: Estamos trabajando duro para conseguir incluso mejores lugares. Sabemos que está lleno de sitios increíbles y fiestas en las que pinchar, pero veremos qué nos depara el futuro. Nos hemos dado cuenta de que, si nos centramos en nuestro propio trabajo y nuestra marca, obtendremos incluso más de lo que esperamos.

 

¿Un mensaje para aquellos que aún tengan que descubrir a ANOTR?

J&O: Tienes que vivirlo en primera persona para entenderlo.

 

PRÓXIMAS FECHAS ANOTR

(Imagen de Portada: © Press Kit ANOTR)

 

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