#Cultura – Página 30

Separar creatividad de productividad: la obsesión por el estudio en tiempos de cuarentena

“Quedaos en casa, volveremos más fuertes y tendremos más música que nunca, además de un baby-boom”, decía entre risas el español Andres Campo en la primera semana de confinamiento. De la noche a la mañana, DJs y productores de todo el mundo, como el resto de los mortales, se encontraron atrapados en sus casas, en sus estudios de producción.
“¿Tú me puedes conseguir una cámara para hacer streamings desde mi casa?”, me preguntaba un artista el primer fin de semana de confinamiento. En aquel momento, no éramos conscientes de lo que se nos venía encima.
Pavvla, una de las compositoras más llamativas de la escena emergente catalana -debutó en Primavera Sound en 2019-, tuiteaba: “Menos mal del sol… y de la música.” Y no podría estar más de acuerdo. Pienso en países más grises -la mayoría de los países europeos, de hecho- y se me hace durísimo imaginarme un confinamiento allí. Pero… ¿os imagináis un país en el que no hubiera música? ¿Os imagináis una cuarentena en silencio?

Realment, sort del sol i la música
— Paula Jornet (@pavvla_) April 12, 2020

La música es una gran herramienta terapéutica. Pero, paradójicamente, es la propia música, y todo lo que ella conlleva -especialmente en el caso de la música de club-, lo que causa estragos en muchas mentes. Y, sobre todo, en las de sus creadores.
Rosana Corbacho es psicóloga especializada en artistas de música electrónica y fundadora de M.I. Therapy. Nos cuenta que, “en un estudio realizado en el Reino Unido acerca de las presiones típicas de la industria musical y la repercusión en los artistas, se describen resultados llamativos, como que el 71,1% de los entrevistados habían sufrido ataques de pánico y/o altos niveles de ansiedad y el 68,5% habían sufrido depresión, pero sólo el 30% había buscado ayuda profesional”.
La mayoría de los artistas sufren patologías, aunque no lo reconozcan, aunque no lo acepten, aunque ni siquiera sean conscientes de ello. Y eso, en un confinamiento como el causado por el Covid-19, puede agravar seriamente las cosas.
En una situación de emergencia como la que estamos viviendo, cualquier antecedente pone en mayor peligro a los artistas. En una industria ya de por sí bastante inestable e impredecible, el incremento de falta de control sobre los eventos externos es una fuente de tensión y sufrimiento.

Imagen: © M.I. Therapy
Muchos artistas tardaron apenas horas en comparecer públicamente en las redes cuanto todo empezó.
Andrea Oliva: Espero que los DJs no pidan ahora cláusulas por cancelación. A los clubbers, habría que pedirles que eviten pedir el reembolso de sus 20€ de entrada anticipada, si pueden permitírselo. Entre todxs, podemos salvar la escena. Yo voy a dedicarme a escuchar más música que nunca y apoyar así a nuevos talentos que son quienes más lo necesitan.
DJ Tennis: Vamos a empezar a pensar maneras de apoyar a los más afectados de la industria, independientemente de su rol en el juego. Limitaciones como las de esta crisis son siempre una fuente de inspiración para la creatividad. Saquemos lo mejor de esto.
Dubfire: Vamos a ver muchísima música nueva en estos días. Aun así, el mundo gira muy deprisa y creo que nos irá bien parar, respirar y darle importancia a lo verdaderamente importante.
Algunos, como el sueco Eric Prydz, incluso se metieron donde no le llaman…
Eric Prydz: La solución es que toda la gente sana coja el virus y la gente que sea de riesgo entre en cuarentena. Si nos quedamos todos en casa, sólo alargaremos el proceso.
En cuanto un epidemiólogo australiano le contestó, no tardó en rectificar:
Eric Prydz: Pido mis más sinceras disculpas por cualquier ofensa o confusión que pudiera ocasionar con mi comentario anterior. Creo justo decir que estamos todos perdiendo un poco la cabeza en estos días. Por favor, aseguraos de estar bien junto a los vuestros en estos tiempos difíciles. En el futuro, me limitaré a crear música.

I sincerely apologise for any offence or confusion caused by my earlier comments. I think it’s safe to say that we all are freaking out right now!Please make sure you and your loved ones stay safe in this very difficult time.
In future I will stick to making music…
— Eric Prydz (@ericprydz) March 16, 2020

El mensaje al inicio del confinamiento estaba claro: estar a salvo y hacer mucha música. Bien. Pero, ¿cuánto tiempo puede aguantar un/a artista encerrado/a en el estudio? ¿Es sano? Los ingresos se ven reducidos a prácticamente cero -ya que la mayoría de sus ganancias se generan en sus actuaciones- y no hace falta ser psicólogo para decir que, con la cuenta casi vacía, vivir tranquilo es logro de pocos.
Para los músicos, es muy complicado admitir inseguridades y mostrarse vulnerables, tanto por la tendencia a la autocrítica, como por la alta competitividad del entorno en el que desarrollan sus carreras. Algunos llevan años sin tomarse un descanso, con los patrones de sueño completamente alterados e intentando compaginar vida familiar con vida laboral, quizás soñando entre vuelo y vuelo con una temporada en casa. Ahora que todos los eventos están cancelados, ¿se puede ser tan productivo como se planeaba al inicio de la crisis?
El artista barcelonés Coyu ya reflexionaba sobre ese entorno cuando la crisis golpeó fuerte en Italia, el primer país que se vio afectado por el coronavirus en Europa.
Coyu: Con un poco de suerte, esta situación inesperada servirá para lograr ese ansiado reset, tanto artístico como estructural, que la escena necesita. La burbuja del superstar DJ estaba a punto de explotar y el coronavirus puede ponerle la puntilla.

Imagen: © Liaison Artists
A nivel psicoemocional, la crisis sanitaria presenta una serie de características que exigen que se preste especial cuidado a la reacción interna de los artistas. Rosana Corbacho habla de estos cinco detonantes:
lo repentino de la situación
la sensación de falta de control e imposibilidad de planificar
la sobrecarga de noticias e información
el aislamiento social
y el miedo a un peligro real
Según mi experiencia en consulta, hay elementos en común, pero también individuales según la historia personal de cada paciente. Incluso dependiendo del estilo musical, son más proclives a un tipo de sintomatología u otra. Algo en común de la gran mayoría es que su trabajo les define: para ellos, qué hacen es lo que determina quién son. Por lo tanto, las circunstancias que amenazan a su trabajo (bloqueos creativos, cancelaciones, ausencia de conciertos, etc.) se traducen en una inseguridad relacionada directamente con el autoconcepto y la autoestima.
Según sigue explicando Rosana Corbacho, aquellos artistas que se encontraran ya en procesos terapéuticos están notando menos la diferencia durante el confinamiento. De ellos sí cree que puedan llegar a crear más música que de costumbre, además de reinventarse, descansar y encontrarse a ellos mismos, siempre y cuando se respalden también en sus familiares. Precisamente de sus familias se acordaban, al inicio de la crisis, el español Regal y el italiano Alex Neri.
Regal: Debemos emplear este tiempo para descansar, visitar el estudio de vez en cuando y, sobre todo, dedicar mucho amor a la familia, algo que nos resulta muy difícil cuando estamos actuando por todo el mundo.
Alex Neri: Las crisis hacen que aflore lo mejor de nosotros. Estamos viendo más humanidad, que es algo que falta mucho en nuestro día a día. Ahora, no podemos darnos la mano, ni abrazarnos. Ahora, nos damos cuenta de lo importantes que son esos gestos en nuestra vida.

Imagen: © Alex Neri (www.alexneri.com)
Rosana Corbacho anima al autoconocimiento como práctica prioritaria:
Es importante que los y las artistas reconozcan qué sienten y qué temen de esta situación. No deben ponerse a producir como locos si sienten ansiedad. Tienen que saber separar productividad y creatividad. La creatividad es posible en un estado interno de apertura y calma. Si se encuentran en un estado de vulnerabilidad, les puede resultar más beneficioso descansar o hablar con seres queridos que ponerse a producir. Compartir inquietudes e inseguridades con personas significativas puede ayudar a que el aislamiento tenga un menor impacto. Leer, hacer actividad física suave y estar presente sin futurizar. Aceptar que no se tiene el control sobre los eventos externos o el futuro de la industria y confiar.
Los artistas, a veces adorados en demasía y, a veces, como en los tiempos que corren, también criticados en demasía (ver aquí lo que está sucediendo con los grandes DJs de la escena techno y sus tour managers), son, nos guste o no, el motor principal de nuestra escena, ya sean grandes estrellas o pequeños artistas locales. Lo que nos invita a todos a formar parte de este movimiento es la pasión por la música. Y, sin artistas, no habría música.
Desde que los distintos gobiernos impusieron el encierro de la población, la música ha abordado nuestras pantallas. Desde aquí, nos sumamos al mensaje de Rosana Corbacho. Artistas, no os autoexplotéis. No temáis por querer estar siempre presentes en nuestras casas. Lo más importante para vosotros es vuestra salud, como lo es la nuestra para cada uno de nosotros. Nunca antepongáis vuestra música a vuestro bienestar.
Porque, cuando esta pesadilla pase, os necesitaremos en plena forma. Más que nunca.

(Imagen de Portada: © Pixabay)

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Entrevista a Raven: “Quería hacer algo emotivo, oscuro y sexy a la vez”

Raven es una de las candidatas a artista revelación del año en las escenas techno y rave. Y no lo decimos nosotros, sino la apuesta que por ella ha hecho Matt Edwards, aka Radio Slave, publicando su nuevo EP en el prestigioso sello de culto Rekids. Allí fue donde despegaron carreras meteóricas de otras grandes mujeres de la industria. Artistas que, como Raven, no sólo producen, sino que también componen, escriben, cantan. Una, Nina Kraviz, reina en los terrenos más acid del techno. La otra, Peggy Gou, marca el ritmo en los dominios del house. Con su EP Flames, Raven irrumpe en la escena rave con un soplo de aire fresco, una combinación de elementos industriales, ácidos, experimentales, oscuros, pero también urbanos, modernos y desenfadados. ¿Pueden cantos con aroma a pop entrar en una nave industrial en plena luz del día y romper a sudar? Raven tiene la respuesta.

¿Cómo es la persona detrás de Raven?
Nací en Vancouver, Canadá. Viví mucho tiempo en Toronto, pero también en Los Ángeles, Chicago, Berlín, Ciudad de México y, ahora, en Barcelona, España. Creo que me muevo tanto porque soy muy inquieta y curiosa por naturaleza. Me gusta inmiscuirme y ver cómo voy flotando. Me gusta mucho la vida sana y la medicina natural. Soy vegana desde hace nueve años. He sido vegetariana por un total de 16… Me encanta cocinar cosas en el estudio, pero también en la cocina. (risas) Esa soy yo, en pocas palabras.

Escuchando los cinco temas de tu EP Flames, parece evidente que los sabores rave y techno son los principales protagonistas, aunque también podemos encontrar algunos toques de trance e incluso acid.
Yo diría que cada tema es un concepto propio. Por ejemplo, quería que “Insomnia” se sintiera como un insomnio. Esos pensamientos fugaces que te mantienen despierto por la noche, dando vueltas en círculos en tu cabeza. También intento fusionar algunos de mis subgéneros y sonidos favoritos, como el trance, y experimentar con ellos. Como en “In2U”, quise hacer algo así como una pista de house vocal, que recordara a lo que solía escuchar en la radio. O en “Saint”, creando esa línea de sinte hard-trance y un pattern de bombo ghetto-tech – rindiendo homenaje a temas por los que daría la vida. Quería hacer algo que fuera emotivo, oscuro y sexy a la vez.

También cantas en todas ellas y tu voz suena bastante cercana a los géneros urbanos, o incluso a algún tipo de pop. No es algo común en la música rave.
A ver… Llevo escribiendo canciones desde que soy una niña. No creo que haya reglas que determinen a qué se le permite o no se le permite ser música electrónica. Es algo que está siempre en constante evolución. Crecí con muchas influencias musicales. No me gusta un único tipo de música. Así que sí, cogí todo eso y lo junté. Si lo piensas, casi toda la música es electrónica hoy en día.

Cover de Raven – Flames EP. | Imagen: © Rekids
El EP no es una combinación de estilos muy fácil de encontrar, pero tal vez sea una ecuación que traiga aire fresco a la escena techno y rave en Europa. ¿Cuáles fueron tus principales inspiraciones?
Mi inspiración fue en realidad hacer algo que se pareciera a mí. He estado haciendo música y haciendo de DJ durante años. He tenido muchos alias diferentes. Raven es mi verdadero nombre y esta es la primera vez que hago lo que siento. No lo hago para encajar en ningún marco concreto.

Como dijiste antes, eres de Toronto, y también tienes fuertes conexiones con metrópolis como Chicago, Berlín, Los Ángeles y México D.F., antes de instalarte en Barcelona. ¿Qué te llevaste de cada una de estas ciudades mientras creabas tu propia personalidad musical?
Personalmente, creo que no se trata de dónde estás físicamente, sino de dónde estás mentalmente. Todas estas ciudades han sido increíbles para vivir en ellas. Creo que me benefició, sobre todo, el hecho de reconocer que necesito dejar espacio para otras formas de pensar. Con cada movimiento, gané tolerancia y, definitivamente, aprendí que las cosas nunca van a ir según lo planeado. Al final, la música es comunicación y tengo un deseo enorme de conectar y entender a la gente y de ser también entendida. Creo que ahí es donde entra en juego todo el tema de la música para mí.

¿Cómo apareció Rekids en la historia?
Ha sido un torbellino de año. Antes de instalarme en Barcelona, me fui de Ciudad de México y me quedé en Atenas, Grecia. En una desafortunada serie de eventos, terminé perdiendo mi disco duro externo, mi móvil y, finalmente, mi ordenador. Tuve que empezar todo de nuevo, desde cero. Cuando las cosas se pusieron feas en Atenas, mi hermana me invitó a Barcelona. Conozco a Matt [Edwards] desde hace años por vivir en Berlín. Cuando empecé a hacer música de nuevo, Matt la escuchó y dijo que quería lanzarla. Matt y Leon [Oakey] saben lo que están haciendo en Rekids y estoy súper feliz de tenerlos detrás de mí. Estoy realmente sorprendida por todo lo que ha sucedido en este último año.

Imagen: © Press Kit de Raven
Su sello ya ha lanzado carreras como la de Nina Kraviz y Peggy Gou: además, dos productoras, compositoras, cantantes y, por supuesto, DJs. Supongo que no te gustarán las comparaciones, pero son palabras mayores… ¿Te imaginas llegar a ser tan grande como lo son ellas dos hoy en día?
Peggy y Nina son increíbles en lo que hacen y cada una tiene su propio camino. Creo que también hay un espacio para mí en la música electrónica. Estoy tratando de llegar lo más lejos posible con ella.

¿Significa esto una presión o responsabilidad extra?
Hmmm… Siento una responsabilidad con Rekids, que me apoya en un 110 por ciento, pero sobre todo conmigo misma. Esta es mi pasión, ya sabes.

Probablemente, el 2020 se veía como uno de los años más intensos y exigentes en tu carrera hasta ahora, justo antes de que todo se derrumbara. ¿Cómo estás enfrentando estos tiempos de confinamiento?
Sí, definitivamente no es como planeamos que fuera este lanzamiento. El confinamiento es extraño. Trato de emplear este tiempo en mi beneficio. Paso la mayor parte del tiempo haciendo música y riéndome con memes. Pero sí, es difícil. Lo único bueno de esta situación es que todos estamos luchando juntos.

¿Algún mensaje que quieras enviar a nuestros lectores?
Me gustaría decir que, tanto para artistas como para todo el mundo en general, estos tiempos son muy desconcertantes. No tenemos ni idea de cómo será el próximo año. Todas las fiestas y fechas han sido canceladas. Mucha gente ha perdido sus trabajos. ¡Estamos a punto de arruinarnos! (risas) Ahora es de verdad el momento de apoyar a vuestras comunidades en todo lo que hagáis y en todo lo que podáis.

ARTISTA: RAVEN
(Imagen de Portada: © Press Kit de Raven)

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Entrevista a Rudosa: “Un simple vídeo de un DJ top pinchando un tema tuyo puede llevarte a actuar en nuevos territorios”

Rudosa es uno de los productores de música techno más prolíficos del Reino Unido. En la última década, ha publicado música para varios de los grandes sellos, entre los que destacan Second State, Suara e Intec, entre otros. Sus temas cuentan, casi como tónica y desde hace ya años, con el visto bueno de voces con autoridad, como las de Adam Beyer, Carl Cox, Richie Hawtin o Amelie Lens. En este inicio de nueva década, Rudosa ha publicado un remix del “Entropy” de Joyhauser en Phobiq Recordings, además del segundo lanzamiento en su propio sello Moments in Time. Precisamente, hablamos con Rudosa de ese lanzamiento, “Dominance”, de su trayectoria hasta la fecha y de lo que le espera por delante.

Mark Bradbury es…

Un tipo de 30 años que vive en Manchester.

Y Rudosa es…

Un artista de música techno que produce música y pincha por todo el mundo.

Y que también tiene su propio sello Moments in Time.

Sí. Moments In Time es un sello de techno underground que lancé para mí mismo, para lanzar mi propia música y la de mis amigos y compañeros de la industria, cuya música suena siempre en mis sesiones. Es bueno tener una plataforma para construir algo de forma creativa y desde cero.

Acabas de publicar «Dominance» en el sello. Las frecuencias ácidas juegan un papel clave en el tema, a pesar de que no es un recurso muy común en tu música.

Mis gustos musicales varían, yendo desde el techno con más groove hasta temas de ‘peak-time’ [algo así como temas para el momento más álgido de la noche]. Con «Dominance», buscaba un peak-time que los DJs fueran a apoyar en los grandes eventos durante el invierno. Cuando creé la línea de acid, ya tenía el fragmento vocal grabado y una idea en mente, así que sólo tuve que combinarlo todo de tal manera que se convirtiera en uno de esos temas que te lleva solo.

Cuéntanos acerca de Make Me A DJ.

Hace más de una década, estaba buscando un modo de financiar mi intento de convertirme en un artista pleno y decidí empezar a dar clases de DJ. Cuando lo inauguramos en 2008, era algo realmente pequeño, pero desde entonces se ha convertido en un negocio con tres empleados que enseña a la mayoría de los DJs y productores de Manchester. Es hermoso poder devolver algo a la comunidad musical y compartir el conocimiento con las futuras generaciones.

Imagen: © Press Kit de Rudosa

Has publicado música en Second State, Suara e Intec y tienes el apoyo de grandes nombres como Amelie Lens, Carl Cox, Richie Hawtin o Adam Beyer. No creo que signifique poco para ti.

Sin el apoyo de grandes DJs, sinceramente, no estaría donde estoy hoy. Su apoyo puede ayudar a conseguir que un disco sea firmado por un sello de primera clase o a determinar si aparece o no en las listas de éxitos. Un simple vídeo de un DJ top pinchando un tema tuyo puede llevarte a actuar en nuevos territorios. Por eso, siempre estoy abierto a apoyar a nuevos artistas, ya que eso puede tener un gran impacto en sus carreras. Es genial tener referentes, ídolos, gente a la que aspiras a parecerte, y que esa gente apoye tu música y te dé confianza para saber que estás haciendo lo que te gusta y que lo estás haciendo bien.

¿Recuerdas cómo nació ese apoyo de grandes DJs?

Fue un proceso lento, mucho networking y enviar e-mails con buena música en el momento adecuado. El primer apoyo que recibí fue de Richie Hawtin bajo un viejo alias que utilizaba cuando empezaba a producir. Aquello se acabó convirtiendo en una gran relación que aún perdura hoy en día. Envío regularmente música a Richie para sus sets y charlamos sobre lanzamientos y la industria en general. El verano pasado, vino a visitar la escuela de DJs Make Me A DJ y mi estudio. Eso fue increíble.

Imagen: © Equipo de Rudosa

¿Qué esperas del 2020?

Estamos publicando música únicamente cada 3 meses. Primar calidad sobre cantidad es algo clave para mí y para el enfoque del sello. También trataremos de organizar algunas fiestas del sello este año, pero aún no tenemos fechas fijas. Sin embargo, creo que sería lo suyo que la primera noche del sello se celebre en Manchester.

Acabamos de pasar de los 2010s a los 2020s. ¿Cuál es tu visión de la escena underground y de clubs después de los 10s y mirando hacia los 20s?

Es difícil de predecir, pero las cosas parecen ser cíclicas en la escena. Incluso con la moda y los sonidos musicales, todo vuelve de una forma u otra. En este momento, siento que estoy viendo un cambio en la gente, que quiere volver a las viejas vibes del rave. Sin teléfonos, estilos más rápidos de techno… todo un poco más crudo y underground.

¿Un deseo para la nueva década?

¡Wow, eso es un período de tiempo muy largo! Espero haber tenido una carrera muy exitosa como artista para entonces y estar clasificado entre algunos de los grandes de la industria. Para entonces, espero haber tenido un impacto en las carreras de otros y haber ayudado a productores y DJs de todo el mundo a cumplir el mismo sueño.

ARTISTA: RUDOSA

(Imagen de Portada: © Press Kit Rudosa)

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Entrevista a Steve Bug: “Comparada con las anteriores, esta no fue la mejor década para la música electrónica”

En el mundo anglosajón, el concepto evergreen se utiliza para referirse a algo que siempre parece actual, pese a que haya sido publicado hace meses o incluso años. Un caso claro es “Loverboy”, uno de los temas más imperecederos de la historia de la música electrónica de club. Steve Bug lo produjo hace 20 años. Fue el primer lanzamiento en Poker Flat, sello que él mismo creó en aquel momento. Dos décadas después, Poker Flat goza de una gran salud y “Loverboy” sigue sonando fresco, actual y perfecto para multitud de situaciones y pistas. Tanto, que dos nombres grandes como Catz N Dogz y Acid Pauli se han animado a remezclarlo. En plenas celebraciones, conseguimos robarle unos minutos al protagonista principal de esta historia, el productor y DJ alemán Steve Bug.

Acabamos de cerrar una década. ¿Qué ves si miras hacia ella?

No me gusta mirar hacia atrás, ni demasiado lejos, estoy viviendo aquí y ahora. Pero hasta donde recuerdo, ha sido una década terrible para la música electrónica. La codicia ganó casi por completo a la creatividad. El éxito en las redes sociales jugó un papel demasiado grande a la hora de decidir qué artistas eran o no eran bookeados. Los line-ups de los festivales han sido siempre más o menos los mismos en todas partes. Apenas hubo temas que destacaran. Comparada con todas las décadas anteriores, esta fue la peor para la música electrónica. Pero tengo grandes esperanzas de que las cosas mejoren a partir de ahora.

Es mucho más antiguo (se lanzó en 1999), pero supongo que «Loverboy» es uno de los principales hitos en tu carrera artística. Algunos incluso lo llaman un tema evergreen. ¿Qué es lo que lo hace tan especial, único y perdurable?

Sin duda, es un clásico y todavía se puede tocar hoy en día, así que yo creo que sería correcto llamarlo evergreen. No estoy 100% seguro de por qué es así, pero creo que es porque destaca sobre el resto. Tiene un groove muy guay, no cuantificado, y aunque tiene muy pocos elementos, enseguida lo reconoces. En aquel momento, en general, trabajaba únicamente con samplers: sampleaba muchas cosas, le daba la vuelta a las cosas, las estiraba y las unía como si fuera un collage. «Loverboy», en realidad, nació a partir de los samples de dos otros temas, que, por cierto, nunca fui capaz de terminar.

Mientras lo producías, ¿podrías haber llegado a imaginar lo grande que acabaría siendo?

Cuando lo terminé, supe que era especial y sabía que funcionaría bien en la pista. Tenía la sensación de que podía convertirse en algo grande. Pero nuestro distribuidor no estaba tan seguro de ello. Recuerdo que la estrené en una fiesta en Hamburgo y la partió. Después de aquello, incluso el distribuidor estaba convencido.

Fue el primer lanzamiento en Poker Flat Recordings.

Mi compañero de sello y yo dirigíamos Raw Elements en aquel momento, pero pensábamos en hacer un cambio. Aprendimos mucho de los errores cometidos y pensamos que sería mejor empezar de cero con un nuevo sello y una nueva distribución. Así fue como fundamos Poker Flat. Todo sucedió a la vez que yo terminé «Loverboy». Así que decidimos que sería un buen comienzo para el nuevo sello. El resto es historia.

Y ahora Poker Flat está celebrando su 20º aniversario. Es una etapa larga, durante la cual has estado, con orgullo, «fuera de moda». ¿A qué te referías con esa afirmación?

Bueno, creo que la moda es algo que cambia muy rápido y muy a menudo, mientras que tener un estilo propio, no sólo puede hacerte destacar, sino también darte una seña de identidad. Quiero decir, muchos sellos van con lo que en ese momento está de moda, saltan de un sonido a otro. Eso es algo que nosotros no hemos hecho nunca. Por supuesto, nuestro sonido varía ligeramente con cada nuevo lanzamiento, especialmente con los de los nuevos artistas en el roster, pero creo que tenemos un sonido propio muy particular, aunque nuestro abanico esté creciendo. A partir de ahí, y por culpa de nuestro sentido del humor y de que no nos tomamos demasiado en serio las cosas, pensamos que era una buena declaración.

¿Qué tal han ido estos años con Poker Flat? ¿Qué opinas de la música que se ha publicado en el sello?

Poker Flat y Sublease Music (y todos los demás sellos que he tenido hasta ahora) son mis bebés, nunca pude dejar que ningún A&R escogiera los temas, artistas o remixers. Yo siento al 100% toda la música que editamos. Y creo que ahora mismo estamos viviendo nuestros mejores días, con muchos artistas grandes enviándonos temas increíbles. Estoy muy agradecido a toda la gente que cree en nosotros y que nos confía el lanzamiento de sus temas.

Imagen: © Phlame

Para celebrar este 20º aniversario, habéis lanzado un doble remix de tu «Loverboy»: uno de Catz N Dogz y otro de Acid Pauli. ¿Cómo sucedió?

Para el 20º aniversario, decidimos pedir a algunos de nuestros artistas favoritos que remezclaran temas del catálogo. Los artistas podían elegir su tema favorito para remezclar y, si teníamos las piezas, o el artista original estaba de acuerdo con que sus temas fueran remezclados, teníamos el match. Catz N Dogz y Acid Pauli fueron los primeros en pedir remezclar «Loverboy», así que tuvieron luz verde. Hubo otros artistas a los que dijimos que no, ya que no quería que «Loverboy» se llevara más protagonismo de la cuenta.

¿Qué relación tienes con Catz N Dogz y Acid Pauli?

Conozco a los tres desde hace mucho tiempo, no sólo por su música, sino también por haber actuado juntos en eventos y habérmelos encontrado en aeropuertos de todo el mundo.

¿Qué hay de sus remixes? Sé que es una pregunta difícil, pero… ¿cuál de los dos es tu favorito?

Siéndote sincero, me gustan mucho las dos mezclas. Suenan muy diferente y, sin embargo, están ambas muy cerca del mix original. El remix de Acid Pauli es como la actualización perfecta del original, que funciona muy bien en eventos más pequeños, mientras que el de Catz N Dogz le ha añadido un poco más de rave con esas percusiones adicionales.

Antes has mencionado a Sublease Music. ¿Qué nos cuentas al respecto?

Es un sello enfocado a temas minimalistas que gusten a los DJs, a medio camino entre el house moderno y el deep tech, con un toque de acid por aquí y por allí. Temas que son geniales para mezclar, que son flotantes y que no tienen grandes breakdowns. Realmente, vivo mucho este tipo de temas ahora mismo y me encanta pincharlos, especialmente en lugares pequeños, que tienen un vibe más íntimo.

¿Qué ve Steve Bug cuando mira hacia la nueva década?

Espero que más gente se dé cuenta de que lo que ve en redes sociales es generalmente falso… y una gran mentira. Y espero que la gente empiece a buscar lo que realmente le gusta en lugar de seguir las modas. Pero también espero que la gente se dé cuenta de que no siempre necesita la mierda más nueva. Realmente, tenemos que preguntarnos «qué es lo que realmente necesitamos». Para la música electrónica, espero que el éxito tenga más que ver con el talento y la música en sí misma, en lugar de con los gustos y la fama. Y, para el planeta, espero que la Humanidad finalmente empiece a trabajar para afrontar los problemas en equipo, como un todo.

PERFIL DE ARTISTA: STEVE BUG

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Entrevista a Hybrasil: “Mi álbum Embers es una fotografía de toda la energía que siento viviendo en Berlín”

Hybrasil (nombre real Will Kinsella) es conocido por tantas cosas que es fácil perder la cuenta. Su historia empezó en su Irlanda natal, donde se adhirió a los movimientos de la Pirate Radio para defender los sonidos musicales independientes y alejados de cualquier tipo de marketing o enfoque comercial. Además de DJ y productor, Hybrasil desarrolló una carrera paralela como técnico de sonido, lo que le ha llevado a convertirse en la mano derecha de Matt Edwards, más conocido como Radio Slave (puedes ver nuestra CUE Interview con él aquí), y Patrick Mason, que juntos forman SRVD (puedes leer nuestra entrevista en profundidad con ellos aquí). Hybrasil es un tipo trabajador, consciente de lo difícil que es sobrevivir en esta industria. Un hombre que apuesta por el trabajo, el esfuerzo, el sacrificio y las interminables horas de curro en el estudio.

Como sucedió con otros muchos artistas de Irlanda, tu historia comenzó en la Pirate Radio.

¡Sí! Escuchaba música electrónica en la radio cuando aún no tenía edad para ir a los clubs. La Pirate Radio fue mi puerta de entrada al mundo de la música electrónica e hizo que empezara a ir a las tiendas de discos, comprar tocadiscos y participar más en la música electrónica como DJ. La Pirate Radio es verdaderamente independiente, los DJs tocan lo que quieren tocar, normalmente son personas de tu comunidad que se lanzan a las emisiones para ofrecer una alternativa a la radio comercial. Esto es realmente el corazón y el alma de la música electrónica. Ese espacio está más ocupado por la radio online ahora, donde las estaciones pueden atender a los gustos en lugar de seguir las tablas y estadísticas. Esto también es muy bueno, pero echo de menos ese enfoque regional anti-establishment.

Uno de tus primeros logros fue crear la DIT DJ Society, por lo que recibiste un premio a tu trayectoria en 2017. Cuéntanos esa historia.

En 2001, empecé a estudiar en el Dublin Institute of Technology, ahora Dublin Technical University. En Irlanda, muchos colegios tienen sociedades, que son financiadas por el colegio y dirigidas por los estudiantes. Creé una sociedad de DJs como colectivo para proporcionar una plataforma para los próximos DJs. Durante cuatro años, establecimos una escuela de DJs y organizamos eventos y competiciones de DJs. Cuando me gradué, dejé ese legado a mi equipo. Aquello crecería hasta convertirse en una de las sociedades de DJs más grandes del país, junto a otras que surgirían en otras universidades.

12 años en la Irish National Radio. Eso es mucho tiempo y, seguro, muchas historias.

La radio fue una gran parte de mi vida, piensa que he transmitido en vivo durante dos horas cada jueves durante casi 10 años. Empecé en un espacio nocturno en una estación de Dublín. Era un show a tres platos. Más tarde, me mudé a RTE, donde comencé a hacer más trabajo documental, como cubrir conferencias como ADE y Sónar. Entrevisté a muchos artistas y aproveché la oportunidad para aprender más sobre la cultura de la música electrónica y cómo abordaban su trabajo en el estudio. Mi programa de radio me llevó a realizar una serie de eventos como ‘Apocalypse Now’, apoyando la misma música que expandíamos desde la radio. Luego escribía la música para esos programas y actuaba en vivo por la noche. Así es como empecé como artista live. Hubo un ciclo de creatividad, mi programa de radio inspiró mi trabajo en el estudio y los eventos que organizaba, que luego se transmitieron a mi programa de radio a través de entrevistas y reportajes con los artistas que actuaban en ellos.

Como ingeniero en tecnología de sonido y música, ¿para qué artistas has trabajado?

Como ingeniero de sonido en Temple Lane y Grouse Lodge, la música en la que trabajé era bastante ecléctica. Grabé un álbum para el artista congoleño de world music Niwel Tsumbu, grabé un álbum para David Griffin, cantante principal de New Secret Weapon. Asistí en un álbum al cantante y compositor irlandés Jimmy McCarthy. En ese momento, había una increíble escena de bandas de garage en Dublín y tuve la suerte de trabajar con un montón de músicos increíbles. En cuanto a la música electrónica, mi primer crédito de mezcla en Rekids fue para SRVD y su increíble remezcla de ‘Another Club’ de Radio Slave. Mezclé su próximo EP Black on Black, que saldría pronto en Rekids, y estoy mezclando el próximo álbum de estudio de Radio Slave. También hago masterización de stem para un sello irlandés llamado Distrackt Records. Me encanta la ingeniería, mezclar y trabajar con otros artistas. Disfruto del lado técnico tanto como de trabajar en mi propia música.

¿Cuánto crees que te ayudó tu perfil como ingeniero a la hora de producir música?

Como ingeniero, aprendí mucho sobre la grabación, el proceso creativo y la composición. Disfruto mucho del proceso de grabación, capturando una pieza musical y trabajando con una banda para obtener los mejores resultados posibles. Al final, me metí en el proceso de mezcla, trabajando con bandas de folk, blues y prog rock. Cuando estás en un ambiente de estudio, también interactúas y trabajas con otros ingenieros. Aprendí mucho de otros productores e ingenieros, fue una gran parte de mi desarrollo técnico y me influyó mucho. La ingeniería me influyó enormemente como productor. Me dio un profundo conocimiento del procesamiento de audio, la grabación, la mezcla, el trabajo con consolas de mezcla analógicas y compresores externos. Cada vez que pongo un pie en un estudio, ese proceso influye en mi forma de trabajar. Cuanto más sabes sobre la mezcla y el proceso de acabado, más eficiente se vuelve tu proceso creativo.

Organizador de eventos, dueño de un sello discográfico y live performer, habiendo actuado, por ejemplo, antes de Jeff Mills & The National Concert Orchestra. ¿Cómo te las apañas para llegar a todo?

¡Me metí a demasiadas cosas! Cuando se hacen varias cosas a la vez, la clave es la gestión del tiempo y trabajar muchas horas. Tienes que ser súper eficiente con tu tiempo y estar dispuesto a trabajar 12-15 horas al día, seis días a la semana. La mayor parte del tiempo, estaba operando con 4-6 horas de sueño por noche. En ese momento de mi vida, era necesario. Aproveché cada oportunidad que se me presentó para seguir avanzando a todos los niveles. La desventaja de trabajar así es que te lleva al agotamiento y te afecta creativamente. Por eso me mudé a Berlín, para centrarme más en el trabajo de estudio y en mi sello Hybrasil.

Y fue allí donde empezaste a trabajar junto a Radio Slave para su sello Rekids y para su proyecto SRVD con Patrick Mason. ¿Fue mudarse a Berlín tu mejor decisión hasta la fecha?

Mudarme a Berlín ha sido la mejor decisión que he tomado en mi vida. Me ha permitido concentrarme realmente en mi trabajo de estudio. El año pasado, Radio Slave me pidió que ayudara con el show en vivo de SRVD en Panorama Bar. A partir de ahí, empecé a trabajar con él como técnico de estudio y sigo trabajando con SRVD en su show en vivo. Matt y Patrick son personas increíbles con las que trabajar, he disfrutado mucho mis ratos con ellos. Hay muchos aspectos de la vida en Berlín que me encantan. He aprendido mucho sobre el mundo de los modulares, a base de ir a Schneidersladen y Superbooth. Trato de ir a Hard Wax al menos cada dos semanas. Voy al Berlin Atonal, en el Kraftwerk, cada año. También me encanta la comida de Berlín; si eres vegetariano, es un gran lugar para vivir y comer fuera.

¿Cómo acabaste trabajando con Radio Slave y Patrick Mason?

Cuando llegué a Berlín, no tenía nada planeado en términos de trabajo. Fue un gran ejercicio de fe que acabó funcionando. Conocía ya a Radio Slave de mi época como promotor. Lo contraté por primera vez en 2012 y le he estado enviando música desde entonces. El año pasado, cuando me pidió que les ayudara en el programa en vivo de SRVD, empezaron a fluir las cosas entre nosotros.

En mayo, publicaste tu primer EP en Rekids y, ahora, tu álbum debut Embers también ha salido en el sello.

El EP fue algo en lo que estuve trabajando para Matt durante mucho tiempo. Creo que Bishop fue firmado originalmente en 2016. Me llevó un tiempo empaquetarlo bien. Después de que saliera el EP, empecé a trabajar en una serie de temas inspirados en el tiempo que llevaba viviendo en Berlín y mis experiencias en la ciudad. El álbum fluyó mucho una vez que encontré mi voz dentro de esas influencias.

¿Cómo lo produjiste?

Compuse el álbum en Ableton. Utilicé algunas grabaciones de mi equipo en el estudio de Dublín, como mi Roland TR-909 y mi Roland SH-09. La parte creativa para mí es escribir el coro de la canción, una vez que tengo eso y he reunido algo de mis varias fuentes de sonido, compongo el arreglo en Ableton. Una vez que estoy contento con el arreglo, lo represento todo en stems y mezclo la pista en Logic.

Embers es tu primer álbum. Debe significar mucho para ti.

Me he inspirado mucho en la vida en Berlín, en mis experiencias en la ciudad y en la gente que he conocido aquí. Embers fue mi manera de tomar esa energía y sacarla de nuevo a la luz. Es una fotografía de toda la energía que siento viviendo en Berlín.

¿Qué ve Hybrasil en el horizonte?

Hice mi primer show en vivo en Panorama Bar el 7 de febrero con Rekids, junto a Radio Slave, Mark Broom y Alinka. Fue una noche musicalmente increíble de principio a fin. Disfruté mucho actuando allí. He producido mucha música desde el álbum. Mi próximo lanzamiento con el sello Hybrasil sale el 27 de marzo. El EP se titula Osiris y contiene tres temas de mi show en vivo. Tengo más material que saldrá en Rekids en unos meses, que incluirá cuatro nuevos temas que Radio Slave ha estado tocando recientemente. Hace poco también terminé un remix para Rekids y hemos estado hablando sobre un EP de remixes para mi álbum. Fuera de mi trabajo en el estudio, estoy haciendo muchas mezclas y masterización de temas para diferentes sellos y artistas, realmente disfruto trabajando con la música de otras personas. Ya hay algunos espectáculos bien chulos en el calendario. Tengo ganas de este año.

PERFIL DE HYBRASIL

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