Era uno de esos días en los que Razzmatazz se llenaba mucho antes de la medianoche. Era un día grande. En formato directo, así que, de algún modo, en formato concierto, el ecuatoriano Nicola Cruz presentaba los sonidos de su segundo álbum de estudio. Prender el Alma fue el primero y se publicó en 2015. De por medio, lanzamientos sencillos, varios EPs e incontables remixes. Hasta que a finales de 2019 ha llegado Siku.
El segundo larga duración de Nicola Cruz consta de 11 pistas. Con cada una de ellas, el productor nacido en Francia se acerca a distintas culturas del planeta, adoptando sonidos étnicos y ancestrales e incluyéndolos en su ya de por sí extensa biblioteca de samples e instrumentos.
Nicola Cruz pres. «Siku» live @ Razz 1 (Razzmatazz Clubs)
Nicola Cruz performed live this last Saturday at Razzmatazz Barcelona presenting his new «Siku» LP, an album with which he gets closer to the music of other cultures, collaborating with several artists from around the world. It was a magic night.
Posted by Xceed on Thursday, September 12, 2019
La Sala 1 de Razzmatazz empezaba a menearse a eso de las 22h. Sano abrió la noche con una sesión en la que los ritmos tropicales, principalmente percusivos, se apoderaron de la pista. Desconocemos si estaba pactado, pero, cuando Nicola Cruz saltó al escenario principal -rodeado por vegetación y un poco más tarde de lo previsto debido a que aún había mucha gente en la cola- siguió la misma tónica.
Es normal, pues Siku es un álbum en el que la percusión juega un papel protagonista. “Hacia delante”, “Obsidiana”, “Señor de las piedras” y “Esu Enia” son los mejores ejemplos. Nicola Cruz no se limitó a mostrarnos únicamente el nuevo trabajo, sino que echó la mirada al pasado regalándonos emotivos momentos, como aquel en el que empezamos a reconocer los graves de su versión del “Battaki” de Umeko Ando.
La pista estaba a rebosar. Razzmatazz colgó el cartel de SOLD-OUT y viajó junto a Nicola Cruz a través de músicas étnicas convertidas en temas de club. Como si de dos seres únicos se tratara, música y público retroalimentaban sus energías. Nicola Cruz fue imprimiendo potencia e intensidad a los espectros más graves de su música -aunque sin dejar nunca de lado los bajos bpm y la elegancia que siempre le ha caracterizado-, mientras el público gritaba, aplaudía y ovacionaba a cada drop.
Hora y media después, Nicola Cruz se llevaba un sonado -y largo- reconocimiento de parte de toda Barcelona. Una ovación que dejaba bien claro que Razzmatazz tenía ganas de más. Nicola Cruz volvió a ponerse a los mandos, esta vez en formato DJ, después de que Sano le diera un respiro de dos horas. La pista siguió bailando al ritmo de uno de los artistas más influyentes del downtempo moderno, antes de que el productor catalán beGun pusiera el broche de oro a una noche para enmarcar en los despachos del club. La relación entre Nicola Cruz y Barcelona sigue estando tan viva como siempre. Nunca estaremos suficientemente agradecidos.
Cuando uno piensa en música electrónica y en un país como Chile, piensa, sobre todo, en gente como Luciano o Ricardo Villalobos. Ellos son, en efecto, los máximos embajadores de la cultura electrónica del país andino. Sin embargo, tras ellos, fue llegando a Europa una segunda generación de artistas chilenos. Una generación que se distingue de la otra por haberse criado en su país natal. Son exportadores. Son artistas que nos permiten acercarnos a las tendencias underground de uno de los países más fructíferos de América del Sur. Lidera esa segunda generación Francisco Allendes, habitual residente de la fiesta ibicenca ANTS (tiene lugar cada sábado en Ushuaïa Ibiza Beach Hotel) y uno de los máximos exponentes del sonido tech-house a nivel mundial.
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“Me prometí que, si a los 30 no había alcanzado cierto nivel económico con la música, me dedicaría a otra cosa. A los 29, me ofrecieron ser residente de Ushuaïa y decidí apostar por la música.” Francisco, si traducimos estas frases tuyas de hace un tiempo… no abandonaste la música por escasos meses.
Así es. Yo ya estaba casi buscando un trabajo alternativo, aunque venía de firmar dos discos en Cadenza (uno de ellos, muy potente) y uno en Kling Klong y tenía la sensación de que cosas importantes podían estar a punto de pasar. Ese Cadenza hizo que Ushuaïa picara a mi puerta y mi vida cambiara. Si no, ahora estaría probablemente trabajando ocho horas al día en una oficina.
Para que quede claro, ese disco tan importante fue Llovizna.
Sí. Yo había producido mis mejores temas en marzo y abril de 2009. Medio año después, viajé a Ibiza para los cierres de temporada con un amigo que conocía a los dueños de Ushuaïa. Así que fuimos para allí, al antiguo chiringuito, en la playa. Luciano, Marco Carola y Richie Hawtin estaban pinchando ante 11.000 personas. Y Luciano puso “Llovizna”, desatando la locura entre el público. Un tipo me preguntó de quién era el tema. Cuando le dije que era mío, se me presentó: “Pues enhorabuena. Lleva petándolo todo el verano. Encantado de conocerte. Soy uno de los dueños del local.” Unos meses después, me ofrecieron la residencia.
Produjiste el tema junto a Felipe Venegas. ¿Cómo sucedió?
Felipe y yo llevábamos ya un tiempo produciendo por separado en Santiago de Chile. Felipe siempre ha sido mucho más melódico que yo. Un día, me mostró un loop de un arpegio que utilizaba siempre en sus lives. Yo llevaba tiempo investigando texturas, voces e instrumentos que se pudieran samplear y di con esta vocal de una cantante boliviana. Esa voz casaba perfectamente con el arpegio de Felipe. Empezamos a jugar con eso y Felipe acabó uniéndolo en directo en un live que hizo en un afterparty en Chile. Luciano estaba de vacaciones visitando a su familia y estaba en ese after. Se interesó por el tema y pidió publicarlo en Cadenza. Yo no podía creérmelo cuando Felipe me lo contó al día siguiente. Pulimos el tema, lo firmamos juntos y lo publicamos.
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Hace 10 años de eso…
Sí. De hecho, en octubre vamos a publicar un disco de homenaje por el X aniversario de “Llovizna”. Incluirá un remix de Luciano, algunos más aún por anunciar y un edit conjunto mío y de Felipe. Ya está todo terminado. Sólo falta arrancar con las promociones hasta que llegue la fecha de lanzamiento.
Algunos de esos edits ya están sonando en los mejores clubs del mundo…
¡Eso he visto! El otro día, por ejemplo, Luciano pinchó su mix en Amnesia y Kölsch lo utilizó también en elrow – así que sí, ya está consiguiendo un gran apoyo.
Miramos a tu pasado y nos topamos con una formación de conservatorio en Chile durante casi 10 años. Sin embargo, hay muchos DJs y productores que llegan a lo más alto sin tener esa formación. ¿Qué aportan esos conocimientos? ¿Marcan realmente diferencias?
A la hora de sentarse a producir, te ahorra tiempo y te acorta distancia. Si yo quiero lograr una melodía, sé cómo crearla. En cambio, tengo amigos que son grandes productores, pero que van disparando teclas hasta que dan con la adecuada. Es como jugar al billar. Puedes tener una gran formación y conocer los cruces de vectores o puedes ganar un Mundial sin tener ni idea de física. Con la música pasa igual. El oído manda y puedes desarrollarlo sin tener la educación adecuada. Ahora bien, con educación musical, siempre es más fácil y eres más consciente de los procesos y de por qué algo funciona o no funciona. De todos modos, también debo decir que hacer electrónica tras haberme formado 10 años en un conservatorio es utilizar apenas un 10% (o menos) de todo lo que sé. Es como matar moscas con un cañón.
¿Te planteas entonces ir un paso más allá a nivel de producción en un futuro?
Cuando he tenido la oportunidad de hacer integraciones, lo he hecho. En Chile, he trabajado con televisión, orquestas, bandas e incluso he tocado el violín en directo mientras pinchaba. Pero no, ahora mismo no es un propósito. Dejo que las cosas surjan. En mi etapa actual es complicado. Entrar en proyectos tan complejos quita mucho tiempo, ya que dependes de mucha gente.
Lo del violín pinta bien…
Sí, es la idea que más me ronda la cabeza, pero el sonido que obtengo de ello no termina de cuajar con lo que busco. Es demasiado cheesy y está muy quemado, al igual que el saxo. Hasta que no vea que puedo hacer algo realmente novedoso, no voy a mover ficha.
Si seguimos mirando a tu pasado y a tus inicios en tierras chilenas, encontramos también un sello llamado Andes Music.
Fue una aventura que emprendí con Marcelo Rosselot. Queríamos empezar a pinchar en fiestas y en clubs y sabíamos que, teniendo nuestro propio sello, se nos abrirían más puertas. Y así fue. Creamos Andes Music y nos llamaron para pinchar en Argentina, Perú, Brasil, Ecuador, Uruguay e incluso EE.UU. En aquella época, todavía se vendían muchos discos en vinilo y nos convertimos en el único sello chileno que los distribuía a nivel mundial (ahora habrá unos 10, más o menos).
Sí. Marcelo y yo nos separamos y el sello quedó en sus manos y en las de otro socio. Siguen sacando algunos discos, pero yo me desligué. Había que invertir demasiado.
¿Cómo estaba la escena chilena en aquel momento?
Ha habido distintas generaciones o camadas en la electrónica nacional chilena. Cuando Pinochet subió al poder, muchos chilenos se exiliaron a Europa, así que empezamos a ver cómo crecían grandes artistas nacidos en Chile, pero criados en Europa. Luciano y Ricardo Villalobos son claros ejemplos. Gracias a ellos, Europa puso el foco en Chile, miró hacia nosotros y fue posible que una segunda generación, nacidos y criados en el país, pudiéramos soñar con volar a Europa algún día. Piensa en la historia de “Llovizna”. No llega a ser porque Luciano estaba de vacaciones en Chile visitando a su familia y todo esto no habría sucedido.
Podemos decir que el talento ha estado siempre presente en Chile, pero, ¿qué hay de los eventos?
Entre 2007 y 2011, había, como dices, mucho nivel en términos de producción musical, pero no había grandes eventos. Era imposible dedicarse a la música. No había escena. Por eso, todos nos poníamos como meta viajar a Europa. Ahora, en cambio, cuando vuelvo a Chile, me encuentro con mega eventos de 5.000 o 6.000 personas cada semana. Tenemos nuestra propia edición de DGTL, Lollapalooza, Magic Garden, Creamfields, Dreambeach, tres fiestas de elrow cada año…
¿Distribuidos por el país o concentrados en la capital?
Está todo muy concentrado en Santiago. Últimamente, sí hemos visto algunos ligeros focos fuera de la capital, pero, en Chile, absolutamente todo se concentra en la capital.
Imagino que ahora te apetecerá volver a Chile más que antes…
Antes, cuando visitaba el país, tenía uno o dos bolos como mucho. Ahora, cada vez que voy, hago, como mínimo, ocho o nueve. Y descubro siempre a nuevos talentos nacionales. Se viene una tercera generación de artistas muy interesante, con gente como Pablo Inzunza (con quien publiqué un EP en Desolat), Cris Ocaña o Nico Ferrada (que ha publicado ya con De la Swing en ElRow Music).
¿Los clubs están a la altura?
Allí hay tres o cuatro clubs que tienen sonido Funktion One en cabina y en sala. Antes, esto era impensable. Ah, y tenemos La Feria, un club de Santiago que lleva años afianzado entre los mejores 100 clubs del mundo.
No puedo dejar de lado el repaso a tus inicios sin hablar de tus primeros bolos… ¡Pinchabas pachanga!
(risas) ¡Pero era pachanga más intelectual! El reggaetón no existía. Aquello era pachanga ultra bailable. Funk, disco, música alternativa… Pero para nada electrónica. Había pop, hip hop, cumbia…
¿Qué temas recuerdas usar más frecuentemente?
Recuerdo el “Watermelon Man”, a Mongo Santamaría, a Kurtis Blow… Pero también tiraba cosas de Cassius, Dimitri From Paris, Modjo, Daft Punk, incluso de Paulina Rubio con alguna base techno. ¡Iba mezclando de todo!
Dejémoslo claro: esos géneros no son tus favoritos. En realidad, lo tuyo es el rock y el jazz.
Correcto. Yo empecé con música más clásica, pero los amigos me enseñaron música más rompedora y empecé entonces con el jazz. Frank Zappa fue un referente. Luego me pasé al jazz más vanguardista. Me crie en esos terrenos, aunque hablamos siempre de música no bailable. Cuando empecé a salir a discotecas, empezó a interesarme también la música de baile más refinada.
Y, un día, Francisco Allendes llega a su casa y dice “me voy a Europa”. ¿Cómo recuerdas ese día?
Mis padres ya veían desde hacía años que me interesaba mucho la música. Yo empecé con esto cuando entré en la universidad, mientras estudiaba Economía. Fue al terminar mi carrera, cuando decidí tomarme un descanso e intentar esto de ser DJ. Si fallaba, ya tenía mis estudios aprobados y podría empezar a trabajar. Así que mis padres, en cierto modo, vieron que hacía las cosas con responsabilidad. No les gustaba la idea, pero apostaron por mí y me apoyaron. Piensa, también, que, durante los primeros años, yo iba y venía cada tres meses con visado de turista. No es que de un día para otro decidiera irme a Europa sin billete de vuelta.
Aun así, tres meses en Europa es algo que asusta para un padre o una madre.
Sí, pero yo nunca he sido un gran fiestero o raver, sino simplemente un apasionado musical. Por eso, mis padres estaban tranquilos. Ellos sabían que yo no me iba a Europa a salir de fiesta o entregarme a las drogas. Nunca tuvieron ese miedo. Cuando salió lo de Ushuaïa, ganando dinero y actuando tres veces por semana al lado de los mejores DJs del mundo, ninguno tuvimos dudas. Esa era la oportunidad que había ido a buscar y la tenía en frente de mí. Cogí mi nómina y me vine definitivamente a Europa.
¿Qué fue lo que más te sorprendió o impresionó de Europa en tus primeros viajes?
Vi un nivel de profesionalidad en la industria que yo jamás había imaginado. Y vi que las puertas que buscaba estaban ahí, al alcance de mi mano. Simplemente, había que abrirlas. Fue entonces cuando me di cuenta de que yo no tenía a mi alrededor la estructura necesaria. No tenía agencia, no tenía management, no tenía estudio de producción… Fueron años duros, sobre todo los primeros cuatro, que me los pasé casi siempre encerrado en el estudio de un compañero.
Eso fue en Zaragoza, algo que quizás muchos no sepan.
Cuando terminé mi primer disco (fue en Chile en 2004 y, por cierto, era horrible), organizamos una fiesta de lanzamiento y el promotor del evento era un amigo DJ que era de Zaragoza. Vio mi directo y me invitó a visitar su estudio en España, ya que él no controlaba mucho de producción. Terminé mi tesis doctoral y al día siguiente ya estaba volando. Él pinchaba los viernes en Zaragoza y los sábados en Family Club, en Madrid. Yo le acompañaba siempre y eso me permitió ver por primera vez a ídolos como Jeff Mills, DJ Rush, Derrick May, Cristian Varela u Oscar Mulero.
Tras esos primeros años, terminaste en Ibiza, tu actual hogar. ¿Te ves ahí para siempre?
Yo creo que sí. He formado una familia en la isla (mi hijo es ibicenco), hemos comprado un piso en primera línea de mar en Playa d’en Bossa y somos muy felices allí.
“Ibiza ya no es lo que era.” Siempre dices que llevas escuchando esta frase desde 2010. ¿De verdad no has notado un empeoramiento en las condiciones que se encuentran los clubbers al aterrizar en la isla?
Los precios y todo el sector turístico han cambiado, pero para todo el mundo, no sólo para los clubbers. Se dice que Ibiza es la isla de la electrónica, pero los clubes están concentrados en dos o tres calles e Ibiza es mucho más que eso. Es campo, familia, playa, espiritualidad… Hay un movimiento musical, sí, pero siempre ha sido cambiante. Hace 30 años, había otro movimiento cuando entró la electrónica. Quizás los rockeros de la época también se quejaron, pero es que las escenas van siempre cambiando en todo el mundo.
Parece que lo que antes eran reclamos para ir a Ibiza, ahora ya no son factores decisivos: los line-ups, los horarios de los clubs…
Y también los sonidos. Ibiza ofrecía sonidos nuevos y diferentes, pero ahora está todo extendido por el mundo. Es más difícil descubrir nuevos sonidos. Si alguien triunfa en Ibiza, triunfará por todo el mundo. Así que la exclusividad musical ya no existe realmente, aunque no es algo de lo que lamentarse. Las escenas cambian y la isla lo refleja. No hay más.
Eso me hace pensar en el reggaetón.
Por ejemplo, sí. Muchos critican su llegada a la isla, pero es que Ibiza no es sólo la “isla de la electrónica”, sino también la “isla del ocio, el entretenimiento y el turismo”. Y los clubs, no lo olvidemos, son también empresas y buscan generar ingresos. La época dorada de la electrónica era dorada porque la electrónica vendía cantidades locas de entradas. Hoy en día, ya no vende así. Pero está pasando en todo el mundo. Los puristas de la electrónica siempre han sido un nicho. En las épocas doradas, había mucha gente que iba a esos eventos, pero algunos de ellos iban sólo porque estaba de moda.
Hasta ahora, hemos hablado siempre de que Ushuaïa te cambió la vida, pero, ¿qué hay de ANTS? Fue con ANTS que tu nombre empezó a hacerse grande, ¿no es así?
Realmente, sí. Antes de ANTS, hubo hechos que me ayudaron a ir dando pasos (venir a Europa, firmar con Desolat…). Pero fue realmente ANTS quien se la jugó y apostó por mí, llevándome por todo el mundo. Empecé con ellos en 2013, hasta que me ofrecieron la residencia en 2015. La gracia de ANTS es que es un concepto diferente a los demás, porque no gira alrededor de un único headliner. Es una marca que gira en torno al hecho de formar una colonia. Es una experiencia diferente. La gente que va a ANTS se entrega a una música de cierto nivel, independientemente del cartel. Cuando, como DJ, te toca ir antes o después de un headliner en algunas fiestas, sabes que no te prestarán la atención que desearías. En cambio, en ANTS, a todos se nos trata por igual. No hay jerarquías de por sí y eso hace que nos presten mucha más atención a todos. Actuar en ANTS es una pasada.
El significado de la fiesta es también bonito… y peculiar.
Sí. Es una fiesta para los trabajadores de Ibiza. Si tienes contrato laboral en la isla, entras gratis. Está pensado para trabajadores. Y las hormigas son quizás el ser más trabajador que hay en la Tierra. Las hormigas duermen en invierno y trabajan en verano. Con Ibiza pasa lo mismo. ANTS es música underground y las hormigas viven bajo tierra. Las hormigas son negras y la gente de la escena underground suele vestir de negro. Hay muchas similitudes.
Gracias a ANTS has terminado conociendo a gente fundamental en tu vida, como Paola Poletto.
Sí, fue con ellos que empecé a girar por todo el mundo pinchando b2b con Paola Poletto. Ahora mismo, estoy casado con ella y es la madre de mi hijo.
Mientras a algunos les gusta la lectura, el tenis o, si me apuras, el baloncesto o el fútbol, a Allendes le gusta el cross-fit. No es algo muy común entre los DJs, ¿verdad?
No es muy común, pero empiezan a aparecer algunos. HERR va al mismo box que yo en Barcelona, por ejemplo. Carl Kennedy, artista de Nueva York, también es un gran aficionado. Yo llevo solo un año. Y también tengo otras aficiones, como leer y, por supuesto, dormir.
¿Por qué el cross-fit?
Tengo 38 años y sentí que necesitaba algo para estar más fresco, sobre todo a la hora de viajar. Es un deporte entretenido, fuerte y dinámico y genera una comunidad muy diferente a la que suelo tener a mi alrededor. Con él, consigo escapar de ciertos círculos y conocer gente de otros ámbitos. Y tengo un gym a 300 metros de casa. Eso ayuda, claro.
Y cuando viajas, ¿qué?
Intento mantenerlo. Yo hago cinco sesiones de una hora por semana. Si estoy en Ibiza de lunes a viernes, entreno esos cinco días y me olvido. Si viajo entre semana, me las arreglo para buscar un lugar donde entrenar. En Chile tengo otro box y en Barcelona, también. Al final, uno siempre encuentra excusas para no hacerlo. Hay que obligarse y no permitirse ni una excepción. A la que falles un día, estás perdido.
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Por último, queríamos preguntarte qué significa para ti la frase “I need a DJ”.
(risas) Cuando llegué a Ibiza, vivía en un apartamento con distintos tipos originarios de la isla. Uno de ellos era un buen fiestero. Un viernes o sábado por la mañana, me despertó diciéndome “I need a DJ”. Supuestamente, estaba el salón lleno de gente esperando para que pusiera música. Cometí el error de creérmelo y levantarme. Ahí estaba yo, pinchando para tres personas que querían seguir la fiesta. Desde ese día, los odio… (risas)
Quinta edición del festival holandés DGTL en el Parc del Fòrum de Barcelona. El cartel, en realidad, no traía a la ciudad nada especialmente nuevo, más allá de una decena de prometedores talentos aún por descubrir para el gran público, pero que apuntan ya a ser referencias en la escena clubbing del futuro (os los destacábamos en nuestra guía previa al festival).
El viernes supo a poco. Es una opinión contrastada, una sensación compartida entre muchos de los casi 15.000 asistentes que intentamos (sin éxito) llenar los escenarios AMP, Generator, Modular y Frequency. El madrugador y demoledor set de Anetha, nueva figura de la escena rave europea, el preciosismo del directo étnico de Satori, el disparo mental y envolvente de Octo Octa (también en formato live) y el atrevimiento de la selectora Ylia fueron algunas de las pocas excepciones a destacar.
Mencionar a todos ellos era cuestión de justicia, como lo es también destacar el impresionante directo de Henrik Schwarz en la noche del sábado en el Modular y la sorprendente sesión de Marco Carola al mismo tiempo en el AMP -aceleró el pitch más de lo normal y trasladó al público a sonidos del pasado con el dance old-school de gente como Groove Armada con su “Superstylin” o el minimal techno de M!nus con el “Porch” de Marc Houle-. No menos brillantes fueron las sesiones de los DJs Todd Terje, Bedouin y Acid Pauli en la Closing Party del domingo, también en el AMP. DGTL fue de menos a más, pero hubo cinco nombres que tocaron el cielo, cinco artistas que, en DGTL Barcelona, se consolidaron como titanes en lo suyo. alquiler limusinas y hummers barcelona
5. Barnt & Roman Flügel
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Uno de los alicientes del cartel era la exclusividad de algunas uniones sobre el escenario. Fue el caso del primer b2b2b de la historia del festival con Dubfire, Seth Troxler y Tiga (sucedió el viernes en el AMP). Y también fue el caso del b2b de Barnt y Roman Flügel. Larry Heard le puso el broche a su concierto junto a Fatima y Paul Cut cantando el sempiterno “The Sun Can’t Compare” y creando entre el público una atmósfera mágica. Era todo un reto ponerse a los mandos del Modular después de aquello. Barnt y Roman Flügel superaron la prueba con un éxito incuestionable. Tanto, que incluso pareció por segundos que Larry Heard se iba a marcar un bis. Pero no, el sonido venía desde el mixer que estos dos grandes diggers compartieron durante 120 minutos para llevarnos de un house al más puro estilo Chicago a tonos más propios del melodic y el deep techno. Mantuvieron siempre un aire progressive y abrieron la puerta a alguna que otra rareza, eliminando así cualquier atisbo de monotonía. Algunas veces, los b2b inéditos fracasan. Otras, dan con la tecla adecuada y suponen un punto de partida. Ojalá veamos a Barnt y Roman Flügel juntos de nuevo. En cualquier caso, el recuerdo permanecerá ya para siempre.
4. Xosar (live)
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Xosar era uno de los nombres marcados en rojo como imperdible en el itinerario. La artista americana afincada en Berlín alcanzó unos niveles de improvisación nunca vistos en DGTL hasta la fecha. No percibimos apenas estructuras clásicas de track. Fue una hora de directo totalmente imprevisible, en el que drones, bases rotas, pellizcos noise y sintetizadores raveros y ácidos lograron que los más madrugadores del Generator (eran las 18h del sábado) se entregaran a los encantos de esta peculiar y esotérica performer que, si no lo es ya, pronto será un pilar fundamental del sonido más rave del continente.
3. Colin Benders (live)
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Nunca falla. Colin Benders sorprendió a todos los que se agolpaban (de nuevo en el Generator) para ver de cerca al rey del sintetizador modular. Actuó de espaldas al público. O, según como se mire, con sus cajas modulares de cara al público, permitiendo que toda la pista pudiera observar en primera persona todo su trabajo. Cualquier asistente a DGTL pudo así disfrutar más que nunca y desmelenarse junto a Colin Benders, quemando zapatillas siguiendo sus ritmos techno ácidos y sin pausa. Era viernes y, tras el gran opening de Anetha, ese escenario requería algo así. Hacía falta un revolucionario. Y ese fue Colin Benders.
2. Skatebård
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Algo dentro de nosotros nos decía que la sesión de Skatebård no iba a ser una más. Viene de protagonizar una de las mejores actuaciones en el festival de referencia Dekmantel y su nombre es ya uno de los más grandes en su Noruega natal. Fue el penúltimo en poner música en el Frequency. Antes que él, Mr. Scruff. Tras él, Lil’ Louis. El resumen podría ser “música house”, pero Skatebård quiso darnos algo más. Con joyas como el “Super People” de Sunlightsquare o el “Take Me Away” de Pin Up Girls y con su simpática puesta en escena, nos llevó de viaje a épocas doradas del dance, el disco y el italo. Dos horas que serán difíciles de olvidar.
1. Paula Temple
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Se llevó una de las mayores ovaciones del fin de semana. Como siempre, a caballo entre el live y el DJ set, Paula Temple se atrevió con prácticamente todo cuanto sonara violento. Como si del mismísimo demonio encarnado se tratara, la artista inglesa fue acelerando el pitch sin mesura, mientras el tono de la performance iba acercándose a un estado de demencia incontrolable. Cada agregación de elementos causaba estruendo. Cada movimiento en cabina, gritos en pista. La gente se entregó al rave de Paula Temple, ese sonido difícil de catalogar que no es ni techno, ni acid, ni electro, ni industrial, ni EBM, sino todo a la vez. En los tiempos que corren, es una propuesta musical única en el mundo. Y DGTL se entregó a ella como ella se entregó a DGTL.
DGTL lleva haciéndolo así desde su nacimiento en Amsterdam hace siete años. Tan sólo dos después, ya exportó su concepto a otra de las ciudades más avanzadas de Europa en materia de industria y modernización: Barcelona. Hablamos de una apuesta por combinar lo contrastado y lo nuevo en materia de música underground. Hablamos de un festival que entiende de diversidad de gustos y atmósferas. Con una estética 100% industrial y en cuatro escenarios -Modular, Generator, AMP y Frequency, nombres que emulan a distintos componentes de la producción musical electrónica-, DGTL combina estrellas contrastadas de la escena DJ underground con propuestas mucho más difíciles de encontrar en el calendario anual de la ciudad.
El techno de corte industrial y acelerado estará bien representado con eminencias del género como Jeff Mills, Len Faki, Marcel Dettmann, Paula Temple o Chris Liebing. El tono big-room, pero igualmente ácido y acelerado, incluso con aportaciones trance, correrá a cargo de gente como Charlotte de Witte, Anna o el dúo alemán Pan-Pot. Las melodías más intimistas y cercanas al deep y al house llegarán con Mano Le Tough, Tale Of Us, Henrik Schwarz, Barnt y Roman Flügel o el inédito b2b de los aclamados productores Recondite y Marcus Worgull. Por último, los amantes del tech-house, el groove, el house y el disco podrán hartarse a bailar con Marco Carola, Paco Osuna, Jeremy Underground, Moxie, Lil’ Louis, Larry Heard o el esperadísimo b2b2b entre Seth Troxler, Dubfire y Tiga.
¿Esto no te convence o buscas una ruta alternativa? ¿No acudes a DGTL para escuchar lo que ya conoces? ¿Quieres descubrir? Nosotros somos de esos, así que te hemos cocinado una pequeña lista con 10 actuaciones de artistas que (tal vez) no conozcas y que, creemos, te sorprenderán. Si vas a alguno de estos shows… ¡allí nos veremos!
VIERNES
Anetha [18h a 20h // Generator]
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Como veis, Anetha lleva ya tiempo cosechando en su estudio trabajos de nivel. Esta joven productora francesa forma parte del colectivo Blocaus, afincado en París, y es uno de los talentos ascendentes más llamativos de la escena rave europea. Su sonido es acelerado, denso y oscuro y suele abogar por referencias al acid de los 90. Habrá que mentalizarse para empezar el festival ya con ganas de rave.
Satori (live) [20:30h a 22h // Modular]
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No es en absoluto un joven talento, pero quizá algunos no conozcáis o no hayáis sido aún hechizados en primera persona por los encantos del holandés Satori. Este multiinstrumentista holandés ha dejado que múltiples influencias del mundo impregnaran su espectro sonoro. El resultado es un directo en el que, con diversos aparatos, Satori nos lleva de viaje abrazados por bases tribales y sonidos étnicos de bajas revoluciones.
Octo Octa (live) [21h a 22h // Frequency]
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En 2018 llegó al estrellato con un directo avasallador en Sónar Barcelona. Este año, visitó también la ciudad catalana actuando en formato DJ b2b con Eris Drew, con quien también enamoró este mismo agosto al mainstage de Dekmantel. En DGTL, volveremos a disfrutar de Octo Octa en solitario y live, pudiendo así navegar entre sus predilecciones por el UK garage, el house del siglo pasado y el techno downtempo más introspectivo, lineal y envolvente que uno pueda imaginar.
Colin Benders (live) [22h a 23h // Generator]
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Es músico y director clásico, pero, en sus ratos libres, el holandés Colin Benders se coloca frente a gigantescos muros de sintetizadores para improvisar e interpretar un acid techno que bien podría sonar… en la mejor rave del mundo. Su peculiar gusto por ese sonido analógico lo ha convertido en el auténtico rey de los modulares. Su ascenso en el último año y medio ha sido masivo, llegando a tocar el techo en 2018 llevando su particular laboratorio al festival Awakenings. Esta es una de las grandes citas imperdibles de este DGTL Barcelona 2019.
Mr. G (live) [00h a 01h // Frequency]
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Colin McBean ha enseñado a muchísima gente a lo largo de su vida, tanto en las aulas, como sobre un escenario. Su obsesión por reducir las performances y la ejecución del directo al mínimo lo ha llevado a ser uno de los performers más genuinos y arriesgados de la escena house británica. Veterano de guerra, Mr. G (así se hace llamar) nos hará bailar más que nunca, aunque será difícil que alguien consiga moverse mejor de lo que lo hace él. ¡Imperdible!
DJ Harvey [01h a 03h // Frequency]
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Sabemos que muchos ya conoceréis a DJ Harvey, pero, analizando bien los horarios (su cierre coincidirá con los de Tale Of Us, Stephan Bodzin, Marcel Dettmann y Pan-Pot), creíamos necesario hacer hincapié en su actuación. Este selector y coleccionista londinense fue uno de los grandes apoyos que permitieron que se creara ese puente de conexión entre lo underground del Reino Unido y de EE.UU. Funk, house, perlas disco imperecederas… Sus sesiones son una fiesta, literalmente. Un auténtico desparpajo que, con razón, convirtió a DJ Harvey en el gran icono de Ibiza durante más de dos décadas. Leyenda entre leyendas, su cierre en el Frequency se presenta antológico. Quien avisa no es traidor.
SÁBADO
Xosar (live) [18h a 19h // Generator]
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Shazam no os será de mucha ayuda durante este directo. Xosar improvisa cada vez que comparece ante su público. Con cajas de ritmo y múltiples secuenciadores, la estadounidense ofrece una propuesta techno sin miramientos, en la que apenas existe parón para el respiro y en la que, también, ciertas bases experimentales y futuristas tienen cabida. Al no tratarse (mayoritariamente) de temas ya pre producidos o ensayados, sus shows superponen un sonido sobre otro constantemente, generando así una sensación de locura colectiva en la pista. De nuevo, el Generator empezará muy pronto a desmelenarse con ella.
Mr. Scruff [21h a 23h // Frequency]
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Mr. Scruff es un tipo curioso. Sabe de té más que nadie en el mundo y el humor es algo que se le da muy, muy bien. Lleva regalándonos musicón desde 1994. El house clásico es su mayor bandera, aunque siempre se ha caracterizado por protagonizar sesiones extendidas en las que, sencillamente, pincha de todo. En DGTL tendrá dos horas para mostrarnos de lo que es capaz uno de los grandes talentos ocultos del género.
Skatebård [23h a 01h // Frequency]
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Cuando la escena disco de tu país tiene como referentes a Todd Terje, Lindstrøm y Prins Thomas, es relativamente comprensible que talentos como Skatebård llamen la atención de los melómanos más curiosos. Pocos consiguen proyectar con sus sesiones tanta felicidad como él. Disco, house, melodías que llenan hasta el alma más solitaria… La actuación de Skatebård en DGTL es un must para cualquier digger en busca de nuevos y delicados sonidos.
DOMINGO
Acid Pauli [20h a 22h // AMP]
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Una de las grandes novedades de este año en DGTL es que, en la jornada de domingo, tendremos Closing Party, también en el Parc del Fòrum. Será en el escenario AMP, el único situado bajo techo en todo el festival. Es un factor clave para combatir al calor, ya que la fiesta transcurrirá entre las 13h y las 22h. Las últimas dos horas serán para Acid Pauli. Ese es el aka del alemán Martin Gretchmann, un tipo que, además de encargarse de los sintetizadores de la banda 13 & God, produce música electrónica de múltiples formatos. Su performance, siempre a caballo entre el híbrido y el DJ set y 100% ecléctica en lo estilístico, supondrá un broche de oro para esta quinta edición de DGTL en Barcelona.
Polémicas, provocaciones, derrapes artísticos, apuestas arriesgadas, shows imprevisibles… y mucha, mucha cera. Tanto meter caña y, al final, siempre acabamos igual, dándole las gracias al mejor festival del mundo. En nuestra previa, ya avisábamos de que Sónar encaraba una de sus ediciones más complicadas. ¿Que cómo fue? Pues, como siempre, sobresaliente.
Cuando Amelie Lens, Dixon y Louie Vega y Honey Dijon ponían punto y final a sus sesiones (corrían las 7 de la mañana del domingo en la Fira Gran Via de L’Hospitalet), me invadió un sentimiento de culpa. Algo dentro de mí me decía que no había sido justo con Sónar. No habíamos tratado al festival como se merece. Pero empecemos la historia por el principio.
El “no festival” de música avanzada
Miércoles 19 de junio. 12h del mediodía. Antigua Fábrica Estrella Damm. Barcelona. Rueda de prensa de presentación oficial de Sónar y Sónar D 2019. Llegamos con el cuchillo entre los dientes. Bad Gyal, estrella del programa diurno. Bad Bunny, protagonista en la noche. Con él, un A$AP Rocky que (justa o injustamente) acabó faltando a la cita por estar encarcelado en Suecia tras un encontronazo callejero. Esto no es la vanguardia artística que siempre ha acompañado al festival. La pregunta era un clamor: “Sónar, ¿qué te ha pasado?”
Por otro lado, los más críticos llevaban meses señalando a los organizadores por no haber bloqueado las fechas a tiempo. La dichosa feria textil pasaría por encima. Sónar tendría que moverse a julio. “Hará más calor”, “habrá dos OFF Week”, “muchos artistas tendrán ya esas fechas reservadas”, etc., etc., etc. Sónar recibió cera a diestro y siniestro. Durante meses. Non-stop.
Era miércoles a mediodía. Estábamos, precisamente, en la misma semana que habría acogido al festival en cualquier otro año. El sol no tenía piedad. Barcelona era irrespirable (al final, cosas del destino, el cambio de fecha fue bueno incluso en eso). En la rueda de prensa, Enric Palau, programador del festival, destacó que el reggaetón ya llevaba años sonando en Sónar. Concretamente, desde que Diplo puso “La Gasolina” de Daddy Yankee en 2006 o desde que Calle 13 fueron también headliners poco después.
Estuve fijándome en la comunicación de Sónar en sus redes sociales durante todos los meses previos. Y estuve atento durante la presentación. Ni una sola vez se mencionaron las palabras “festival de música avanzada”. Ni una sola vez. Esa terminología ha caracterizado a Sónar durante 25 años, pero ya no se usa más. Y preguntamos por qué. “Al hablar de desarrollo tecnológico aplicado a la performance, de inteligencia artificial y de nuevas corrientes escénicas, se da por sentado que todo ello engloba un concepto de música avanzada a su tiempo”, fue la respuesta. La compramos, pero el lema o eslogan de un festival no deja de emplearse así como así. ¿Acaso estaba Sónar reconociendo que ha perdido cierto enfoque?
La dirección lo tenía todo controlado
Sergi Caballero y Enric Palau llevan 26 años organizando el festival de música electrónica más influyente del mundo. Si de algo saben es de dirigir las propuestas y de, en cierto modo, orientar los gustos del público. Es evidente que ellos también se encuentran con imprevistos. El cambio de fecha fue el más grave y parece que la única consecuencia ha sido la pérdida de 5.000 asistentes, pasando de 126.000 a 121.000. No es para tanto.
Lo demás estaba controlado. Absolutamente controlado. La apuesta por la música urbana, también. No es un antojo, sino la fiel representación de un movimiento tangible y real en la sociedad. Un movimiento de alta relevancia y de mucha influencia en el resto de géneros alternativos. Como firmé ya en la crónica del festival, “Sónar no hace más que mostrar una realidad, ser fiel a ella y jugar un papel de ventana al mundo”. ¿No es ese acaso su cometido?
Y por todo ello, el festival apostó por una entrada triunfal a caballo de Cecilio G, un tipo que también conoce bien lo que es estar entre barrotes. ¿Provocación? ¿Desidia? ¿Indiferencia? Al final, ¿qué más da? No llega a ser por las redes sociales, y, por ejemplo, yo no me habría enterado.
26º recital electrónico de Sónar
No me habría enterado porque, queridxs amigxs, Sónar (y puedo afirmarlo lleno de felicidad) sigue siendo el mismo Sónar que enamora a Barcelona desde hace 26 años. Sónar, amigxs, sigue siendo nuestro Sónar. Abriendo puertas a nuevos estilos, nuevas corrientes, nuevos públicos, pero cuidando y mimando a los que, desde hace años, seguimos hallando en este evento nuestra mayor fuente de inspiración.
No puedo negarlo. Entramos en Sónar con la mosca de Bad Gyal, Cecilio G y Bad Bunny detrás de la oreja. Y, sin darnos cuenta, estábamos ya bailando con el directazo de Dengue Dengue Dengue. A partir de ahí, a romperse la cabeza. La unión de Daito Manabe y Kamitani Lab o el live de Fennesz en el Cómplex, las demencias sonoras de Shiva Feshareki, Afrodeutsche o Slikback en el XS, los fiestones de Leon Vynehall o Daphni en el Village y la ida de olla de Arca con “Sal de mi cuerpo” en el Hall hicieron nuestro jueves.
Salimos de la Fira Montjuïc exhaustos, sobrecogidos, impresionados por todo cuanto habíamos visto. Y era el día flojo. Aquello acababa de empezar y nosotros ya empezábamos a preguntarnos aquello de: “¿En serio hemos dudado de Sónar todo este tiempo?”
A partir de entonces, todo mejoró. El viernes, DJ Krush y Maya Jane Coles nos brindaron sesiones legendarias en el Village. Ylia y Lorenzo Senni hicieron del Dôme un aula musical de nivel avanzado. Mans O y Holly Herndon cruzaron nuevas fronteras performáticas en el Hall. Bruce Brubaker y Max Cooper hicieron magia en el Cómplex. Y Aleesha, Muqata’a y Virgen Maria rompieron todos los esquemas en el XS.
El sábado, LYZZA armó una rave antes de hora en el Village, antes de que Red Axes y Erol Alkan derrocharan estilo a los cuatro vientos. Casi no nos enteramos de lo de Bad Gyal, pues una joven alemana llamada Perel (ya hemos hablado de ella) estaba convirtiendo el Dôme en lo más parecido al cielo. La belleza de la música de Kelly Moran homenajeando a las enseñanzas de John Cage en el Cómplex o la maratón vanguardista del Hall con Nicola Cruz, Actress y Max Cooper (que repitió) casi ni hacían falta. Aquello era un recital.
Por la noche… Bad ¿qué?
Ni nos acordamos de que estaba actuando Bad Bunny. Ver tres shows como los de Caterina Barbieri, Deena Abdelwahed y Neon Chambers (unión de Kangding Ray y Sigha) de corrido fue algo digno de un Berlin Atonal o un Unsound. Con eso, uno ya podía acostarse feliz. Pero es que luego quedaba empalmar el rave revolucionario de HAAi con el viaje al pasado de Paul Kalkbrenner y el gran cierre con Dixon (ya sabéis, el mejor DJ de todos los tiempos para quien aquí escribe).
La noche anterior tampoco tuvo mucho que envidiar. El bochornoso cierre de DJ Koze no empañó un itinerario de escándalo con Tutu, Acid Arab, Murlo, DJ Seinfeld, Underworld, Mall Grab, un poquito de Disclosure, un directo épico y a oscuras de Four Tet y un b2b inédito de Palms Trax y Peggy Gou. Si esto fuera una jornada de Dekmantel, nadie se escandalizaría. Pero era Sónar, el supuesto “Sónar del reggaetón y del trap”.
Perdónanos, Sónar, no sabíamos lo que decíamos
Por eso, Sónar, te pido públicamente perdón. Perdón por haber dudado de ti, de tus principios, de tus gustos, de tu curaduría artística. Perdón por haber pensado que te rendías a propuestas menos elaboradas. Perdón por haber pensado que habías dejado la vanguardia de lado. Que habías olvidado tus orígenes revolucionarios. Perdón por creer que ya no ibas a ser más nuestro festival, el festival en el que, año tras año, me reencuentro con todo el mundo. Perdón por creer que el movimiento OFF te había ganado la batalla.
Amigxs, Sónar sigue siendo Sónar. Y nosotros seguiremos siéndole fieles. Porque, en 26 años, Sónar aún no ha fallado. Ni una sola vez. Ni un solo año. Y si no lo ha hecho en 2019, con todos los problemas y todas las críticas que ha recibido y con todos los riesgos que ha asumido, ya no creo que lo haga nunca. No, amigxs, Sónar no fallará. No le fallemos nosotros a él. Perdón por dudar de ti, Sónar, y gracias por aguantarnos un año más. Nos vemos en junio (sí, en junio) de 2020.
