Era un sábado cargado de planes para bailar en Barcelona. Diversos headliners de primerísima línea – como Amelie Lens, Ellen Allien o Sebastien Leger – actuaban también en la ciudad. Pero bailar la música favorita de los creadores del festival Dekmantel durante cinco horas no es algo que pueda hacerse muy a menudo. No íbamos a perdérnoslo.
Thomas Martojo – mitad del dúo fundador de uno de los festivales más demandados y valorados de la escena underground – tuvo problemas con su vuelo a Barcelona y no pudo asistir al evento. Quien sí lo hizo fue Casper Tielrooij. Con su habitual aspecto de persona desinteresada y ajetreada, un mixer rotatorio, tres CDJs y un plato giradiscos, Tielrooij representó a Dekmantel navegando entre el ambient con ligeras bases rotas, el leftfield house, el funk, el disco psicodélico e incluso el indie dance.
A la pista le costó llenarse. La sesión transcurrió de 22h a 03h y no fue hasta pasada la medianoche que la Sala 3 de Razzmatazz – conocida también como Lolita – empezó a llenarse. Los presentes se entregaron al ritmo del holandés y rodearon la coqueta cabina en todo momento, creando, precisamente, esa sensación íntima que buscaba la organización.
Cinco horas dan para mucha música… y para mucho agotamiento. Algunas de las mezclas no fueron precisas, ni siquiera acertadas, y se limitaron a la bajada y subida de fader. Las mayores habilidades de Casper Tielrooij estuvieron en la selección y allí fue donde sacamos el mayor jugo de la noche. A continuación, os dejamos con cinco de los mejores temas que sonaron durante el extended set de Dekmantel Soundsystem en la Intimate Journeys de octubre en Razzmatazz, Barcelona.
Alka Yagnik & Shankar Mahadevan & Anu Malik – Koi Jaye To Le Aaye (Tjade Edit)
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Casco – Cybernetic Love
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LSDXOXO – Death Rattle
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Mata Hari – Mata Hari
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Klein & MBO – Last Call (European Connection Unreleased Instrumental)
Fue el gran hit de 2018. Lo publicó el sello Drumcode a mediados de junio, aunque venía sonando desde hace meses en los mejores clubs y los mainstages más masivos de la escena electrónica mundial. Hablamos del “Your Mind”, un tema que logró amantes y detractores casi en igual proporción. Lo firman el sueco Adam Beyer y el holandés Bart Skils. Aunque muchos opinan que, en realidad, Bart Skils puso el talento y Adam Beyer, el nombre, la marca, la repercusión mediática. El boss de Drumcode salió a escena esta semana vía Twitter para desmentirlo.
What has that got to do with ghost production? Barts name is all over that record. I have a bunch of stems in that track coming from me, so yeah it was done together and wouldn’t have been the same. I’ve done over 100 solo records, you doubt my production skills? keep to subject.
— Adam Beyer (@realAdamBeyer) October 23, 2019
Como veis, Adam Beyer reconoce que Bart Skils hizo mucho trabajo en el tema y recuerda que su nombre también consta en los créditos. Pero, a su vez, reivindica que muchos de los stems empleados fueron creados por él Por último, recuerda que ha producido más de 100 temas a lo largo de su carrera (una carrera larga, más incluso que la propia vida de Drumcode) y clausura su tuit con un contundente “keep to subject”, que vendría a significar “XXXX”.
Hahahahaha . Really?!? … for those living in caves and think they have an opinion about the world: Adam produced amazing techno already back in the 90‘s and didn’t need anyone to help him.. I know. I was there. … this nonsense is getting out of hand .
— Chris Liebing Ⓥ (@ChrisLiebing) October 23, 2019
Otros grandes DJs de la escena techno big-room han reaccionado enseguida apoyando a Adam Beyer y ridiculizando a los críticos. Entre ellos, Seth Troxler, Joseph Capriati, Yousef y Chris Liebing. Este último dedicó unas bonitas palabras al sueco, destacando que él es testigo de las brillantes producciones que Adam Beyer firmó en los 90.
We’re not exactly in the same genres, but saw your tweet & thought I’d chime in… Man, YOU know what you do, what you work on & who you work with. I’ve grown more & more tired of the toxic know-it-all troll antics of the interwebs. As much as I love the connection with good 1/x
— Darude (@Darudevil) October 23, 2019
Una de las respuestas más populares, sin embargo, ha sido la de Darude, productor finlandés famoso en la escena trance por su himno “Sandstorm”. Darude reconoció que no está en los mismos géneros que Adam Beyer, pero le recordó que sólo él sabe lo que hace en el estudio y ello debe ser más que suficiente. Pese a todo, la gran pregunta sigue en pie. ¿Cuánta influencia real tuvo Adam Beyer en la creación de “Your Mind”? Al final, cada uno pensará lo que quiera.
Trikk es uno de los mayores embajadores del sonido electrónico portugués. Bruno Deodato nació en Oporto, donde se dejó influenciar por la música local… y por ciertos sonidos africanos que le cayeron cerca. No tardó en mudarse a Londres, atraído por la escena clubbing y de DJs de la capital británica. Allí forjó sus credenciales. Allí logró crear música que encontraría su hueco en sellos como Lossless, ManMakeMusic y, sobre todo, Innervisions. Con el reconocimiento y apoyo de Dixon y Âme, Trikk se ha convertido en un gran recurso para los mejores selectores de electrónica intimista del momento. Tras haber vivido y exprimido también los encantos de la escena berlinesa, Trikk vuelve ahora a Oporto, concretamente a Pérola Negra, para reencontrarse con muchos de sus amigos de siempre.
Una vez dijiste que no sabes hacer nada más a parte de crear música. Venga, va, seguro que hay algo que sí se te da bien…
¿Dormir?
Hablando de producir, también dijiste una vez que el límite no existe a la hora de acabar un tema, que simplemente sientes que está acabado. Un día, un músico y compositor dijo que las canciones nunca se acaban, sino que se abandonan. ¿Estás de acuerdo?
Estoy de acuerdo, sí. Conceptualmente, todo es siempre lo suficientemente bueno para salir. Pero, en la práctica, nunca está del todo preparado. Hablo personalmente, claro.
También dijiste que te gustaría gozar de necesidades básicas más baratas, para poder concentrarte más en la música y el arte. ¿Podrías contarnos un poco más?
Cuando empiezas tu carrera como músico, un alquiler barato y comida barata son ventajas a la hora de centrarte en tus objetivos. Si vives en una ciudad como Nueva York o Londres, la mayoría de tu tiempo irá destinado a trabajar para pagarte la comida o el alquiler, ya que es todo muy caro. Pero, al mismo tiempo, también quieres vivir en esas ciudades porque son hubs creativos. Es una situación win-lose. Cuando dije eso, pensaba en un “mundo ideal”, pero eso no existe, así que hay que apañarse con lo que tenemos.
No colaboras con muchos artistas. ¿Con quién estás más dispuesto a colaborar y por qué?
Simplemente, no lo fuerzo. Me interesa más que suceda de manera natural. Podría ser con cualquiera – estaré más abierto a experimentar que a colaborar con alguien sólo porque sé que funcionará musicalmente.
“Juizo Final” de Nelson Cavaquinho es uno de los temas que escogerías escuchar antes de morir. Sin embargo, no es, ni de lejos, lo que acostumbras a pinchar. ¿Es ese estilo musical una de tus mayores influencias? ¿De dónde viene tu gusto por estos sonidos?
Amo la música que evoca tristeza y honestidad. Y eso es justo lo que “Juizo Final” significa para mí. No es mi mayor influencia, pero esa samba y bossa nova es algo con lo que conecté profundamente, tal vez por los coros que usa, las letras… no lo sé. Tiene una honestidad trágica, o un sentimiento de “saudade”, que de algún modo me recuerda a Fado, lo cual me toca la fibra, ya que mi abuelo escribía letras de fado y las cantaba en casas de Fado por todo Oporto.
¿Podría decirse que el EP “Florista” cambió tu carrera musical (por haber sido publicado en Innervisions) o fue simplemente un paso más en tu carrera?
Fue un paso más, pero es que cada paso que doy cambia mi vida, independientemente de lo grande o pequeño que sea.
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Muchos de nosotros empezamos a conocerte por “Proto Ryth”. ¿La consideras una de tus mejores obras? ¿Podría considerarse una de esas piezas que sí cambió más tu vida? ¿Cuál es el secreto detrás de ella o cómo nació su idea?
No estoy seguro de si es mi mejor trabajo. No me gusta pensar de esa manera. Mi mejor trabajo está aún por llegar cada vez que me pongo a crear música, aunque al final no llegue. Creo que esa tiene que ser la filosofía. No hay secreto alguno. Hice “Proto Ryth” mucho tiempo antes de que se publicara. Recuerdo que me gustaba el track, pero nadie quería publicarlo. Alguien me dirigió a Lossless y me dijo que eran buena gente publicando buena música, así que les contacté, quedé con ellos y publicamos el tema. Técnicamente hablando, es mi “kick” favorito de cuantos he creado hasta la fecha, y no puedo recuperar el proyecto, porque lo perdí.
Explicaste que Kristian Beyer (Âme dj) tiene mucha música inédita tuya. ¿La mayoría nunca será publicada?
Dixon también tiene mucha y, no, la mayoría nunca será publicada. La mayoría de la música tiene caducidad hoy en día, porque es una industria que cambia muy rápido, como también cambian muy rápido los gustos de la gente que escucha este tipo de música. Todo ello significa que mi música no encaja en el “ahora”. Por eso no la publico.
El otro líder de Innervisions, Dixon, es para ti “un mentor y un amigo”. ¿Qué vino primero?
El público europeo tal vez no sepa que vienes de Oporto, pero que, de algún modo, eres medio africano… Cuéntanos más sobre ello y sobre cómo afecta o influencia eso a tu música.
Mi padre es de Mozambique y voló a Portugal por una guerra civil que hubo ahí cuando era joven. Me influenció en un momento particular de mi vida, que fue cuando estaba trabajando en mi EP “Mundo Ritual” para Innervisions. Estoy seguro de que, subconscientemente, todavía me sigue influenciando cada vez que hago música.
Eres de Oporto, pero tienes una gran conexión con Londres y con Berlín.
Berlín es donde estoy viviendo ahora, lo que me provee estabilidad. Londres me dio el conocimiento necesario sobre la vida y sobre la música.
El próximo 25 de octubre, pinchas en Oporto, tu ciudad natal. Supongo que no será un bolo más para ti…
Aprendo algo en cada fecha, lo que hace que cada fecha sea especial a su manera. Me gusta estar de vuelta en Oporto, especialmente porque nací aquí. Aún estoy muy vinculado a la ciudad y su gente, aunque haya estado viviendo fuera los últimos ocho años.
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Pincharás junto a Rui Vargas. ¿Qué tal te llevas con él?
Sólo tengo buenas palabras para Rui. Él fue de los primeros en confiar en mí cuando empecé con esto de pinchar y me contrató varias veces para tocar en Lux Fragil y otros eventos. Tengo un máximo respeto por todo lo que ha conseguido culturalmente para la música electrónica en Portugal. No se puede hablar de cultura de club en Portugal sin mencionar a Rui.
¿Y qué nos cuentas del lugar, Pérola Negra? ¿Y del estado actual de la escena musical y clubbing en tu ciudad?
Estuve una vez en Pérola, pero fue para un shooting de fotos de un amigo. Nunca he estado desde que empezó a abrir de forma regular y como club, así que no puedo decir nada al respecto. Tengo muchas ganas de descubrirlo. Igual pasa con el clubbing – tengo mis lugares favoritos, a los que siempre voy, pero están más enfocados en encuentros sociales. En lo que al clubbing se refiere, ha pasado mucho tiempo desde que salí por última vez en Oporto, sinceramente. Oporto, para mí, fue siempre muy experimental, o al menos eso percibía con el grupo de amigos con el que salía siempre en aquel entonces. El techno era también muy popular, recuerdo. Pero cada escena cambia muy rápido hoy en día, ya sea a mejor o a peor.
¿Dónde has estado en los últimos días/semanas y qué has estado haciendo?
He estado pinchando en EE.UU. – Nueva York y Miami – y luego estuve unos días de visita y haciendo música.
¿Un consejo para artistas jóvenes sobre cómo mantener una vida sana y tranquila entre tantos bolos?
Sólo puedo hablar por lo que ha funcionado para mí. Cada uno tiene un estilo de vida diferente. Yo no bebo (normalmente), no fumo, ni tomo sustancias químicas. Esto me ayuda mucho a gestionar una agenda de touring tan apretada. Bebo mucho té y zumos (Reishi, Lions Mane, Chaga), que son setas naturales que ayudan a fortalecer biológicamente tu cuerpo cuando lo necesita. Por ejemplo, si has de pinchar más de ocho horas en situaciones extremas, sin haber dormido.
¿Algo que quieras decir a los que vayan a verte el próximo 25 de octubre?
Dejaos las expectativas en casa, respetad al resto de bailarines y disfrutad.
Terminó la temporada 2019 en Ibiza y, ahora, tanto en la isla como en el resto del mundo, es momento para el análisis, para los números y para las listas. Para ver qué funcionó mejor, qué funcionó peor y qué, simplemente, no funcionó. Hubo fiestas que fracasaron (como Vagabundos), otras que siguieron triunfando (como Afterlife, elrow, ANTS o Pyramid), otras que debutaron con buenas sensaciones (como Transmoderna) y otras que, pese a su larga historia, siguen siendo referencia (como Cocoon o Circoloco).
También a nivel musical, es momento para analizar y entender qué estilos, producciones y sonidos son los que marcan tendencia, mejor encajan entre el público y más masas mueven. Un año más, los sonidos house y tech se llevan la palma. El groove sigue siendo el denominador común entre los mayores éxitos.
Estos son, ordenados del primero al décimo, los 10 temas más buscados en Shazam durante la temporada 2019 en Ibiza:
No deja de ser sorprendente que algunos de estos temas fueran estrenados en la temporada 2018 o, como en el caso de “Cola”, en junio de 2017. Parece que una grandísima parte del público que llena los macroclubs de Ibiza todavía no conoce tampoco el “Losing It” de Fisher.
Calvin Harris sigue siendo el artista EDM que más presencia logra en los clubs. La surcoreana Peggy Gou repite con “Starry Night” el éxito que alcanzó con “It Makes You Forget”. Y Marie Davidson y Soulwax confirman que su hit “Work It” ha cruzado cualquier tipo de frontera y levantado pasiones en todo tipo de fiesta. Ibiza no ha sido una excepción.
Pensar en música electrónica eslovena y no visualizar a Umek o Valentino Kanzyani es complicado. Ellos son los dos grandes exponentes de la escena de este país centroeuropeo. Ellos fueron quienes sentaron las bases, quienes iniciaron un camino que, hoy en día, muchos jóvenes eslovenos siguen con el sueño de llegar a ser tan grandes como ellos. Uno de los mejores ejemplos es GLIA, alias de Maja Ceh. Hablamos de una joven productora, DJ e ingeniera de sonido nacida en Slovenska Bistrica, un pequeño pueblo con varios miles de habitantes y rodeado por montañas y viñedos. Con tan sólo 24 años, ya puede decir que ha actuado en algunos de los mejores clubs de Europa. El mejor ejemplo es el Griessmühle de Berlín, ciudad en la que, como tantos otros DJs de la escena, ha vivido recientemente. GLIA fue una de las primeras invitadas a nuestra serie de eventos Xceed Rooftop Series. Ahora, aprovechamos para conocerla un poco más a fondo.
Hola GLIA, es un placer tenerte de nuevo con nosotros. ¡Me pregunto de dónde viene ese aka!
¡Hola! ¡El placer es mío! Mira: hace ya años, estábamos en clase de biología, tratando algo relacionado con el cerebro. La profesora nos explicó que las células GLIA ayudan y protegen a las neuronas. Me gustó cómo sonaba aquello de “GLIA” y decidí llamar así a mi próxima mascota. Al final, la cosa desvarió y terminé poniéndome GLIA como nombre artístico.
Preséntate ante los lectores de Xceed Night Mag.
Creo que soy una persona creativa y expresiva. Siento que puedo expresarme de múltiples maneras. Y una de ellas, claro, es la música. Nunca quise limitarme a una sola cosa, así que siempre me ha costado definir qué incluye GLIA. En una frase, GLIA es una parte de mí enfocada en crear música electrónica contemporánea y en pinchar, en hacer de DJ. Como ingeniera y productora de sonido que soy, me topo siempre con el conflicto de cuánto debo incluir a GLIA en otras cosas relacionadas con el sonido y el audio que también hago, como grabar y masterizar a bandas o cantantes, dar clases, guiar a jóvenes o inmiscuirme en diseños de producto. Además, siempre pienso en ideas nuevas sobre cómo expandir el concepto GLIA en colaboración con otros artistas más enfocados en aspectos visuales o similares.
Naciste y vives en Eslovenia. Cuando pensamos en DJs del país, automáticamente nos vienen a la mente Umek y Valentino Kanzyani, dos que no son precisamente jóvenes… ¿Qué puedes decirnos sobre ellos?
Respeto muchísimo a artistas como Umek o Valentino Kanzyani, así como a muchos otros algo más jóvenes y no tan famosos. Lo que han creado es admirable. Gente como Umek me influenciaron mucho cuando era pequeña -aquí le llamamos “fotr”, que significa “el padre”. Recuerdo ver videoclips suyos en la TV, con canciones como “Posing As Me” o “Carbon Occasions” y, sí, revolucionó totalmente mi vida de adolescente. De hecho, la primera vez que fui de rave de verdad fue con Umek y Carl Cox en cabina. Era un evento solidario en Ljubljana y, en aquella época, esa música tuvo un gran impacto en mí. Los admiro, porque son los que influenciaron y, en cierto modo, crearon la escena en Eslovenia. Se las arreglaron para transformer su marca underground en algo mainstream. Hoy en día, incluso aquellos que no tienen relación con la música electrónica saben quién es Umek.
¿Qué tal está vuestra escena a nivel nacional? ¿Hay, como tú, más talentos jóvenes que podrían llegar pronto a hacer cosas grandes en Europa?
Cuando miro hacia nuestra escena, veo un montón de artistas con muchísimo potencial. Sin embargo, en mi humilde opinión, creo que el problema es el miedo a buscar colaboraciones. Colaborar suele ser difícil, debido a un mercado pequeño y saturado. “Todo el mundo conoce a todo el mundo”, así que tienes que “conocer a alguien” para poder empezar. Pero, de verdad, aprecio mucho nuestra escena local pese a eso. Somos un país pequeño, pero gozamos de una escena que tiene prácticamente de todo, desde pequeñas fiestas muy underground en lugares abandonados, hasta grandes nombres internacionales que vienen a actuar aquí. Este año, vivimos uno de los momentos más tristes para nuestra escena local con el cierre de una fábrica de bicis abandonada llamada Rog. Ese ha sido, de lejos, el mejor lugar en el que he pinchado jamás. El gobierno ordenó el cierre porque ellos no ven la importancia que esos lugares tienen para la escena cultural alternativa de nuestro país.
Eres DJ, pero también produces tu propia música. ¿GLIA es más una DJ o una productora?
Buena pregunta. Si me guío por mis conocimientos, GLIA es sin duda mucho más una productora. Pero, si me guío por lo que más he estado haciendo hasta ahora, soy más una DJ. También siento que el estado mental y creativo en el que me encuentro cuando produzco música es completamente opuesto al proceso creativo del DJing. Cuando produzco música, me sumerjo en mi propio mundo, me centro en mis sonidos, en crear mis texturas y ambientes. Cuando pincho, el público, el espacio y el tiempo son siempre factores claves, factores que desaparecen por completo en el estudio. Pinchar es como la cerecita del pastel. Ponerle música a la gente con la que comparto pistas de baile es un disfrute único.
Viviste en Berlín hace no mucho. ¿Por qué crees que todos los productores/DJs acabáis viviendo allí en algún momento de vuestra vida?
Berlín es la ciudad más creativa que he visitado en mi vida. No tiene límites. Puede ser extremadamente grotesca e incluso depresiva, pero creo que la mayoría del buen arte que desprende nace de ese tipo de sentimientos. Normalmente, cuando la gente está eufórica y feliz, no puede ofrecer todo el arte que tiene dentro. Berlín tiene una energía única debido a su historia y a la gran cantidad de culturas que allí conviven. Ofrece mucha inspiración para cualquier tipo de arte: grafitis, cine, moda, pintura contemporánea… y largas y duras fiestas techno. Cualquiera encontrará su lugar ideal en Berlín, cualquiera hallará su inspiración en cualquier fiesta. Cuando estás ahí, sientes que quieres formar parte de eso.
En tu caso concreto, ¿qué te ofreció Berlín distinto a lo que te ofrecía Eslovenia?
Primero, debo decir que yo me mudé a Berlín porque fui a terminar mis estudios. Lo que Berlín me dio (y aún me da cada vez que voy) es libertad total para expresarme. Berlín tiene una energía única. Me encanta cómo una puede perderse por sus calles durante días olvidándose de que el resto del mundo existe. Viviendo allí, desarrollé una personalidad mucho más marcada, lo que me llevó a experimentar más y mejor con mis ideas y a asumir mayores desafíos a todos los niveles. Berlín es una gran ciudad en la que suceden cosas cada día de la semana. Poder ir sola por la ciudad bailando la música que amo hizo que me enamorara de aquella sensación de disfrute en solitario. Fue cuando más me conocí a mí misma. Obtuve distintas perspectivas sobre la vida y la humanidad y gané nuevos valores con los que identificarme.
¿Podemos decir entonces que la GLIA que conocemos y bailamos hoy en día no sería posible sin las influencias de Berlín?
Eso es innegablemente cierto. Y creo que puede percibirse en mis sets. Lo que más gracia me hace es que aprendí muchísimo sobre producción musical y DJing simplemente yendo a los clubs, escuchando y bailando la música que ahí sonaba. Así que mi objetivo es llevar esos sentimientos de vuelta a la gente que viene a mis bolos. Y, si consigo hacerlo con mi propia música, todavía mejor. Lo que creo que más me dio Berlín es determinación, no sólo a nivel personal, sino también en lo que a géneros o estilo de mezclar se refiere.
¿Qué hay sobre tus métodos de producción en Eslovenia? ¿Son los mismos que usabas en Berlín o es más complicado montarse un buen estudio en tu país natal?
Si te soy sincera, volver a Eslovenia me dio más opciones para producir música, debido a que pude ahorrar más dinero para comprar mejor material y nuevos equipamientos de audio. Me monté un pequeño estudio con dos monitores Adam, mi sintetizador analógico Korg, dos otros teclados, algunos micrófonos y pedales de guitarra y, por último, algún equipamiento de DJ, lo que me da la opción de trabajar de forma totalmente independiente. Mis técnicas de producción han cambiado, porque he mejorado todo mi material. Ahora, tengo un enfoque 100% analógico.
Cuéntanos más sobre ese enfoque musical.
Podría hablar de esto durante días. Todo empieza creando sonidos crudos, sonidos originales. Estos son, o bien grabados (ya sea mediante grabaciones de campo o grabaciones vocales), o bien sintetizados con mi sinte analógico. Luego, son procesados vía distorsión analógica o reverb y de nuevo grabados en el ordenador.
Esto es, resumido en una frase, cómo empieza el proceso de creación. Intento ser todo lo estructurada posible: los drums suelen ser el comienzo de mis temas. Intento crear la mayoría de mis sonidos con mis propios aparatos, añadiendo distintos efectos de guitarra para alcanzar el sonido que busco en las percusiones. Luego, siempre hay una baseline, o un synth lead, o incluso una vocal, para conseguir una línea roja del tema. Siempre incluyo algunas vocales grabadas, aunque ello requiera manipularlas para que se conviertan en un elemento percutivo más del tema.
Algunas veces, estoy fuera, en la ciudad, o viajando, o simplemente en eventos sociales, con gente, y me pondría a grabar ‘en secreto’ sólo para usar luego esos sonidos en un tema. Por supuesto, lo haría de forma que no fuera reconocible, pero el objetivo es crear algo que impresione, como sonidos hipnóticos o efectos vocales, muy propios de la electrónica. Mi objetivo es crear tantos sonidos originales como me sea posible. Hace no mucho, estuve en una clase sobre todo esto en una de las escuelas de música de Ljubljana. Tienes que querer crear tu propio sonido. Incluso si ello requiere un descubrimiento mayor y un proceso más exigente. Creo que eso es súper importante.
Llegados a este punto, creo que he automatizado el workflow en el uso de aparatos analógicos. No me gustan nada -de hecho, estoy en contra de aquellos que se limitan a utilizar samples ya existentes o, peor aún, loops en la mayoría de sus temas. Siento que eso no es producir música, sino más bien hacer un remix. Descargar algo ilegalmente en internet y tirarlo en tu DAW sin ningún tipo de organización lógica ni consistencia no es algo a lo que yo llamaría producción musical. Eso no es arte. Es por cosas así que la gente cree que crear música electrónica contemporánea es apretar un botón y boom: felicidades, ya eres productor/a.
Tú no solo creas tus propios sonidos, sino que también construiste nuevos aparatos en el último año.
¡¡Sí!! He estado muy metida en todo lo que es diseño de producto en los últimos dos años. Me aficioné mucho en Berlín. Trabajé con varios prototipos y pedí ayudas a mentores de Microsoft y similares. Y, hasta ahora, nunca me había encontrado tan dentro de un proceso de creación e ingeniería como lo estoy este año. Participé en un taller de construcción de sintetizadores analógicos y logré fabricar un sinte modular con dos osciladores muy básicos y un amplificador. Lo fabriqué dentro de una vieja caja de vino, lo pinté y le añadí botones de plástico para que pareciera menos rígido. Mi plan es añadirle un filtro y un secuenciador para que el sonido tenga más forma y sea más manipulable. ¡Es pequeñito, pero este cacharro es ya bastante bestia ahora mismo!
¿Cómo es la música que produces? ¿Y la que pinchas?
La verdad es que no soy muy coherente a la hora de conectar ambas. Es algo que me da mucha pena, porque, en la mayoría de los casos, mi propia música no encaja en mis sets. ¡Espero conseguir que encaje algún día! Muchas veces, la música que creo suena súper happy y melódica en comparación a lo que pincharía en un club. Creo que eso es, simplemente, consecuencia de mis emociones: cuando hago música, normalmente, estoy contenta, feliz. Cuando la pincho, pretendo que se caigan las paredes, crear una sensación de sótano a punto de reventar.
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Has pinchado, de hecho, en varias ciudades de Europa. ¿Cuáles son, hasta ahora, tus mejores experiencias?
Me lo he pasado increíble en prácticamente todos los sitios a los que he ido a pinchar. Empecé a pinchar en el extranjero hace varios años, cuando me hicieron residente de un festival en uno de los destinos más populares para el clubbing en Croacia: Zrće. Luego llegó Valenica y más tarde, Berlín. Allí, he tenido el enorme privilegio de actuar en Griessmühle este mismo año junto a grandes nombres como Insolate, Coyu, Marko Nastić, Clara Cuvé, David Morales, Reinier Zonneveld, Fernanda Martins o Metodi Hristov. Este verano, también he estado muy ocupada con festivales: pinché en el mainstage del mayor festival de electrónica de Eslovenia (StellarBeat). Creo que es el día que he tenido más público en mi vida. También fue increíble pinchar en Dubrovnik (Croacia) durante una noche del sello Deepnd Records en el casco antiguo (donde se rodó Juego de Tronos). No paran de salir fechas y aprecio mucho tener a gente que me apoya siempre allí donde voy.
¿Cuáles son las expectativas de GLIA de ahora en adelante? ¿Algún plan en tu agenda?
Tengo aún algunos bolos en el horizonte. Sin embargo, cada vez siento más que me acerco a una fase centrada en crear música. También me estoy aficionando al vinilo. He estado coleccionando algunos en los últimos años y creo que me apetece empezar a nadar en estas aguas. En lo que a los meses más inminentes se refiere, voy a publicar nuevos EPs en otoño e invierno. Y lo más importante, voy a mudarme (otra vez), lo que supondrá seguramente el cambio más drástico.
Siempre cuesta hablar sobre estas cosas. Quiero ser humilde y modesta. Ya sabes… compartir estos “grandes sueños” en voz alta da un poco de miedo. Por supuesto, tengo mis metas en cuanto a dónde quiero actuar o con qué sellos discográficos quiero firmar. En términos generales, estoy llegando a un punto en el que lo único que deseo, en el fondo, es calidad y, luego, poder compartirlo con aquella gente que ha estado disfrutando mi música y mis shows. Quiero crear música que evoque sentimientos en el oyente, ya sean estos de alegría o de enfado. Y también quiero combinar la música con distintos tipos de arte y colaborar con otros artistas con los que comparto una serie de valores. Pienso, por ejemplo, en crear unas visuales bien chulas, portadas de disco interesantes, cortometrajes… cosas así.
Umek, Valentino Kanzyani y poco más en materia de nombres famosos. ¿Eres una de las mayores esperanzas para la escena electrónica de tu país?
Si me comparo con Umek o Valentino Kanzyani, veo que tengo aún un largo camino por recorrer. Sólo con pensar en la cantidad de años que ambos han invertido en sus carreras y el conocimiento que tienen ahora mismo… sencillamente, no me atrevo a compararme con ellos. Y, sinceramente, tampoco me gusta mucho compararme con otros artistas. Creo que cada uno tiene su propio estilo y nuestra escena local está llena de buenos artistas, muchos de ellos mejores que yo. Lo que es crucial es crear tu propio sonido y tu propia escena. Ese es el ingrediente clave -y muchos ya lo han conseguido.
